martes, 13 de noviembre de 2007

"La venus del espejo" cuelga ya de las paredes del Museo del Prado.


"La Venus del espejo", una de las obras más emblemáticas de Velázquez que se conservan fuera de España, ha sido colgada esta tarde en las paredes del Museo del Prado, donde formará parte de la exposición que la pinacoteca dedicará este mes al maestro sevillano".
La obra, que pertenece a la National Gallery de Londres, ha seguido el protocolo habitual en este tipo de traslados, han explicado a Efe fuentes del Prado, y podrá ser contemplada por los visitantes del museo a partir del próximo día 20 en la exposición "Las Fábulas de Velázquez".
La muestra está incluida en el programa de actos de celebración de la inauguración de la mayor ampliación de la historia del museo y ha sido organizada para conmemorar los 188 años de vida de la pinacoteca.
"La Venus del espejo", óleo sobre lienzo de 122,5 por 177 centímetros, es uno de los grandes atractivos de la exposición, en la que se profundizará en la faceta del maestro sevillano como pintor de historia a través de 28 obras pintadas por él y 24 de otros artistas.
Exhibida por última vez en el Museo del Prado en 1990, con motivo de la antológica dedicada a Velázquez, se trata de la única obra que se conserva del maestro sevillano en la que aparece una mujer desnuda, aunque se sabe que pintó alguna más.
La autoría del cuadro es indiscutible, pero sobre su fecha de ejecución existen diferentes teorías.
La pintura aparece inventariada en el año 1651 entre los bienes de Gaspar Méndez de Haro, sobrino del Conde Duque de Olivares, lo que hace suponer que debería ser anterior a 1648, año en que Velázquez emprendió su segundo viaje a Italia, del que no regresó antes de la fecha del citado inventario.
Otra posibilidad es que pintara la obra en Italia durante los dos años en los que residió allí y luego fuera enviada a España antes de su regreso.
La Venus estuvo desde 1688 a 1802 en poder de la Casa de Alba, donde llegó después del matrimonio del Duque de Alba con Cristina de Haro y Guzmán, hija del marqués del Carpio, del que heredó el cuadro.
La pintura fue incautada, de 1802 a 1808, por Manuel Godoy a la muerte de la duquesa Cayetana de Alba. En 1808 el cuadro fue adquirido por G.A.Wallis para W. Buchanan, de Londres, que lo tuvo hasta 1813.
Posteriormente pasó a manos de George Yates, quien poco después lo vendió a J.B.S.Morrit (Yorkshire) por 500 libras. En 1905 fue vendido a la casa Agnew and Son, de Londres y en 1906 lo adquirió la National Gallery por 45.000 libras.
En 1914, el lienzo fue acuchillado por una sufragista inglesa que le dio siete puñaladas que apenas sí se notan, y en la actualidad se exhibe protegido por un espejo.
Velázquez trata el tema de Venus ante el espejo de una manera muy diferente a los artistas venecianos, dando un sesgo personal y muy español al tema de la mujer tendida. La deidad, que en la pintura del sevillano se humaniza, está de espalda y su rostro, que se adivina en el espejo que sostiene el cupidillo, es el de una mujer de belleza palpable.
Fuente: EFE

Un museo alemán exhibe 70 obras de Picasso de "Los años 50" cedidas por España y Francia.

La Moderne Galerie de Saarbrücken (oeste de Alemania) exhibe desde hoy y hasta el 24 de febrero una completa muestra de setenta obras del pintor español Pablo Picasso, cedidas por museos españoles, franceses y norteamericanos, que repasan su producción artística durante "Los años 50".
El director del museo, Ralph Melcher, señaló que se trata de una exposición única por el periodo temporal que abarca y el número de obras reunidas, y destacó que el arte de Picasso (1881-1973) es "sinónimo de modernidad".
"El impacto de su obra en el arte contemporáneo es incalculable y ha influido incluso en la moda o en la publicidad", señaló.
La muestra incluye obras como "Las palomas" (1957) cedida por del Museo Picasso de Barcelona y "Corrida de toros" (1959) de la Galerie Rosengart de Luzern.
Melcher destacó que la exhibición permite captar la "profundidad" de la mirada del artista, su "concepción" del arte y sus "impresiones" de la vida cotidiana que transmiten el "sentimiento" vital de la década de los cincuenta.
Explicó que esos años marcan un punto de inflexión en la producción de Picasso puesto que las cuestiones públicas y la política "rivalizan" con los temas privados e íntimos.
Además, considera este periodo "especialmente interesante" ya que permite vislumbrar el estilo tardío del artista que le proporcionó fama mundial.
Hasta el mes de febrero, el museo acogerá proyectos pedagógicos, ponencias y mesas redondas sobre la figura del artista e incluso el Ballet Regional de Sarre interpretará en cinco ocasiones el espectáculo "Picasso en movimiento".
Fuente: EFE

El Guernica se revisa semanalmente y se limpia una vez al año.

El estado del Guernica se revisa una vez a la semana y, como mínimo, una vez al año se realiza una limpieza superficial para la retirada del polvo, ha informado hoy el Museo Reina Sofía.
Asimismo, cada diez años aproximadamente se hace necesaria una limpieza del reverso de la obra de Picasso, señala en un comunicado el museo, que ha reconocido que así ocurrió entre el 22 y el 29 mayo de 2006, según el protocolo con el que trabaja el departamento de Restauración la pinacoteca.
Los trabajos, aprobados por el Patronato del Museo, consistieron en descolgar el Guernica, montarlo sobre un soporte móvil para poder separar la obra del muro y, posteriormente, limpiar el polvo acumulado entre el bastidor y el reverso del soporte.
También se recogieron muestras de residuos para su posterior análisis, se tomaron fotografías, se realizó una placa radiográfica de la totalidad de la obra y se procedió a la modernización del sistema de anclaje.
El Museo Reina Sofía ha explicado estos trabajos, llevados a cabo en uno de los cuadros más emblemáticos de Picasso, ante una información publicada hoy por el diario "ABC" en referencia a la operación llevada a cabo en 2006.
La pinacoteca ha insistido en que en el movimiento del Guernica, la obra "no corrió peligro alguno en ningún momento y en absoluto se produjeron irregularidades en su manipulación".
Según la nota, "se aprovechó el cierre temporal de las salas para el montaje de la exposición 'Picasso, Tradición y Vanguardia' para efectuar dichos trabajos, que estuvieron en todo momento dirigidos por el Departamento de Restauración del Museo", cuyo director es Jorge García Gómez-Tejedor.
El trabajo concluyó "con éxito", según la pinacoteca, que en los momentos de los hechos tenía como directora a Ana Martínez de Aguilar, y "ha permitido la mejora de las condiciones de la obra y su entorno, optimizando el control de las condiciones expositivas y medioambientales".
Tanto el director del departamento de Restauración del Reina Sofía, Jorge García Gómez-Tejedor, como su antecesora, Pilar Sedano, mantienen la opinión de desaconsejar el traslado de la obra Guernica a otro museo, dado el "delicado, complejo, pero estable, estado de conservación" del cuadro, añade la nota.
Fuente: EFE

Los maestros modernos del dibujo se reunirán en el museo Thyssen-Bornemisza.

Una selección de 71 obras sobre papel de algunos de los nombres más destacados del arte de los siglos XIX y XX, entre los que se encuentran Goya, Toulousse-Lautrec, Van Gogh, Gauguin, Picasso, Miró, Freud o Warhol, podrán contemplarse en la exposición que el Museo Thyssen-Bornemisza dedica a los "Maestros Modernos del Dibujo".
La muestra, de la que es comisario el conservador jefe del museo Guillermo Solana, abrirá sus puertas del 27 de noviembre al 17 de febrero y está formada por la piezas procedentes de una colección privada española, la Colección Abelló, que se muestra al público por primera vez en un conjunto tan amplio.
Considerado desde el Renacimiento como una reflexión previa a la creación de la obra de arte, el dibujo no fue valorado como un medio artístico en sí mismo hasta la liberación de las artes en el siglo XIX y la búsqueda por parte del artista de la especificidad del medio con el que trabajaba. Esta búsqueda es el punto de partida de la exposición, que trata de ahondar en las líneas esenciales de las vanguardias artísticas a través del dibujo.
Las obras presentes en la muestra permitirán seguir la evolución del dibujo a lo largo de los siglos XIX y XX, partiendo de Goya y terminando con un artista vivo, el británico Lucian Freud. Un completo recorrido que presta especial atención al último tercio del siglo XIX y primera mitad del XX, momento culminante de las vanguardias, desde el Impresionismo al Surrealismo.
Especial importancia tendrán los artistas españoles, debido a la indiscutible importancia internacional que alcanzaron creadores como Pablo Picasso, Juan Gris, Julio González, Óscar Domínguez, Salvador Dalí o Joan Miró.
Guillermo Solana ha planteado un recorrido que arrancará con un magnífico retrato a lápiz que Goya realiza de su mujer, Josefa Bayeu, en 1805. El pintor aragonés es el más claro precursor del arte moderno, sobre todo en lo que a su obra gráfica se refiere, con la que alcanzó notoriedad internacional en vida.
Una de las piezas más destacadas es el pastel de Degas "Después del baño o Bañista secándose", que se exhibirá junto a "Joven arreglándose el pelo" de Matisse.
Maestros del Impresionismo y del Expresionismo, como Pissarro, Bonnard, Nolde, Munch, Kandinsky o Van Gogh, estarán presentes en una muestra que tendrá uno de sus atractivos en un conjunto de obra sobre papel de Pablo Picasso. También se colgarán dibujos de otros representantes de la corriente cubista y de sus derivaciones: desde Juan Gris o María Blanchard, hasta Pablo Gargallo y Torres García.
Otro de los grandes movimientos de la vanguardia del siglo XX, el Surrealismo, estará representado, entre otros, por los españoles Joan Miró, Salvador Dalí y Óscar Domínguez junto a André Masson o René Magritte.
Como punto final del recorrido, una pequeña representación del arte de la segunda mitad del siglo XX, con Balthus, Lucian Freud y Andy Warhol, junto a los dibujos de Miró con los que cerrará la exposición.
Fuente: EFE

Los Príncipes de Asturias visitarán en Pekín la muestra 'Arte y caballería en España. La Real Armería de Madrid'.

(Plaza de Tiananmen)
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Príncipes de Asturias visitarán el próximo 16 de noviembre la exposición 'Arte y caballería en España. La Real Armería de Madrid' en The Palace Museum de Pekín. La muestra, que ha sido organizada por la Sociedad Estatal para la Acción Cultural Exterior (SEACEX) y Patrimonio Nacional, ha llevado por primera vez a Asia una selección de obras maestras de la Real Armería de Madrid.
Comisariada por Álvaro Soler, conservador de la Real Armería del Palacio Real, la muestra ha reunido una selección de 150 piezas de esta colección, que está considerada una de las más importantes del mundo en su género. El objetivo de la exposición es mostrar al público chino una visión lo más completa de esta manifestación artística, testigo del mundo caballeresco como componente importante de la mentalidad española y europea.
Esta muestra es la última gran exposición del amplio programa promovido por SEACEX con motivo de la celebración del Año de España en China.
En la inauguración, los Príncipes de Asturias, estarán acompañados por José Antonio Bordallo, Gerente de Patrimonio Nacional; Pilar González, Gerente de la SEACEX; Rafael Spottorno, Director de la Fundación Caja Madrid -patrocinadora de la exposición- y Álvaro Soler, comisario de la exposición.
La muestra cuenta con la colaboración del Ministerio de Asuntos Exteriores y de Cooperación, Ministerio de Cultura, Dirección General de Asuntos Exteriores. Ministerio de Cultura de la República Popular China, Instituto Cervantes y Embajada de España en Pekín.
Fuente: EUROPA PRESS

Expertos mundiales reflexionan sobre las "miradas sobre España" desde la literatura y las artes.

Más de 50 especialistas de Universidades y organismos de todo el mundo participan desde hoy y hasta el viernes en el Congreso Internacional Miradas sobre España, organizado por el Centro Cultural Bancaja y que completa la oferta cultural con motivo de la exposición "Visiones de España" de Joaquín Sorolla.
El Congreso, dirigido por los comisarios de la exposición de Sorolla, Facundo Tomás y Felipe Garín, servirá para reflexionar, a través de conferencias y mesas redondas, sobre los enfoques con los que se ha visto a España desde la literatura y las artes, según han informado hoy fuentes de la organización.
El catedrático de Literatura Española de la Universitat de València Joan Oleza ha abierto el congreso con la ponencia "De adentro hacia fuera y acerca de todo. La mirada autobiográfica", a la que ha seguido una mesa redonda sobre la imagen de España durante la época del Romanticismo.
Para finalizar la primera jornada de este congreso varios expertos han analizado la visión de España desde el mundo hispanoamericano.
Mañana se debatirá sobre la influencia de figuras españolas universales de la literatura como Ramiro de Maeztu, Blas de Otero y Vicente Blasco Ibañez en la construcción de la imagen de España.
Fuente: EFE

Un biombo de Gaudí creado para La Pedrera se vende en 1,38 millones dólares.

Un biombo realizado en madera de roble y cristal coloreado en rosa por el artista español Antoni Gaudí para decorar a principios del siglo pasado la parroquia La Pedrera (España), se subastó hoy en Nueva York por 1,385 millones de dólares.
La pieza, creada en 1909 para la Casa Milá de Barcelona, forma parte de la colección del estadounidense Allan Stone, fue valorada por la firma de subastas entre 1,5 y 2 millones de dólares, y aunque se vendió ligeramente por debajo, un portavoz de la firma subrayó que aún así, "es un récord de venta mundial para el artista".
Asimismo señaló que ese biombo es "una de las obras de arquitectura más influyentes y representativas del artista".
Ese biombo fue una de las piezas mostradas en la exposición "Barcelona y Modernismo: de Gaudí a Dalí", que el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York celebró este año, y se diseñó inicialmente para la Casa Milá, también llamada La Pedrera, situada en el centro de Barcelona y Patrimonio Mundial desde 1984.
El plano sobre el que Gaudí basó esta casa se centra en dos patios interiores alrededor de los que se desarrollan las plantas de la casa para que penetre en ella el máximo de luz natural posible.
La pieza subastada en Manhattan "es un buen ejemplo de la personalidad de la casa por su juego de contrastes entre elementos opacos y traslúcidos. Los paneles esculpidos en madera de roble contrastan con los cristales teñidos de rosa", señaló Christie's.
Para los expertos de la casa de subastas "más que un objeto funcional, Gaudí crea una escultura, y más que una escultura, este biombo puede ser considerado una obra de arte abstracto, orgánico, que se adelante a los motivos y líneas surrealistas que tendrán lugar en las próximas décadas".
Esta venta forma parte de las subastas que las grandes firmas internacionales de ese mercado realizan cada año en su último trimestres.
Christies's sacará también mañana a la venta piezas importantes de arte contemporáneo, como la escultura "Blue Diamond" (Diamante Azul) realizada en 2005 por Jeff Koons, que se ha valorado entre 12 y 20 millones de dólares.
Esa misma firma intentará vender también mañana el famoso cuadro "Colored Liz", que Andy Warhol pintó en 1963 de la actriz Elizabeth Taylor, considerado como un icono del pop-art, y cuyo precio se ha estimado entre 25 y 35 millones de dólares.
Sotheby's sacará también el 14 de noviembre a subasta otra de las fabulosas esculturas de Koons, la titulada "Hanging Heart (Corazón colgante)", que es un gigantesco corazón de cristal de color magenta y oro, y por el que podrían llegar a pagarse entre 15 y 20 millones de dólares.
El fabuloso corazón, que pesa 1.560 kilos, es una de las obras más conocidas de Koons, que tardó diez años en concebir y terminar, y que forma parte de una colección de cinco piezas de color.
Fuente: EFE

lunes, 22 de octubre de 2007

Bilbao acoge la mayor muestra de arte de EEUU expuesta en Europa.

Unas 200 obras de unos 120 artistas acoge el museo Guggenheim de Bilbao en 'Art in the USA: 300 años de innovación', la mayor muestra de arte estadounidense expuesta hasta el momento en Europa.
Inaugurada el 11 de octubre, ocho días antes del décimo aniversario del museo, la exposición estará en Bilbao hasta finales de abril, después de haber pasado por Pekín, Shanghai y Moscú, pero ampliada con unas 75 obras más.
Se trata de un "primer análisis histórico del arte estadounidense" y ofrece "una visión extraordinaria del desarrollo cultural e histórico de nuestra nación", desde comienzos del siglo XVIII hasta hoy, explica el director de la Solomon Guggenheim Foundation y comisario de la exposición, Thomas Krens.
La muestra, compuesta de muchas obras que nunca habían salido de Estados Unidos y dividida en seis períodos, comienza revelando la parte menos conocida en Europa del arte norteamericano, que abarca los siglos XVIII y XIX. La pintura rígida y 'naif' del período colonial que quiere imitar a la británica incluye retratos de personajes públicos como 'George Washington', de Gilbert Stuart, y una curiosa 'Galería del Louvre', de Samuel Morse, el inventor del telégrafo.
A comienzos del XIX, George Catlin retrata a los indios americanos, pero dominan los paisajes, como los de George Inness. Al final de ese siglo y comienzos del XX, los contactos con el exterior y los períodos que muchos pintores pasan en Europa hace que sean más conocidos algunos impresionistas como John Singer Sargent, McNeill Whistler y Mary Cassatt.
En el período de entreguerras conviven el realismo social con el regionalismo (Benton, Hartley, Hopper, Georgia O'Keeffe). Y, tras la Segunda Guerra Mundial, el expresionismo abstracto da figuras internacionales como Pollock, Rothko y De Kooning. Y tras el arte pop de los 60 (Warhol, Lichtenstein, Rosenquist), el de los últimos 20 años, con Keith Haring, Basquiat, Julian Schnabel y Jeff Koons.
Fuente: AFP.

Primera retrospectiva Klimt en EE.UU. se exhibe en Nueva York hasta junio 2008.

La primera retrospectiva en Estados Unidos sobre la obra del pintor Gustav Klimt, incluyendo el retrato de Adele Bloch-Bauer, considerado el cuadro por el que más se ha pagado en el mundo, se podrá visitar en Nueva York hasta el próximo 30 de junio.
Titulada "Gustav Klimt: las colecciones de Ronald Lauder y Serge Sabarsky", la muestra se expone desde esta semana en la Neue Galerie de Manhattan y consta de ocho pinturas y más de 120 dibujos del artista austríaco que se ha logrado reunir por primera vez.
La exposición une así las colecciones de Lauder y Sabarsky, cofundadores de la Neue Galerie, sobre las obras de Klimt (1867-1918), creador del movimiento de art nouveau en Austria y símbolo de la llamada "destrucción creadora" que entonces dominaba el panorama artístico vienés.
"Los trabajos de Klimt representan la quintaesencia del fin de siglo en Viena: su riqueza, su sensualidad y su capacidad de innovación", dijo la directora de la Neue Galerie, Renée Price.
Para Lauder, heredero del imperio de los cosméticos Estée Lauder y propietario del célebre retrato de Adele Bloch-Bauer, el pintor austríaco "es de suma importancia en el desarrollo del arte moderno, y parte central de la colección y la misión de este museo".
Lauder adquirió hace apenas un año el cuadro, un óleo de 138 por 138 centímetros conocido como "la Adele de oro", por los tonos predominantemente dorados con que Klimt reflejó a la sensual esposa de un empresario judío, Ferdinand Bloch-Bauer, y de la que entonces se dijo que fue amante del artista.
Ese cuadro, por el que se pagaron 135 millones de dólares, es pieza central de esta sala de exposiciones, primer destino fuera de Austria para quienes quieran admirar los trabajos "de un artista tan complejo y particular", dijo Price.
Los organizadores de la muestra han incluido también, como uno de sus grandes atractivos, la reconstrucción del salón de recepción del segundo estudio del artista vienés con sus propios muebles.
Esa recreación de una parte del estudio del pintor modernista está basada en los planos originales de la residencia y en las fotografías de 1912 que perduran sobre el estudio vienés que Klimt ocupó desde 1892 durante dos décadas.
Los muebles son los originales diseñados por Josef Hoffmann, y han sido prestados por la colección Ernst Ploil de la capital austríaca.
Además de esas pinturas y dibujos y del particular estudio recreado tan fielmente, los organizadores han incluido en la exposición algunos objetos que pertenecieron al autor de pinturas tan conocidas como "El beso" o "Dánae".
Entre los efectos personales de Klimt, la Neue Galerie ha incluido unos gemelos de camisa y un sello, ambos diseñados por el arquitecto Josef Hoffmann, así como una bata de pintar del artista, la única que se conserva.
La recreación de ese ambiente modernista vienés del estudio y la muestra se completa con la música de fondo elegida para la ocasión, que incluye piezas de los autores más admirados por Klimt, como Beethoven, Brahms o Schubert.
Con esta retrospectiva se acerca al público estadounidense el trabajo de un gran pintor apenas conocido en este país durante la primera parte del pasado siglo y cuya reputación entre admiradores y coleccionistas comenzó a partir de los años sesenta, para ser hoy día un artista de culto.
La exhibición contiene además una muestra de dibujos realizados por estudiantes vieneses de entre 10 y 14 años inspirados en la famosa "Adele de oro", y presentes aquí bajo el título de "Adele llega a América".
Para completarla los organizadores han publicado un catálogo ilustrado, con ensayos de Marian Bisanz-Prakken, Emily Braun, Alessandra Comini, Ronald Lauder, Sophie Lillie, Tobias Natter y Renée Price, entre otros.
En esa publicación aparece además una entrevista con Maria Altmann, sobrina de Adele Bloch-Bauer y anterior propietaria de la obra, por la que pleiteó en los tribunales con el Gobierno austríaco para recuperar un tesoro artístico confiscado durante la ocupación nazi.
Fuente: EFE

El Museo del Prado es el lugar elegido para exponer en Madrid los murales de Sorolla.

El Museo del Prado es el lugar elegido para exponer en Madrid, en mayo de 2009, los murales que Joaquín Sorolla pintó para la Hispanic Society de Nueva York y que se mostrarán por primera vez en España el próximo mes de noviembre, en el Centro Cultural Bancaja de Valencia.
Así lo confirmó a EFE el gerente de la Fundación Bancaja, Miguel Ángel Utrillas, quien explicó que la posibilidad de exponer en España los catorce murales que forman la obra "Visiones de España" es "única e irrepetible" puesto que las pinturas no habían salido antes de la institución, que ya ha manifestado la intención de que tras su llegada de España permanezcan siempre allí.
Joaquín Sorolla retrató entre el 1912 y el 1919 su visión particular de España en catorce grandes lienzos de 3'5 metros de alto y sesenta metros de ancho en total, en las que están representadas las fiestas y actividades típicas de las diferentes regiones.
La obra fue encargada a Sorolla por el fundador de la Hispanic Society de Nueva York, Archer Milton Huntington, quien creó la Fundación para difundir la cultura española y latinoamericana, de las que era un apasionado.
La colección será inaugurada en Valencia el próximo 7 de noviembre por los Príncipes de Asturias, y en marzo, cuando se clausure en esta ciudad, iniciará un recorrido por diferentes capitales españolas para exponerse en el Museo de Bellas Artes de Sevilla, en Málaga, en el Museo Nacional d'Art de Catalunya de Barcelona, y en el Museo de Bellas Artes de Bilbao.
Utrillas explicó que desde la Fundación pretenden que la muestra vuelva a Valencia, la tierra natal de Sorolla, tras de exponerse en El Prado, museo en el que el pintor siempre deseó ver sus obras.
Entre las obras de Sorolla de esta exposición se encuentran "Las grupas" (Valencia), "El palmeral" (Elche), "La fiesta del pan" (Castilla), "Semana Santa: Los Nazarenos" (Sevilla), "El encierro" (Andalucía), "Los toreros" (Sevilla) o "La Pesca del Atún" de Ayamonte (Huelva)
Bancaja ha en este proyecto más de dos millones de euros, ya que además del pagar la cesión, se ha hecho cargo de la restauración de los cuadros y del traslado de los mismos, que llegaron a Valencia en aviones fletados para la ocasión.
Fuente: EFE

Monumental mural de Siqueiros será restaurado a la vista del público.

El monumental mural "Ejercicio plástico", del artista mexicano David Alfaro Siqueiros, será restaurado a la vista del público a escasos metros de la sede del gobierno argentino, informa hoy la prensa local.
Sólo falta definir quién solventará los seguros para trasladar la obra desde los contenedores de las afueras de Buenos Aires donde se encuentra hasta el sitio donde será limpiado y recuperado por expertos argentinos y mexicanos, señaló al diario La Nación Magdalena Faillace, funcionaria de la Cancillería de Argentina.
El espacio donde será restaurado se halla a las espaldas de la Casa Rosada, sede del gobierno argentino, y perteneció a un antiguo edificio aduanero.
"La multinacional Techint asumirá el acondicionamiento de los contenedores y la empresa Delmiro Méndez se hará cargo del traslado", explicó Faillace, embajadora para los Asuntos de la Mujer de la Cancillería.
La obra, pintada sobre siete paneles, está en custodia de un juez pues la pelean judicialmente en Argentina dos particulares enfrentados por una deuda.
Según La Nación, todo parece indicar que el gobierno argentino asumirá la garantía de los seguros, en virtud de que el Parlamento aún no aprobó la ley para expropiar el mural pintado en 1933.
La obra de Siqueiros fue declarada "bien de interés histórico artístico nacional" por el Ejecutivo argentino en 2003 y es considerada por México como "monumento artístico de la nación".
El mural "Ejercicio plástico" fue pintado en la finca del periodista Natalio Botana, director del diario Crítica, con ayuda de los artistas argentinos Lino Spilimbergo, Antonio Berni y Juan Carlos Castagnino y con el escenógrafo uruguayo Enrique Lázaro.
En 1989, el restaurador Héctor Mendizábal, a través de la firma Seville, compró la finca para desmontar los siete paneles que comprenden el mural y así exhibirlo al público, pero la empresa quebró y el restaurador se enfrentó a una serie de demandas iniciadas por sus ex socios, quienes le reclamaban la propiedad de la obra.
A éstas se les sumó la presentada por la empresa uruguaya Dencanor, que compró el mural a Seville en 1994 por 824.000 dólares y quien ahora reclama la posesión.
Fuente: EFE

jueves, 18 de octubre de 2007

Una colección europea de tapices del Barroco se expone en el Metropolitan de Nueva York.

Una fabulosa colección de tapices procedentes de diez países y confeccionados entre 1590 y 1720 a petición de reyes, papas y aristócratas de toda Europa, se puede contemplar desde hoy y hasta el 6 de enero en el Museo Metropolitan de Nueva York.
Bajo el título "Tapicería en el Barroco: Hilos de Esplendor", el prestigioso museo neoyorquino ha organizado esta exhibición de 40 tapices que cuenta con la colaboración de instituciones de otros países poseedores de espléndidas piezas, como el Patrimonio Nacional de España.
La exhibición, que en parte se podrá visitar durante la primavera de 2008 en Madrid, según dijeron los organizadores, es también "la primera muestra global de la tapicería europea de alta calidad del siglo XVII y demuestra su importancia como una arte figurativo" de la época.
Desde la Edad Media al siglo XVIII, las cortes europeas mostraban gran generosidad a la hora de encargar a los artistas más a la moda los tapices con los que decoraban sus mansiones, pero que también eran "instrumento de propaganda", consideran los expertos del Metropolitan.
"En esta muestra puede verse la tapicería más importante del Barroco desde que Luis XIV se paseaba por las galerías de Versalles", dijo hoy el director del Metropolitan, Philippe de Montebello, que ve en ella "una experiencia visual sin igual para una audiencia moderna".
En esta muestra, que sigue a la realizada por la institución sobre los tapices del Renacimiento en 2002, se puede observar la evolución estilística de un arte al que contribuyeron los mayores artistas de la época como Peter Paul Rubens, Jacob Jordaens, Simon Vouet, Charles LeBrun, Pietro da Cortona o Giovanni Romanelli.
Además de los 40 tapices, se exhiben 25 diseños y dibujos, la mitad de ellos proceden de la escuela flamenca, como los Triunfos de la Iglesia, diseñado por Rubens, o los de Jordaens para los Austrias.
Precisamente esa tapicería de Rubens tuvo como destino el convento de las Descalzas Reales en Madrid.
La muestra incluye raras piezas como el dosel de un trono hecho para el rey de Dinamarca en 1584, las elaboradas en 1620 en la localidad inglesa de Mortlake para Carlos I de Inglaterra o los hechos por la fábrica francesa de Gobelinos para Luis XIV.
"Para la mayor parte de los ricos del siglo XVII, la tapicería era el principal instrumento de la decoración figurativa y de la propaganda, aunque ello apenas se menciona en los libros de historia", explicó el comisario de la exposición, Thomas Campbell.
Agregó que los "tapices del Barroco proporcionan equilibrio a esa visión miope del pasado".
La muestra consta de nueve secciones que recorren la evolución de los centros europeos que se dedicaban a la industria del tapiz desde 1580 hasta 1720, y en ella se recoge cómo la guerra de 1570-1580 en los Países Bajos hizo que muchos de sus artesanos tapiceros dejasen el país para marchar a otros lugares europeos.
Igualmente se muestra el renacer de esa industria en Bruselas, a partir de principios de 1600, de la mano de los archiduques Alberto e Isabel, y los diseños que Rubens pintó en óleos para la colección de la Casa Real española, y que luego se reproducían en lana y seda.
El declive de la escuela de Bruselas llevó al auge de la de París y de artistas como Antoine Caron, Henri Lerambert y Simon Vouet, y al de Mortlake, para volver de nuevo a Bruselas, y seguir en Florencia con los encargos de los Medici a los artesanos Lodovico Cardi y Lorenzo Lippi.
Otra sección de la muestra se concentra en la fábrica francesa de los Gobelinos, para acabar con los tapices elaborados para el duque de Marlborough.
Además de esa fabulosa colección de tapices, el Metropolitan ha abierto también esta semana otra exposición, "Regalos para los dioses: imágenes de los templos egipcios", en la que se pueden ver 70 estatuas y estatuillas elaboradas con metales preciosos y cobre que datan de hace dos milenios.
Fuente: EFE

Las esculturas de Antonio Canova se exponen en la villa Borghese.

La villa Borghese de Roma expone a partir de este jueves unas cincuenta obras del escultor italiano Antonio Canova, maestro en la escultura del mármol blanco y uno de los principales representantes del neoclasicismo italiano.
La exposición está organizada en torno a la obra más conocida de Canova (1757-1822), 'Paulina Borghese como Venus de la Victoria', propiedad de la villa Borghese, que Canova definió como "la villa más hermosa del mundo".
En la escultura, Paulina Bonaparte, hermana de Napoléon casada con el príncipe Camilo Borghese, figura con un aire lánguido en un lecho de mármol blanco, cuyos pliegues están tan finamente tallados que parecen auténtico tejido.
"Canova tenía una relación muy especial" con Roma, destacó el ministro italiano de Cultura, Francesco Rutelli, quien rindió homenaje "a los cinceles y la pluma" del artista, que "lo condujeron a la inmortalidad".
Antonio Canova trabajó para Papas y reyes de todo el mundo, y está considerado como uno de los mejores escultores neoclásicos.
Unas cincuenta esculturas, inspiradas de la mitología griega y latina, así como algunos cuadros y dibujos permanecerán expuestos hasta el 3 de febrero próximo en la villa Borghese, sede de una de las principales colecciones de arte de Italia.
Fuente: AFP

miércoles, 17 de octubre de 2007

"El Pensador" de Rodin, expuesto al aire libre por primera vez en España.

"El Pensador", una de las obras cumbre de Auguste Rodin, comparte desde hoy la calle con los viandantes por primera vez en España al haber sido instalada junto a otras seis piezas del escultor francés en la calle Larios, la vía más emblemática del casco histórico de Málaga.
Las siete obras proceden del Museo Rodin de París y permanecerán expuestas hasta el próximo 12 de diciembre en la capital malagueña, desde donde viajarán a Granada y Valladolid, en una muestra organizada por la Fundación "La Caixa".
Rodin (1840-1917), considerado en su época como el gran innovador de la escultura, concibió estas piezas para que permanecieran al aire libre, porque siempre tuvo el empeño de que sus obras "estuvieran al alcance de todo el mundo y no hubiera barreras entre el arte y los ciudadanos", ha afirmado hoy la comisaria de la exposición, Helene Marraud, del Museo Rodin.
"Todas las esculturas necesitan espacio, y especialmente, las monumentales, que no están concebidas para estar encerradas entre cuatro paredes", ha subrayado Marraud.
En el caso de "El Pensador" que da la bienvenida a los peatones a la entrada de la calle Larios, se trata de una figura de 650 kilogramos de peso, aumentada respecto a la que modeló Rodin, algo habitual en las creaciones del artista francés.
"La mayoría de las obras de Rodin han sido modificadas en el tamaño o se le han añadido elementos como los brazos, porque él nunca consideraba que una obra fuese definitiva", ha apuntado la comisaria.
Esta figura, inicialmente concebida para formar parte del grupo escultórico "La puerta del infierno", se instaló ante el Panteón de París hasta 1922, cuando se trasladó hasta su actual ubicación en el Museo Rodin.
Antes de Málaga, se había podido contemplar en la plaza de Tiananmen, en Pekín, en 1994, y en Roma este año con motivo del quincuagésimo aniversario del Tratado que originó la Unión Europea.
Completan la exposición seis estudios preparatorios del "Monumento a los burgueses de Calais", encargado a Rodin por esta ciudad francesa para conmemorar un hecho histórico ocurrido en 1347 durante la Guerra de los Cien Años.
El rey Eduardo III de Inglaterra sitió el puerto de Calais y prometió que sería indulgente si seis notables de la misma se entregaban ante él en camisa, con la cabeza y los pies desnudos y con una cuerda al cuello, y le entregaban las llaves de la ciudad.
Pese a que iban a ser ejecutados, finalmente se les perdonó la vida, pero la ciudad quiso a finales del siglo XIX reconocer el gesto de los burgueses y encargó el monumento a Rodin.
Se da la circunstancia de que éste modeló inicialmente las figuras desnudas, y a continuación las vistió con túnicas reales que empapó en escayola y añadió a las esculturas, ha explicado Marraud.
Por su parte, el secretario general de la Fundación "La Caixa", Luis Reverter, ha recordado que Rodin diseñó inicialmente sus obras para que fueran colocadas "encima de un gran pedestal", pero después cambió de opinión y quiso "acercarlas a la gente", algo que no consiguió hasta después de su muerte y que vuelve a lograr ahora con esta exposición en Málaga.
Fuente: EFE.

Exposición de Minerales y Fósiles reunirá colección de 49 venus neolíticas

Una colección de 49 venus neolíticas, esculturas dedicadas a la mujer encontradas en distintos
yacimientos europeos, será uno de los atractivos de la 30 edición de la Exposición Internacional de Minerales y Fósiles "Fosminer", que se celebrará en el Bilbao Exhibition Centre (BEC) del 19 al 21 de octubre.
Un total de 82 expositores participarán este año en "Fosminer", la feria dedicada a los fósiles y minerales más importante de las que se celebran en España, según dijo hoy al presentar el certamen el consejero delegado del BEC, José Miguel Corres, que resaltó también la "gran calidad" de las piezas que se podrán contemplar.
Los expositores, procedentes de España, Alemania, Marruecos, Polonia e Italia, mostrarán fósiles, minerales, gemas, meteoritos y otro tipo de piezas procedentes de yacimientos de todo el mundo.
El perfil de los asistentes engloba al público en general, expertos, coleccionistas, profesionales, comerciantes, investigadores, además de estudiantes y profesores de los distintos niveles de enseñanza, que acuden del País Vasco y de las comunidades autónomas limítrofes e incluso de otros países.
La exposición, a la que se podrá acceder de forma gratuita y en la que participarán la Fundación Atapuerca y la Asociación de Museos de Mineralogía y Paleontología, acercará al público visitante muestras de alto nivel y novedades importantes procedentes de todo el mundo.
Entre las novedades de esta edición se encuentra la colección titulada "La mujer en los albores de la Civilización", que se podrá contemplar por primera vez en España y que consta de las citadas 49 Venus Neolíticas.
Además, se instalará una réplica a tamaño natural de un león "Dientes de Sable" de 1,20 metros de alto por 2,30 de largo, procedente de California, que vivió durante el Pleistoceno, hace 1,8
millones de años, junto con una colección de 10 cráneos de este animal.
También serán expuestos 13 cráneos pertenecientes a grandes reptiles mesozoicos, una mandíbula de tiburón, un oso de las cavernas, una colección de meteoritos y se instalarán dos aulas temáticas distintas, una sobre el cambio climático y otra sobre la historia de la energía.
Fuente: EFE

Una subasta de arte contemporáneo supera los treinta millones de libras.

Una subasta de arte contemporáneo y moderno, en la que se vendieron obras de Andy Warhol y Yue Minjun, ha superado los treinta millones de libras (42 millones de euros), la cifra más alta alcanzada en una puja de otoño de este arte.
Según informó hoy la casa "Sotheby's", las ventas de anoche en su sede de Londres alcanzaron 34.865.300 libras (unos 49.857.379 euros/70.692.882 dólares), cifra tres veces más alta que la subasta de otoño del 2006, cuando la cantidad vendida llegó a 9,9 millones de libras (14,1 millones de euros/18,7 millones de dólares).
El responsable de las subastas de arte contemporáneo de Sotheby's, Francis Outred, dijo que los resultados de anoche demuestran que el mercado de hoy es más global.
El interés por artistas como Raqib Shaw y Yue Minjun pone de manifiesto que los coleccionistas internacionales tienen interés por trabajos de artistas de todo el mundo, añadió Outred.
La obra "Ejecución" de Yue Minjun alcanzó un precio de 2.932.500 libras, cifra muy superior al anterior récord por este artista, de 2.148.000 libras, y al de salida, de 1,5 y dos millones de libras.
La subasta de esa obra, por la que pujaron dos interesados por teléfono durante casi seis minutos, supone un récord para un trabajo de arte contemporáneo chino en una subasta, según Sotheby's.
"Ejecución" (1995) está inspirada por "Los fusilamientos del 3 de mayo", de Francisco de Goya, y "La ejecución del emperador Maximiliano", de Manet.
Una obra del indio Raqib Shaw, "The Garden of Earthly Delights III", se vendió por valor de 2.708.500 libras, muy superior al precio de salida, de entre 400.000 y 600.000 libras.
Con esa venta, se alcanzó un nuevo récord por una obra de este artista y también por una obra de arte indio en una subasta.
El trabajo de Shaw, un jardín de numerosos colores y que era la portada del libro dedicado a esta subasta de arte contemporáneo, es la obra más importante del artista que sale a la venta.
Cinco interesados pujaron por ella, lo que refleja la llegada del arte contemporáneo indio al mercado internacional.
La obra "Jackie" (1964) de Andy Warhol se vendió por 1.700.500 libras, frente al precio estimado de entre 300.000 y 400.000 libras, mientras que una pequeña obra de David Hockney, titulada "Swimming Pool" alcanzó 1.196.500 libras, cifra superior al precio de salida, de entre 450.000 y 550.000 libras.
La pintura de Hockney, que ha permanecido durante treinta años en manos de una colección privada, no había sido vista en público desde 1978, según la casa de subastas.
La obra "Untitled (Head)" de Jean-Michel Basquiat alcanzó 2.932.500 libras, frente al precio de salida estimado en 2,5 y 3,5 millones de libras, y fue adquirida por un comprador anónimo.
Esa obra es de 1981, año en el que el artista estadounidense de origen caribeño hizo la transición de la calle, donde se dedicaba a pintar grafiti, a las galerías del barrio neoyorquino Chelsea.
La obra de Francis Bacon "Studies of Isabel Rawsthorne", se vendió por 1.812.500 libras, precio que se ajustaba al estimado, que era de entre 1,5 y 2 millones de libras.
Fuente: EFE

El IVAM de Valencia, lleva al Museo de Bellas Artes de Hanoi dos exposiciones.


El IVAM presenta en el Museo de Bellas Artes de Hanoi las muestras Miradas españolas sobre la experimentación en la colección fotográfica del IVAM y La Alquimia de los Herreros. Estas exposiciones podrán visitarse del 13 de octubre al 12 de diciembre de 2007. La primera de ellas, comisariada por Consuelo Císcar y José V. Monzó, es una selección fotográfica que reúne 40 obras de los autores españoles más representativos que forman parte de la Colección de Fotografía del IVAM. Desde los fotógrafos vinculados con las vanguardias históricas, hasta las últimas tendencias del arte contemporáneo, que han encontrado en la fotografía, la herramienta ideal para plasmar sus obras. Autores españoles como Gabriel Cualladó, Chema Madoz, Manuel Falces, o Enrique Carrazoni, Joan Foncuberta, Ouka Lele, entre otros, han realizado una obra experimental importante y donde podemos observar la gran amplitud de estilos con que han sido tratados los temas más diversos, desde el retrato, al bodegón o naturaleza muerta, así como el paisaje o el desnudo, desarrollando todo tipo de experimentaciones: tomas en picado y contrapicado, primeros planos, fotogramas y rayogramas, fotomontajes y collages, tomas múltiples, etc. Diferentes temas que otorgan a la Fotografía el carácter especifico de género, ya que es indistinto el modelo que se trate, pues siempre encontráremos muy presente el rasgo o la huella que ha posibilitado su existencia. La Dirección General de Relaciones Culturales y Científicas del Ministerio de Asuntos Exteriores y de Cooperación, a través de la Sociedad Estatal para la Acción Cultural Exterior, SEACEX, el Ministerio de Cultura, el Instituto Valenciano de Arte Moderno IVAM y el Museo de Bellas Artes de Hanoi, han organizado la exposición La Alquimia de los Herreros que recoge la obra de algunos de los artistas imprescindibles del arte español del siglo XX. Obras de Julio González, Martín Chirino, Miquel Navarro y Andreu Alfaro integran esta muestra que se inaugurará el próximo 12 de octubre en el Museo de Bellas Artes de Hanoi Comisariada por Consuelo Císcar y por Ángel Kalemberg, la exposición pone de manifiesto la importancia de la invención de la escultura en hierro en la obra de Julio González y la influencia que este artista ha proyectado sobre sucesivas generaciones de escultores españoles, como Martín Chirino, Andreu Alfaro y Miquel Navarro. La Alquimia de los Herreros muestra una selección de esculturas pertenecientes a la colección del IVAM, y que constituye una representación de los mejores trabajos de estos cuatro escultores. Además, ofrece una descripción de su estética personal y proyecta los puntos de conexión entre ellos. En la muestra se establece un diálogo entre las esculturas y dibujos realizados por estos cuatro artistas cuyas obras, reconocidas internacionalmente, son realzadas mediante esta presentación conjunta.
Fuente: Panorama.es

El género del retrato como protagonista del camino a la modernidad en una exposición.

El género del retrato fue testigo y protagonista de una de las historias más interesantes del arte español del siglo XX, el camino hacia de la modernización, como se refleja en la exposición "El retrato moderno en España (1906-1936). Itinerarios y procesos".
Inaugurada hoy en las salas temporales de la Academia de Bellas Artes de San Fernando y organizada por esta institución en colaboración con la Fundación Santander, la muestra revisa el retrato, recuperándolo y reinterpretándolo bajo una nueva luz.
Después de que a finales del XIX dejara de ser un género que perteneciera exclusivamente a la elite, el retrato comparte protagonismo con el resto de la sociedad, en general amigos o familiares del pintor, pero también del individuo anónimo, cuya imagen conectaba mucho más con el público.
Cerca de sesenta obras, de las que veinte son "auténticas sorpresas" que no se han exhibido nunca a la mirada del público, plantean un recorrido transversal y de múltiples perspectivas por las principales fases del retrato hasta consolidarse como gran género moderno.
Las fechas que abarca la exposición han sido fijadas por los comisarios Adolfo Blanco Osborne y Javier Pérez Segura teniendo en cuenta el momento en que Eugenio D'Ors sienta las bases del novecentismo, y el comienzo de la Guerra Civil, que truncó los movimientos culturales.
"La lectura de la exposición no es lineal y no se trata de presentar un discurso cronológico", comentó Adolfo Blanco, que junto con Javier Pérez ha concebido la muestra en cuatro grandes bloques: el comienzo de la modernidad, la vanguardia más radical, los años veinte con el triunfo del realismo, y los años 30, caracterizados por la metafísica y la llegada del surrealismo.
"En los cincuenta y ocho retratos exhibidos se establecen cincuenta y ocho diálogos diferentes entre el espectador y la obra de arte", comentó Javier Pérez Segura, para quien la exposición invita al descubrimientos de las obras, a la contemplación estética y a la reflexión sobre la identidad del ser humano.
La primera selección, con obras firmadas por Manuel Benedito, Joaquín Sorolla, Julio Romero de Torres, Anglada Camarasa, Isidro Nonell o Joaquim Sunyer, propone un laberinto de tendencias, variadas y personales, con un itinerario por algunas de las poéticas que dominaban el género.
"Olga sentada", de Picasso, "La cantante" de Juan Gris, junto con obras de María Blanchard, Rafael Barradas, Francisco Iturrino, Benjamín Palencia o Daniel Vázquez Díaz, entre otros, representan una vanguardia más radical en el género. A menudo se constituyeron sobre las bases de un lenguaje híbrido, con presencia del fauvismo, cubismo, futurismo o expresionismo, sin abandonar la figuración.
El tercer apartado, con obras fechadas en su mayoría en los años veinte, reflejan el triunfo absoluto de los nuevos realismos, un lenguaje de expansión internacional que los pintores españoles-que mantenían un diálogo fluido con el arte europeo-entendieron con sensibilidad y fuerza. Ejemplo de ello son "Ana María" de Dalí, "Le Gosse", de José de Togores, "La Galana", de Gregorio Prieto, o los retratos de Ramón Gaya o Esteban Vicente.
La exposición, que estará abierta hasta el 2 de diciembre, finaliza con retratos de los años treinta, que muestran, por una parte, la llegada del surrealismo, con obras de Óscar Domínguez o Jesús Olasagasti, y por otra el dominio de los nuevos realismos con retratos de José Arrúe, Angeles Santos, Mariano de Cossío, Menchu Gal o Santiago Montes.
Para Javier Aguado, director de la Fundación Santander, la exposición aporta nuevas perspectivas de un periodo determinado de la pintura española y "analiza y estudia un valor como el retrato, no excesivamente reconocido. Además, los artistas presentes son de gran valía, pero en la actualidad muchos de ellos son casi desconocidos".
Fuente: EFE

Proxima exposición en el Museo Guggenheim de Bilbao. Rejilla: minimalismo y arte conceptual en los años 60 y 70.


En 1991 y 1992 el Solomon R. Guggenheim Museum incorporó a su Colección alrededor de 350 obras del Minimalismo, Posminimalismo y Arte Conceptual, procedentes de la prestigiosa Colección Panza di Biumo. Además de convertirse en el punto de partida de la Colección de arte contemporáneo de los Museos Guggenheim, dan continuidad a la misión de reunir y promover el arte no-objetivo. Esta exposición ensalza el lenguaje visual de la pintura y escultura minimalistas a través de la investigación del uso monocromático del color y de la rejilla en obras de Carl Andre, Dan Flavin, Donald Judd, Robert Mangold, Agnes Martin, Robert Morris y Robert Ryman.
Fuente: Museo Guggenheim Bilbao.

Inaugurada en Londres una exposición prohibida para menores de edad.

El Barbican de Londres, la ciudad donde todo, o casi todo, parece permitido, inaugura este viernes una provocativa exposición sobre la relación milenaria entre el arte y el sexo que estará enteramente prohibida para menores de 18 años.
Esculturas romanas, grabados eróticos japoneses, miniaturas indias e iraníes, obras de Rembrandt, Fragonard, Klimt y Picasso, un filme de Andy Warhol mostrando una felación, pinturas en seda chinas: más de 250 obras del mundo entero se exhiben en 'Seduced: el arte y el sexo desde la antigüedad hasta hoy'.
"Les invitamos al placer de ser seducidos por el arte que ha abordado a través de la historia temas sexuales", se lee en la entrada de la exhibición, que sus organizadores aseguran que busca "provocar, pero no chocar".
"Nunca antes en el mundo se había hecho algo así", aseguró Martin Kemp, uno de los conservadores de la muestra, que llevó cinco años de trabajo e implicó una organización "logística extraordinaria" debido a que las obras y objetos de arte vinieron de todas partes del mundo.
La exposición, que estará abierta hasta el 8 de enero, incluye desde esculturas romanas ejecutadas hace 2.000 años de bacanales y de ninfas acosadas por sátiros -un tema luego retomado por Picasso y Rodin, a fines del siglo XIX- hasta fotografías fetiches de Robert Maplethorpe y Nan Goldin.
La exhibición "es atrevida, pero no pornográfica", insistió Kemp. "Muestra cómo las diferentes culturas han expresado en el arte este tema básico de la humanidad: el sexo. En cambio, la pornografía es unidimensional, no explora las relaciones humanas", dijo.
El Barbican consiguió una pequeña hazaña: el Museo Metropolitano de Nueva York le cedió para esta exposición un explícito cuadro de Pablo Picasso, 'La Douleur (Scène Erotique)', del período azul del maestro malagueño.
Se trata de un óleo en el que el artista se retrata en pleno acto sexual y que el museo neoyorquino nunca se ha atrevido a colgar por ser tan explícito.
Otra hazaña fue conseguir que que el 'Gabinete Secreto' del Museo de Nápoles prestara frescos hallados en un burdel de Pompeya de parejas haciendo el amor, y que la galería Borghese de Roma cediera una de sus más grandiosas esculturas en mármol: 'Hermafrodita Durmiente'.
El Barbican exhibe asimismo acuarelas eróticas de Turner, Rodin, Klimt y Schiele, un óleo de Francis Bacon de dos hombres haciendo el amor en una silla y las famosa pinturas del artista estadounidense Jeff Koons haciendo el amor con su ex esposa, la ex estrella del porno italiana Cicciolina.
No podía faltar el filme de Warhol 'Blow job': 35 largos minutos de sexo oral, sólo visto en el rostro de un hombre, así como libros miniaturas de escenas eróticas.
El público puede también escuchar páginas de obras del marqués de Sade, de Vladimir Nabokov, el autor de 'Lolita', y textos de Kama Sutra, en una instalación sonora, titulada 'La voz del sexo'.
"Nuestra meta era presentar una exhibición que busca confrontar al público, pero queríamos que también fuera íntima: queríamos tratar el sexo como una emoción vinculada con la excitación de lo visual", explicó Marina Wallace, otra de las curadoras de la muestra, que forma parte de las festividades del 25 aniversario de este popular centro cultural londinense.
La otra curadora, Joanne Bernstein, resaltó que la exhibición muestra, en toda su diversidad, como los artistas del mundo entero han "representado el sexo, que es algo universal, fundamental", en todas las culturas.
Fuente: AFP.

La aduana brasileña no considera las fotos de Marylin Monroe como arte e impide una exposición.

La aduana de la ciudad brasileña de Sao Paulo no consideró como arte una serie de fotografías de la fallecida modelo y actriz estadounidense Marylin Monroe e impidió así la apertura hoy de una exposición en Río de Janeiro, informaron medios locales.
Las 62 fotografías de la exposición "Marylin Monroe, el mito", que recorre diversas ciudades del mundo, fueron retenidas por fiscales de aduana del aeropuerto Cumbica de Guarulhos, que opera para Sao Paulo, reportó este martes el portal noticioso G1.
La exposición de las últimas fotos artísticas de la actriz, algunas al desnudo, realizada por el también estadounidense Bert Stern, debería ser inaugurada este martes en el Museo de Arte Moderno de Río de Janeiro.
El curador de la muestra, Geraldo Jordao Pereira, recordó que la exposición del material fotográfico realizado en Los Ángeles mes y medio antes de la prematura muerte de la actriz en 1962, pasó sin problemas ya por otros museos, como el Maillol, de París.
"Esa actitud es de un atraso que me llega a causar espanto. Los fiscales están exigiendo el pago de una tasa, pues no consideran las fotos como obra de arte, que pueden ser transportadas sin cobro de impuestos", apuntó Pereira.
Con la esperanza de liberar las fotografías en las próximas horas, Pereira aplazó para el próximo jueves la apertura de la exposición, de la que parte del recaudo de las entradas será destinado a 60 proyectos sociales en Río de Janeiro.
Las imágenes de la rubia actriz, sin maquillaje, desnuda y cubierta apenas con sábanas transparentes, se hicieron famosas por denotar las pecas de la diva y una cicatriz en el abdomen que quedó después de una cirugía en la vesícula.
Las fotos de Stern, realizadas durante tres días y tres noches, además de ser las últimas fueron las segundas de la actriz desnuda, después del famoso ensayo para la primera edición de la revista Playboy en la década del cincuenta.
Norma Jean Mortenson, como era su verdadero nombre, nació en 1926 y se convirtió en estrella de Hollywood al protagonizar películas como "Eva al desnudo", "Cómo casarse con un millonario" y "Los caballeros las prefieren rubias", entre otros.
Fuente: EFE

Reina Sofía y Caramanlis inauguran muestra sobre originales y copias El Greco.

Pinturas originales de Doménikos Theotokópoulos, "El Greco", y las copias realizadas en el propio taller del artista en Toledo conforman la exposición inaugurada esta noche en el Museo de Arte Cicládico de Atenas por la Reina de España y el primer ministro griego, Costas Caramanlis.
Doña Sofía, en su segundo día de visita a Atenas, su ciudad natal, recorrió la exposición acompañada por el jefe del Gobierno heleno, quien destacó la figura de "El Greco" como lazo de unión entre Grecia y España.
En la inauguración también intervino el secretario de Estado de Asuntos Exteriores de España, Bernardino León, quien afirmó que Theotokópoulos representa "a dos mundos pero a una sola cultura" que proyectó hacia el exterior.
"El Greco y su taller" exhibe más de cincuenta pinturas, originales y copias, así como documentos relacionados con el pintor cretense y con su hijo Jorge Manuel y sus discípulos, en especial, Luis Tristán.
La Reina dedicó unos minutos al retrato de San Ildefonso, arzobispo de Toledo, cuyo original, procedente del Monasterio de El Escorial (Madrid), es exhibido junto a sus dos copias, una
depositada en el Museo de Santa Cruz de Toledo y la otra el Museo del Prado de Madrid.
También se interesó por la reproducción incompleta de "El entierro del Señor de Orgaz", una obra aportada por el Museo del Prado, que imita al original que se encuentra en Toledo, y que
algunos atribuyen al propio hijo del artista cretense. Uno de los comisarios de la exposición explicó que en esa copia existe un pañuelo donde figura la fecha de nacimiento del único vástago de "El Greco".
Doménikos Theotokópoulos abrió en 1580 su taller de Toledo para llevar a cabo dos tipos de encargos: grandes retablos y cuadros de devoción, de los que obtenía la máxima rentabilidad económica.
Aunque el maestro se reservaba la ejecución de las pinturas, sus discípulos en el taller se encargaban de copiar los originales, algunos firmados por "El Greco", que se vendían a precios más asequibles y en gran cantidad.
En la exposición de Atenas se pueden contemplar, entre otros originales de "El Greco", "La adoración de los pastores" (Metropolitam Museum of Art), "La Verónica" (Museo de Santa Cruz de Toledo) y "San Francisco en éxtasis" (Fundación Lázaro Galdiano).
Doña Sofía y Caramanlis se pararon ante algunos de los documentos que se exhiben, como la escritura pública del alquiler de la casa de "El Greco" en Toledo y un inventario de los bienes del pintor que dejó a su hijo al morir.
La muestra está organizada por la Sociedad Estatal para la Acción Cultural Exterior de España (SEACEX) y la fundación griega N. Gulandri-Museo de Arte Cicládico, sede donde se puede visitar hasta el 5 de enero del próximo año. También colabora la Junta de Comunidades de Castilla-La Mancha.
Fuente: EFE

viernes, 12 de octubre de 2007

Obras de Bacon y Koons y la bandera del Apollo 14 marcan las subastas en Nueva York.

Obras de artistas como Francis Bacon y Jeff Koons, la bandera de Estados Unidos de los astronautas del Apollo 14, una copia de la Carta Magna inglesa y la medalla de oro de George Washington son algunas de las piezas más codiciadas de esta temporada de subastas en Nueva York.
Las prestigiosas casas de subastas Christie's y Sotheby's, así como la casa Guernsey ofrecerán durante los próximos tres meses al mejor postor las piezas más exquisitas de sus catálogos, desde obras de arte hasta hermosas joyas pasando por vinos exquisitos.
Christie's será la encargada de dar hoy el pistoletazo de salida de la temporada con una venta especial dedicada a instrumentos musicales, que incluye un violín del artesano Giuseppe Guarnieri "del Gesù" de 1720 y una guitarra de Antonio de Torres de 1864.
Los aficionados a la fotografía podrán adquirir el próximo 15 de octubre en una subasta de Sotheby's piezas de la colección de fotografías de Nancy Richardson, entre las que destacan los trabajos del modernista Herbert Bayer y de Pierre Dubreuil.
También se subastarán obras de fotógrafos asociados con el Instituto de Diseño de Chicago, como Harry Callahan y Arthur Siegel.
Al día siguiente Sotheby's someterá a golpe de martillo las obras de algunos de los grandes fotógrafos estadounidenses del siglo XX como Edward Weston, Imogen Cunningham, Ansel Adams y Paul Strand.
El 17 de octubre Christie's ofrecerá tanto un autorretrato de Man Ray como fotografías de Cindy Sherman, Ann Hammilton, Sigmar Polke y Joseph Beuys procedentes de la Colección Rex.
Guernsey's, por su parte, sacará a subasta la llamada colección Naylor, que incluye desde un daguerrotipo pornográfico del siglo XIX hasta la famosa foto de Alfred Eisenstaedt de un soldado y una enfermera celebrando en 1945 el final de la II Guerra Mundial en Times Square con un apasionado beso, además de una gran selección de cámaras antiguas.
También el exclusivo barrio del Upper East Side será escenario de la subasta de Guernsey's de la bandera estadounidense que llevaron los astronautas en la misión a la luna del Apollo 14.
La sede de Sotheby's en la Gran Manzana acogerá del 15 al 26 de octubre de una exposición titulada "Grace, Princesa de Mónaco" que incluirá vestidos, joyas, fotografías, cartas y vídeos, muchos de los cuales nunca habían salido del Principado de Mónaco.
El 7 de noviembre, Sotheby's subastará además de cuadros de Franz Marc y Kees van Dongen y varias obras de Henri Matisse, entre las que destaca "Espagnole (buste)", pieza que espera que alcance los 16 millones de dólares.
Los coleccionistas de obras del escultor Jeff Koons estarán de enhorabuena el 13 y 14 de noviembre, ya que Christie's subasta su escultura "Diamante azul 2005", mientras que Sotheby's venderá al el espectacular "Corazón colgante", un gigantesco cristal de color magenta y oro, por el que podría llegar a pagarse entre 15 y 20 millones de dólares.
El 14 de noviembre, esa firma ofrecerá a quién más pague el cuadro "Sin título" (Silla eléctrica) de Jean Michel Basquiat y una de las célebres latas de sopa Campbell de Andy Warhol, que esperan que se venda por 12 millones de dólares.
Ese mismo día, Christie's subastará "Estudio de una corrida de toros" y "Autorretrato" de Francis Bacon.
El 17 de noviembre, en la noche de arte latinoamericano de Sotheby's se subastarán obras del artista colombiano Fernando Botero, del costarricense Francisco Zúñiga y del venezolano Rafael Soto.
También esa misma casa venderá el próximo 11 de diciembre la medalla de oro con un águila en el medio de la Sociedad de Cincinnati que perteneció al presidente de EE.UU. George Washington.
Tras su muerte en 1799, la medalla de Washington pasó a su familia, quien se la entregó al marqués de Lafayette, durante su regreso triunfal a Estados Unidos en 1824.
La casa de subastas espera que este símbolo de los ideales y del espíritu de la Revolución estadounidense, que hace un siglo no pisa suelo de este país, alcance los 10 millones de dólares.
También se subastará en diciembre una copia de 1267 de la Carta Magna inglesa, un manuscrito medieval propiedad de la fundación del millonario tejano Ross Perot, que se espera alcance un precio de entre 20 y 30 millones de dólares.
Fuente: EFE.

Capilla del Sagrario de la Catedral de Sevilla recuperará su perfil original.


La capilla del Sagrario de la Catedral de Sevilla verá muy cambiado su perfil una vez que termine, en unos 18 meses, la restauración de su fachada de Poniente, puesto que se repondrán sus 125 metros de crestería, además de los veinte pináculos altos y los siete jarrones barrocos que la coronaban.
Todos estos elementos se retiraron de la fachada hace poco menos de una década y están acumulados actualmente en la cubierta de la Catedral, donde los técnicos los estudiarán para ver cuáles se pueden restaurar y cuáles habrá que rehacer siguiendo las técnicas de elaboración originales, aún hoy conservadas.
Las obras en la fachada de la capilla del Sagrario, construida entre 1620 y 1660 aproximadamente, acaban de comenzar como parte de la restauración del alzado Occidental de la Catedral, y, al igual que en la zona gótica, se va a limpiar toda la mugre que recubre la piedra y a sanear con piezas venidas del municipio sevillano de Pedrera, de un color y textura similar a la piedra original, pero "de mejor calidad", según ha explicado, en una entrevista con Efe, el aparejador de la obra, Juan Luis Barón.
Aunque las piedras originales de la Catedral de Sevilla provienen de las canteras de El Puerto de Santa María (Cádiz), donde fueron encargadas probablemente por las facilidades de transporte, ya que su emplazamiento permitía enviarlas por barco a la capital hispalense, ahora, para reponer cantos en los casos en los que es necesario, se traen desde Pedrera.
Las originales se han demostrado "de mala calidad para lo que deben ser los materiales de una Catedral", según el aparejador, ya que su resistencia es "baja" y "da problemas".
En la próxima Semana Santa, cuando habrá que retirar todos los andamios y la lona multicolor que ocultan las obras, los ciudadanos podrán ver por primera vez el cambio que ya comienza a ser visible para quienes acceden al cajón de obra: el color ennegrecido que el tiempo y la contaminación habían dejado en estos muros comienza a desaparecer para dar paso a unos tonos más parecidos a los originales.
De hecho, todo aquel que pasea por la avenida de la Constitución ha podido ya comprobar cómo la limpieza y restauración de la fachada gótica, con sus 6.000 metros cuadrados de superficie, está ya concluida.
Mirando al cielo, se observa que en la portada principal se han restaurado o repuesto los pináculos y que se ha reparado la balaustrada original, al tiempo que se han fijado las gárgolas y
limpiado las celosías.
La restauración de la fachada Occidental de la Catedral de Sevilla, cuya construcción abarca más de dos siglos, de 1433 a 1660 aproximadamente, cuenta con un presupuesto de 2.726.000 euros y, según las previsiones de sus responsables, podrá acelerar los plazos previstos, de forma que esté culminada en poco más de un año y medio.
Las obras de peatonalización de la avenida de la Constitución, llevadas a cabo el año pasado, ralentizaron el trabajo de los restauradores, que sin embargo ahora confían en que la supresión del tráfico permita que la conservación exterior del monumento sea mejor, porque se van a evitar las emisiones de monóxido de azufre y de metales pesados que habían dañado este monumento.
Los técnicos, en principio, no han detectado "problemas" por la circulación del tranvía, aún en pruebas, que sustituye al tráfico rodado por la avenida de la Constitución, según ha explicado Barón.
Las variaciones observadas en los sistemas de auscultación con los que ya cuenta el templo no son preocupantes y no está prevista, al menos por el momento, ninguna otra medición específica.
Fuente: EFE

miércoles, 10 de octubre de 2007

Christie's apuesta por un mercado globalizado en una semana de subastas.

Christie's afirma apostar por un mercado del arte "cada vez más global" en una semana de subastas londinenses, que coincide con la feria Frieze de arte contemporáneo e importantes ofertas de las numerosas galerías de la capital.
"Con Frieze ha cambiado el panorama londinense de octubre totalmente. Antes las subastas eran de media temporada y ahora son grandes ventas. Este mes Londres se convierte en la meca del arte contemporáneo en Europa", dijo a EFE Pilar Ordovás, directora de Arte de Posguerra y Contemporáneo de esa casa de subastas.
"Pensamos obtener en las próximas subastas (del 14 al 16 de octubre) ventas por un valor de 55 a 77 millones de libras (precio estimado; de 111,7 a 156,4 millones de dólares). No hay razón ni indicios de que el mercado vaya a cambiar. Es cada vez más global y fuerte", aseguró.
"Aquí en Londres vamos a mostrar además a los coleccionistas de todo el mundo las obras que subastaremos en Nueva York y París", explicó Ordovás.
Christie's inaugura precisamente este jueves su nuevo espacio de exposiciones con una muestra pública de obras de grandes figuras del impresionismo y del siglo XX, desde Cézanne, Matisse y Monet hasta Picasso y Warhol, que se subastarán en Nueva York y cuyo valor estimado es de 300 millones de dólares.
En la gran subasta de arte contemporáneo de este domingo, Christie's ofrece, entre sus 81 lotes, un lienzo de Francis Bacon titulado "Estudio del cuerpo humano, hombre encendiendo la luz", por el que se espera obtener hasta 15 millones de euros (unos 21 millones de dólares), que se dedicarán a la construcción de una nueva sede del Royal College of Art.
La subasta incluye un importante grupo de obras de artistas estadounidenses, entre ellos Jean-Michel Basquiat, Andy Warhol, Donald Judd, Jeff Koons o George Condo.
También están representados creadores de otros países como Damien Hirst, Peter Doig, Daniel Richter, Jorg Immendorff, Georg Baselitz, Juan Muñoz, Maurizio Cattelan y Gilbert and George.
Como su rival Sotheby's, que celebra también esta semana varias subastas importantes, Christie's presenta una selección de artistas chinos -la última moda de un mercado siempre a la busca de artistas a los que comercializar-, entre ellos un retrato de Yue Minjun (1993) que representa a su hermano después de ser encarcelado.
También al igual que Sotheby's, Christie's ha programado para el próximo lunes una subasta de arte italiano con 67 obras de artistas que van desde Morandi, Manzú o Chirico hasta Paladino o Sandro Chia, pasando por el italo-argentino Fontana.
En otra subasta titulada "Doble Visión", que tiene lugar el domingo, se ofrecen obras de una colección privada de un matrimonio europeo que se ha dedicado a reunir cada uno por su cuenta durante los últimos años obras de artistas tan conocidos como el ya citado Warhol, Ed Ruscha, James Rosenquist, Roy Lichtenstein, Robert Indiana o Sigmar Polke.
La colección de ese matrimonio anónimo, que desea invertir ahora en artistas de una nueva generación, incluye 29 piezas de diseñadores de vanguardia como Shiro Kuramata, Ron Arad o Marc Newson, del que se ofrece la titulada "Lockheed Lounge", una reinterpretación futurista de la chaise-longue clásica.



Fuente: EFE

miércoles, 25 de julio de 2007

Exponen obras de Praxíteles y de su escuela en Museo Arqueológico de Atenas.

Una exposición de esculturas únicas originales de Praxíteles, el gran artista griego de la Antigüedad y uno de los pioneros en la instauración del canon de belleza en el
mundo del arte, de miembros de su familia y alumnos de su escuela, abre hoy sus puertas en el Museo Arqueológico de Atenas.
La estatua del Efebo de Maratón, las bases de los dioses Apolo y Artémida y de Leto, dos figuras de Eros y tres estatuillas de Apolon Lykeo, son algunas de las 75 piezas de una muestra sobre este escultor y su época, fechadas hace más de 2.300 años y que se podrán contemplar hasta el 31 de octubre.
Nikos Kaltsás, director del museo, explicó a Efe que la exposición responde a la necesidad de que "una muestra consagrada a Praxíteles (siglo IV a.C.), para que sea completa, debe de incluir
obras de su familia, como la de su padre, Cefisodoto y de los hijos del artista, Cefisodoto y Timaros, que usaban la misma técnica" y abarca más de un siglo.
La exposición, que será inaugurada esta noche por el ministro de Cultura griego, Giorgos Vulgarakis, es diferente a la que se montó en el Museo parisiense del Louvre el pasado marzo, pues contiene piezas que, por su fragilidad, el gobierno heleno no permite que se saquen del país, como el Efebo de Maratón, y solo pueden contemplarse en museos de Grecia, según los responsables de la muestra.
El Efebo, una escultura en bronce que descansa sobre un pedestal en el Museo ateniense, ha sido trasladada "con sumo cuidado unos pocos metros en su base a una de las cuatro salas junto con el resto de las obras de Praxíteles", entre ellas dos "Venus", una procedente del Museo del Louvre y otra del Vaticano, ha explicado Kaltsás.
También se destaca la base de la escultura dedicada al poeta Menandro, que se puede ver en la Acrópolis de Atenas y fue esculpida por los hijos del gran escultor, aunque su emplazamiento original era el antiguo teatro de Dionisio, a los pies de la Acrópolis.
"Como no se encontró la estatua original completa, ahora se muestra una copia ideal de la pieza", declaró el director.
Además, se incluyen tres bases de las estatuas de los dioses del monte Olimpo de la mitología griega (Apolo y Artemis) y de su madre, Leto, cuya existencia fue revelada en sus escritos por Pausanias, historiador de la Grecia Antigua, y que fueron encontradas en el ara de un templo en la localidad sureña de Mantinía (Arcadia).
Otras figuras singulares son las dos representaciones de Eros praxitelianas, la primera procedente de los fondos del Museo Arqueológico ateniense y la segunda es la copia del encontrado en Parion (Asia Menor) y que se exhibe en el Museo de la isla de Kos; tres estatuillas de Apolo Licio, una copia del Hermes de Olimpia y la cabeza auténtica de la Artemisa de Vravrona.
El visitante podrá contemplar también dos vitrinas con monedas que dan testimonio de la obra de Praxíteles y que fueron acuñadas por los gobiernos de diversas ciudades de la Antigüedad con efigies en honor del escultor, como la "Afrodita de Cnidos".
Las piezas exhibidas se nutren de fondos de trece museos griegos, así como de los museos del Louvre, Dresde (Alemania), los Capitolinos del Vaticano, el British Museum y la Biblioteca Nacional de Francia.
FUENTE: EFE

Descubren una supuesta imagen dentro de "La Última Cena" de Leonardo da Vinci.

Un informático italiano asegura que ha descubierto otra imagen dentro del cuadro de "La Última Cena", de Leonardo da Vinci en el que, según sus palabras, aparecen varias
figuras, entre ellas un templario y la Virgen María, aunque un experto ha calificado el descubrimiento de "pura invención".
Pesci Slavisa, de 36 años, notó algo extraño en el cuadro mientras ojeaba una revista por lo que se le ocurrió escanear la imagen e imprimirla en un papel traslúcido, después lo puso de nuevo
sobre el original y descubrió "un nuevo dibujo con otras imágenes", según explicó hoy durante una rueda de prensa en Milán.
Slavisa, natural de Mantua (norte de Italia) explicó que en la parte derecha del cuadro aparece un templario y en el centro la figura de la Virgen María.
"Hay una coincidencia de puntos que creo que no pueden ser el fruto de una casualidad, sino un cálculo preciso de Leonardo", dijo el informático.
Slavisa señaló que no sabe explicar cuál puede ser el significado de este nuevo dibujo, y que se lo deben dar "los críticos e históricos de arte".
El informático repitió el mismo proceso con otras obras de Da Vinci como en su autorretrato y aseguró que también descubrió una nueva imagen en su interior.
"Leonardo se divertía escondiendo otras imágenes en sus dibujos" aseguró y comentó que él ha presentado ahora lo que ha notado por casualidad, "algo que todos pueden verificar de una manera muy sencilla".
Este aficionado al arte afirmó que no es un fan de Dan Brown ni un apasionado de Leonardo da Vinci, y resaltó que un amigo lo convenció para que depositase ante notario el descubrimiento antes de que lo hiciera público.
Sin embargo, el crítico de arte y asesor cultural de Milán, Vittorio Sgarbi, calificó su descubrimiento de "pura invención".
Sgarbi explicó que es imposible que haya en el famoso cuadro de Leonardo "dibujos de personas distintas a las que se ven".
FUENTE: EFE

domingo, 22 de julio de 2007

Pinturas que expresan la vida de Héctor Lavoe se exhiben en Puerto Rico.


Alrededor de treinta pinturas creadas por artistas puertorriqueños y latinoamericanos del fallecido salsero puertorriqueño Héctor Lavoe engalanan el Hotel San Juan como parte de una exposición de obras que presenta la undécima edición del Puerto Rico Salsa Congress.
La vida de Lavoe generará nuevamente ímpetu y acogida desde mañana, cuando se celebrará la gala de estreno de la película "El Cantante", protagonizada por el artista puertorriqueño Marc Anthony y su esposa, la actriz Jennifer López, en el Museo de Arte de Puerto Rico de San Juan.
La idea de presentar por tercera ocasión en Puerto Rico las obras de Héctor Juan Pérez Martínez (1946-1993), nombre verdadero del denominado "El cantante de cantantes", fue por parte de la agencia productora LAF Communications, protectores de la imagen de Lavoe, y los organizadores del evento musical.
"La vida de Héctor Lavoe la acabo de redescubrir con LAF debido a la selección de sus canciones que fueron grabadas de diferentes maneras y que me han dejado sorprendido", expresó a Efe Elí Irizarry, fundador y organizador del evento que se extenderá hasta el próximo 28 de este mes.
Irizarry, quien actualmente trabaja como el manejador de giras de "El Gran Combo de Puerto Rico", afirmó que Lavoe "es un icono", pues "hace mucho tiempo que trascendió con el trabajo musical estricto para convertirse en verdadero icono".
Irizarry informó también que en alguna próxima edición del evento realizará el primer encuentro mundial de coleccionistas de la salsa.
Por su parte, Camilo Torres, artista que exhibe la obra "De ti depende", explicó que se inspiró en la creación de la pieza en blanco y negro por "las caídas, lo trágico, la nostalgia y lo alegre" durante la vida de Lavoe.
Lavoe, quien cautivó el mercado latinoamericano por su integración a la orquesta "La Fania All-Stars", así como por sus canciones "Paraíso de dulzura", "El Todopoderoso", "Rompe Saraguey", "Mi gente", "Periódico de ayer" y "Calle luna, Calle sol", murió en 1993 por el virus del sida debido al uso constante de drogas.
Torres, quien describió a Lavoe como "una leyenda", indicó, además, que en su obra en la que pintó al quien también conocían como "El rey de la puntualidad" con lentes de oro, porque el cantante fue uno de los precursores del "bling bling" o prendas de brillantes llamativas.
Mientras tanto, Leslie Pérez, hermana de Lavoe, dijo estar "contenta y feliz" por la exhibición de las obras, que ya se han presentado en el Museo de Arte de Ponce (sur), ciudad natal del fenecido cantante, y en el Museo de las Américas en San Juan.
"Esto es algo internacional. Aunque los fanáticos conozcan a Lavoe, también es importante que conozcan a los artistas y sus obras", resaltó.
Señaló, igualmente, que el apoyo que le han dado los seguidores de Lavoe a pesar de haber fallecido casi quince años es porque "él fue un hombre de pueblo y humilde".
"Héctor siempre tuvo a su país en su corazón, y por eso el pueblo lo quería tanto. Él no necesitaba guardaespaldas ni nada de eso, porque su propio pueblo lo protegía. La música de él era su pueblo, por eso, él sigue vivo", manifestó.
Pérez también indicó que no saldrá en el filme "El cantante", pues, según ella, su vida no fue "trágica" por lo que los productores de la película no decidieron incluirla.
El Puerto Rico Salsa Congress, que comenzó ayer, y se extenderá hasta el próximo 28 de este mes, contará con espectáculos artísticos por parte orquestas de Tito Rojas, "La Mulenze", Willie Rosario, "la Sonora Ponceña" y "El Gran Combo de Puerto Rico".
FUENTE: EFE

sábado, 14 de julio de 2007

Restauradora italiana dice haber descubierto original Caravaggio.

(Autoretrato).
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Una restauradora italiana dice que un cuadro que durante mucho tiempo se creyó era copia de una obra maestra de Caravaggio, "San Jerónimo escribiendo", es en realidad una obra auténtica del maestro.
Pero el anuncio efectuado esta semana por Roberta Lapucci _quien estudió el cuadro durante seis meses con ayuda de técnicas modernas_ no ha convencido a muchos especialistas, al tiempo que ha reavivado el debate sobre si Caravaggio a veces pintaba la misma obra dos veces.
Lapucci sostiene que debajo de las capas de agregados y restauraciones posteriores se encuentra la mano del maestro, quien inició la composición, pero la dejó inconclusa. Ella cree que se trata de un boceto preliminar de la versión definitiva, la cual se encuentra en el Oratorio de la Catedral de San Juan en Valletta, Malta.
"El realizó una gran parte de la composición: el santo es obra enteramente suya, lo mismo que la tabla de la mesa y los objetos", dijo Lapucci a The Associated Press. "Después, otro terminó la composición y hay restauraciones posteriores" en los siglos XVIII y XIX.
Tal vez Caravaggio dejó la obra inconclusa porque decidió pintar la obra definitiva, dijo Lapucci.
Pero especialistas en Caravaggio dijeron que la obra examinada por Lapucci no era de la misma calidad que un original del maestro.
"Carece de su vigor y de su destreza con el pincel", dijo Keith Sciberra, profesor de historia del arte en la Universidad de Malta y especialista en Caravaggio. "No tiene el espíritu de Caravaggio".
Maurizio Marini, un destacado estudioso de Caravaggio en Italia, señaló que la cara del santo era demasiado tosca para ser una pintura de Caravaggio.
"Se puede decir de todo sobre Caravaggio, menos que a su obra le faltaba calidad", dijo Marini, quien en otro caso reciente declaró que un cuadro era original del maestro.
El cuadro que Lapucci examinó en Florencia pertenece a un coleccionista privado en Malta. Este lo había enviado para hacerlo limpiar para una exhibición en la que ambos cuadros aparecerán uno junto al otro. Malta está recordando el 400 aniversario de la visita de Caravaggio a la pequeña isla en el Mediterráneo, en 1607-1608.
FUENTE: AP.