EXPOSICIÓN DE LA FOTÓGRAFA LEE MILLER

El museo Victoria & Alberto (V&A) de Londres dedicará el próximo septiembre una exposición a la fotógrafa Lee Miller, con motivo de cumplirse los cien años de su nacimiento.

(Autorretrato 1943 New York).

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Titulada 'El Arte de Lee Miller', el V&A mostrará algunos de los trabajos de esta fotógrafa estadounidense jamás exhibidos, así como instantáneas de Pablo Picasso y Charles Chaplin.
El museo, que expondrá imágenes tomadas en la Segunda Guerra Mundial (1939-45), pretende destacar la labor de la única mujer fotógrafa en zonas de combate.
La exposición abrirá el 15 de septiembre y se podrá ver hasta el 6 de junio del año próximo.
Miller empezó su vida profesional a los 20 años pero delante de la cámara ya que fue portada de la revista 'Vogue', mientras que fue musa de importantes fotógrafos de su tiempo, como Man Ray.
La artista estableció su primer estudio fotográfico en 1932 y se concentró en moda y publicidad.
Como fotógrafa 'freelance' de 'Vogue', Lee capturó con su cámara la liberación de París así como los campos de concentración de Buchenwald y Dachau (Alemania) y el piso de Adolfo Hitler en Munich.
Cien años después de su nacimiento (en 1907), la exhibición del V&A "cuenta la historia de una de las mujeres más creativas del siglo XX", dijo el comisario de la muestra, Mark Haworth-Booth, en una nota.
Miller murió en 1977 en Sussex (sureste de Inglaterra), donde vivió durante casi 30 años tras casarse con el poeta y pintor surrealista inglés Roland Penrose.

Fuente: EFE.

EXPOSICIÓN EN LA ALHAMBRA.

La Alhambra acogerá por primera vez obras de Picasso, Dalí y Lorca en una exposición.

La Alhambra acogerá por primera vez obras de Picasso, Dalí y Lorca en una exposición que se inaugurará en marzo de 2008 y que conmemorará el 80º aniversario de la publicación de la revista cultural 'Gallo', fundada por el escritor granadino junto a otros intelectuales.

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Así lo adelantó la directora del Patronato de la Alhambra y el Generalife, María del Mar Villafranca, que organiza junto a la Sociedad Estatal de Conmemoraciones Culturales esta muestra, que después de exhibirse en el recinto nazarí se expondrá en la Residencia de Estudiantes en Madrid.
Villafranca destacó que esta iniciativa permitirá que por primera vez se contemplen en la Alhambra tres obras de Picasso, correspondientes al cubismo sintético, al analítico y a su conocida como 'etapa feliz' (1917-1923) tras su matrimonio con Olga Koklova, pinturas que ilustraron el número 2 de la revista.
Añadió que ya han comenzado las gestiones para traer dos obras de Dalí que se encuentran en la Abadía de Montserrat y en el Museo Reina Sofía.
La exposición se completará con dibujos de Lorca y cartas con las que el artista granadino invitó a sus amigos a participar en la revista 'Gallo', un proyecto que trató de impulsar años antes de 1928, cuando apareció su primer número como suplemento cultural del diario 'El Defensor de Granada'.
Se podrán contemplar también trabajos de otros artistas que participaron en la publicación, como José Caballero, además de libros, folletos, afiches o viñetas, apuntó Villafranca.
Reflejo del ambiente cultural granadino
La exposición, al igual que lo hizo entonces la revista, reflejará el ambiente cultural de la Granada de 1928, "una ciudad de provincias en la que se generaron unas circunstancias muy interesantes desde el punto de vista de la creación", explicó la directora del Patronato.
"Se trata de recrear la atmósfera de cómo se gestaban experiencias como la de la revista 'Gallo', ya que sus impulsores eran muy temerosos sobre cómo se iba a visualizar dentro del ambiente muy reaccionario y muy conservador de la Granada de ese momento", añadió.
De hecho, sólo se publicaron dos números, si bien se recopiló material para un tercero que sólo décadas después vio la luz gracias a una edición facsímil en la que se plasmaron también las reuniones culturales y lúdicas que, con el apoyo de Fernando de los Ríos, se celebraban en la propia Alhambra y en ventorrillos de la provincia para impulsar este tipo de proyectos.
'Gallo' fue una corriente de aire fresco en esa sociedad apolillada, en la que los artistas que integraban su redacción analizaron la pintura y la literatura contemporánea y establecieron lazos con la vanguardia cultural del momento, asentada en Barcelona, como prueba la aparición en sus páginas del manifiesto de la pintura catalanista.
Tuvo como teórico de arte a Salvador Dalí, en ella publicaron obras Francisco Ayala, el propio Lorca e incluso su hermano Francisco, quien avanzó parte de la novela que entonces estaba escribiendo, "Roman en 15 jours á coté de la mer... et aprés", que no llegó a terminar.
Fuente: EFE.

EL HÉRCULES DE SERRÁN EN "EL ESTRECHO".

África y España unidas de nuevo. Lo que el hijo de Zeus separó hace miles de años al unir las aguas del Mediterráneo y el Atlántico, según la mitología griega, el artista español Gines Serrán vuelve a juntar con su escultura en bronce 'Los Hércules y La Unión del Mundo'.

La escultura en bronce de el artista Ginés Serrán, 'Los Hércules y la Unión del Mundo'. (Foto: Ginés Serrán)

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La obra, que ha durado más de nueve años en su gestación, se podrá apreciar desde este viernes en el puerto de Ceuta, ciudad natal de su creador. Sus siete metros de altura y cuatro toneladas de peso convierten al conjunto escultórico como la obra de mayores dimensiones realizada en bronce sobre la mitología clásica en el mundo.
El artista moderniza la leyenda para crear un emblema de paz. Transforma al héroe del Olimpo en "un símbolo de unión entre los países del mundo". La imagen tradicional de Hércules separando dos columnas se enfrenta a la creada por Serrán, en la que las abraza uniendo lo que él mismo separó. Elige el escenario original del mito, el estrecho de Gibraltar, como sede para emplazar la obra.
"Con esta escultura trato de crear un compromiso entre los gobiernos de alcanzar la paz. El mundo vive globalizado económicamente pero está dividido por la guerra y las diferencias religiosas y sociales", señala el artista.
Después de 30 años fuera de su ciudad, Serrán regresa con lo que quiere que sea un considerado un "símbolo de paz". Su objetivo es que los gobiernos se comprometan a trabajar a favor de la unidad de los países "en un contexto de diálogo y mutuo respeto a las diferentes culturas y creencias de los pueblos".
El escultor, protagonista de más de 125 exposiciones en los cinco continentes, ha vivido en Estados Unidos, Australia, Japón y China. En Asia se le considera como el artista occidental contemporáneo con más exposiciones.
La 'odisea' de su creación
Ginés Serrán se repartió entre Nueva York y China para trabajar en la realización de las esculturas. Dos años empleó en esculpir la obra, con una base de hierro y madera a la que le han aplicado barro para la realización del molde. Posteriormente se fundieron en bronce siguiendo la técnica empleada en el mundo clásico, aleación de 90% de cobre y el resto de estaño, para que perduren entre 8,000 y 10,000 años. Después del largo proceso de creación, la obra viajó por mar durante 30 días hasta llegar al puerto ceutí.
'Los Hércules y La Unión del Mundo' desbancan el lugar que tenía la figura de 'Heracles Farnesio' del Museo Arqueológico de Nápoles, como la mayor del mundo, con 3,17 metros de altura. Además, con este monumental conjunto escultórico, su creador pretende convertir a su ciudad en uno de los museos de esculturas de bronce al aire libre más importantes de Europa.
Fuente: Ana Paola Hernández. “El Mundo”.

ENCONTRADA LA CASA DONDE NACIÓ LA "MONA LISA"

La casa donde nació la modelo de Leonardo da Vinci para su famoso retrato "Mona Lisa" o "La Gioconda", expuesto en el Museo del Louvre de París, ha sido localizada en la calle de los anticuarios de la ciudad italiana de Florencia. Foto: EFE/Archivo.

La casa donde nació la modelo de Leonardo da Vinci para su famoso retrato "Mona Lisa" o "La Gioconda", expuesto en el Museo del Louvre de París, ha sido localizada en la calle de los anticuarios de la ciudad italiana de Florencia, Via Sguazza.
Así lo aseguró hoy a la prensa el profesor italiano Giuseppe Pallanti, quien realiza una investigación de antiguos documentos que también ha sacado a la luz el lugar de la sepultura de la modelo en la que se basó Da Vinci (1452-1519) para pintar a la mujer de la sonrisa enigmática.
Lisa Gherardini, su verdadero nombre, era la esposa del comerciante florentino Francesco del Giocondo, de donde viene el nombre de "La Gioconda".
Había nacido el 15 de junio de 1479 y murió el 15 de julio de 1542, a los 63 años, en el convento de Santa Úrsula de Florencia (centro norte de Italia).
La misma investigación desveló que la mujer habitó en una casa frente a la de la familia de Leonardo, en la florentina calle Ghibellina, y que por su actividad comercial el marido de Mona Lisa se relacionaba con el padre del artista, el notario Piero da Vinci.
"La Gioconda", realizada entre 1503 y 1506 en Florencia, cuando Lisa Gherardini era veinteañera, es una de las pinturas más famosas del mundo y la identidad de la modelo y el significado de su expresión han generado interpretaciones y leyendas de todo tipo.
En vida de Da Vinci ya se barajaba la posibilidad de que esa fuera la identidad de la Mona o Monna Lisa.
La joven fue pintada en óleo sobre tabla de álamo mediante la técnica del "sfumatto", que consiste en difuminar los contornos de la figura, lo que propicia una sensación tridimensional y su inmersión en el paisaje que la rodea.
Fuente: EFE.

PELIGRA EL TEATRO ROMANO DE ASPENDOS.

Teatro romano de Aspendos cerrado a actuaciones por peligrar su conservación.

El teatro romano de Aspendos, considerado uno de los mejor conservados del mundo, se cerrará a las actuaciones para que no peligre su conservación, informó hoy el diario turco Milliyet.
Así lo decidió el Consejo de Conservación de Bienes Culturales de la provincia de Antalya, en la que se encuentran el teatro romano y las ruinas de la antigua ciudad griega de Pamphylia, un gran reclamo turístico del sur de Turquía.

El teatro de Aspendos acogía desde 1995 el Festival Internacional de Ballet y Opera, además de variadas actuaciones musicales y teatrales.
Sin embargo, un informe arqueológico reveló en marzo que la masificación de estos actos, así como el movimiento de vehículos, podían poner en peligro la estructura del teatro.
Basándose en este aviso, el Consejo de Conservación decretó el cierre del teatro a los espectáculos, aunque permitirá su visita turística.
El teatro romano de Aspendos, construido en el siglo II sobre los restos de uno anterior griego, posee un diámetro de 96 metros y capacidad para 7.000 personas.
Durante el gobierno de los turcos selyúcidas (siglo XIII) fue reparado y se le añadió la entrada que se usa actualmente.
Fuente: EFE

HOMENAJE: FERNANDO BOTERO CUMPLE 75 AÑOS.

Fernando Botero revela que está dedicado a pintar el mundo del circo.

El pintor y escultor colombiano Fernando Botero revelo hoy, cuando cumple 75 años, que está dedicado, desde hace meses, a pintar el mundo del circo. En la imagen, la embajadora colombiana Noemí Sanín impone al artista Fernando Botero la Orden de San Carlos en el grado de Gran Cruz con Placa de Oro, concedida por el Gobierno de Bogotá, durante el homenaje que los Gobiernos de España y Colombia, con motivo de su 75 cumpleaños, han ofrecido al artista en la embajada colombiana en Madrid. Foto: EFE

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El pintor y escultor colombiano Fernando Botero revelo hoy, cuando cumple 75 años, que está dedicado, desde hace meses, a pintar el mundo del circo.
"Era uno de esos circos de los que iban a Medellín (ciudad en la que nació en 1932), cuando era niño; me pareció de una gran plasticidad y poesía", declaró Botero entrevistado por Radio Caracol con motivo de su cumpleaños.
Agregó que "era uno de esos circos en los que diez personas venden las entradas y también los refrescos, hacen de maromeros y de domadores de elefantes".
Señaló que empezó a pintar hace seis meses después de visitar un circo pobre en México.
"Se quedó para siempre en mi cabeza. Desde hace seis meses tengo la obsesión por los malabaristas y el mundo de los circos", remarcó el afamado pintor.
Señaló también que no es la primera vez que el circo es protagonista del arte y enumeró a "Toulouse-Lautrec, a Picasso, Leger, Calder, Chagall y muchos otros", como artistas que han dibujado escenas circenses.
"Lo importante es que cada uno hace su circo", añadió y consideró que "es una experiencia interesante, llena de color, y que los personajes tienen una actitud que no existe sino en el circo.
El artista reconoció que "a mis 75 años me siento como de 20", y confesó, además, que se sentía "abrumado y agradecido" por los homenajes que ha recibido por motivo de su cumpleaños.
Añadió que siente aún "una energía y vitalidad que me permite pintar todos los días, durante 8 horas, inclusive los sábados y domingos".
Agradeció y aludió también a la condecoración concedida por el gobierno español, La Gran Cruz de la Orden Isabel La Católica.
"Es un honor extraordinario que no esperaba y me complace que sea entregada por España, un país que significa mucho para mí", señaló
Y subrayó que, "a través de los años España y su cultura ha tenido una presencia fuerte en mi vida".
Confesó también que "lo más satisfactorio que me ha pasado en la vida es haberme descubierto a mí mismo, tener un estilo único".
"Eso lo logré siendo muy joven y a eso le debo todo en mi vida. Lograr que la gente vea un cuadro mío y sepa que es mío, es un gran honor que no tienen muchos", añadió.
Fuente: EFE.

UNA PINTURA DE BERNARDO BELLOTO MARCA UN NUEVO RÉCORD EN SUBASTA.

Una pintura de Bernardo Belloto marcó hoy un nuevo récord en subasta de ese pintor italiano en un remate de Christie's en Nueva York en el que, sin embargo, El Greco y Canaletto se quedaron sin comprador. En la imagen, varios postores se sientan entre obras de arte durante la subasta realizada este jueves en la casa de subastas Christie's en Nueva York. Foto: EFE.

Una pintura de Bernardo Belloto marcó hoy un nuevo récord en subasta de ese pintor italiano en un remate de Christie's en Nueva York en el que, sin embargo, El Greco y Canaletto se quedaron sin comprador.
Las tres obras constituían los platos fuertes de un remate de 122 cuadros de pintura clásica europea que organizó esa casa de subastas y cuyas ventas totales alcanzaron 57,5 millones de dólares, siete millones y medio mas de lo estimado.
"El Gran Canal a la altura de la Iglesia de San Stae" es la obra que fija la nueva marca en remate de Bernardo Belloto, al superar los once millones de dólares.
Con un mínimo estimado en ocho millones de dólares, se trata de un lienzo que recoge una magnífica vista de Venecia y fue adquirido por un comprador anónimo.
Belloto es uno de los más importantes pintores italianos del siglo XVIII y su obra acusa una fuerte influencia de su tío, el maestro Canaleto, de quien también se ponía en venta otro paisaje veneciano.
"La Plaza de Marcos desde La Nueva Procuraduría y la Iglesia de San Geminiano", de Canaletto, se quedó, no obstante, sin vender al no alcanzar las pujas los cuatro millones de dólares en que Christie's había fijado el mínimo.
También un misterioso cuadro de El Greco, "El Soplón", se quedó sin comprador, al no llegar al estimado de cinco millones de dólares previsto por la casa de subastas.
La máxima oferta que tuvo la obra del maestro español, que salió en el lote numero 61, fue de 4,8 millones de dólares.
"Hoy no ha sido su día, cualquier otro lo será. El Greco es uno maestros de la pintura clásica europea y la puja no ha reflejado el prestigio que tiene en el mercado del arte", explicó a Efe el Relaciones Publicas de Christies, Rik Pike.
El Greco pintó "El Soplón" en la década de 1570, durante su estancia en Roma, y la que se puso hoy en venta es la primera de varias versiones, dos de las cuales se encuentran en el Palacio Uffizi de Florencia y el Palazzo Reale de Génova.
La pintura, un óleo sobre tela de 61 por 50,8 centímetros, muestra a un niño sobre un fondo negro, su rostro iluminado por una fuente de luz que titila y a la que sopla el menor.
La pintura pertenece a Virginia Kraft Payson, una acaudalada viuda de un hombre de finanzas, y Christie's confiaba que alcanzara una alta suma de dinero por la escasez de obras de El Greco que salen a la venta en el mercado.
Se trata, además, de uno de los pocos cuadros del pintor en que el protagonista no es de la realeza, o trata un tema religioso.
Aparte del cuadro de Belloto, otra de las obras que superaron hoy el estimado fueron "Glaucus y Scylla", una pintura tardía de Turner que se vendió por 6,4 millones de dólares cuando el mínimo había sido fijado en cinco millones de dólares.
En el remate también se vendieron cuadros de Cima da Conegliano, Lucas Valckenborch, Johann Heinrich Tishbein y Sebastian Ricci que suponen récords en subasta de esos pintores.
Pese a la falta de compradores para El Greco y Canaletto, la puja superó las expectativas de Christie's, cuyos directores de pintura clásica, Nichollas Hall y Richard Knight, expresaron su satisfacción "por el éxito del total de ventas".

Fuente: EFE.

IMPORTANTE SUBASTA EN SOTHEBY

La casa Sotheby's presentó hoy en Londres varias obras maestras de Picasso, Miró, Cézanne, Modigliani, Francis Bacon, Rothko, Pollock, así como de otras grandes figuras del arte moderno, impresionista y contemporáneo que subastará próximamente. Foto: EFE.

La casa Sotheby's presentó hoy en Londres varias obras maestras de Picasso, Miró, Cézanne, Modigliani, Francis Bacon, Rothko, Pollock, así como de otras grandes figuras del arte moderno, impresionista y contemporáneo que subastará próximamente.
Siguiendo la tendencia de las últimas subastas tanto en Londres como en Nueva York, salen al mercado obras que despertarán la envidia de los responsables de muchos museos, con frecuencia incapaces de pagar los precios cada vez más altos de esas pinturas.
Así, entre las que se ofrecerán al mejor postor el próximo 8 de mayo en Nueva York figura un bodegón tardío de Paul Cézanne del que los expertos de Sotheby's aseguran que es la acuarela más importante del precursor del cubismo que continúa en manos de un particular.
Pintada en 1902-1906 y titulada "Nature morte au melon vert", la delicada acuarela, que lleva más de veinte años en la colección privada del coleccionista de arte chino Giuseppe Eskenazi, tiene un precio estimado de entre 14 y 18 millones de dólares.
Ése es el mismo precio que se le calcula a "Cabeza de Arlequín", retrato al óleo de la época rosa de Pablo Picasso en la que aparece el mismo adolescente que posó para su obra "Garcon a la pipe", vendida por Sothebys en el 2004 por un récord de 104.2 millones de dólares.
Es la primera vez que se ofrece en subasta ese pequeño retrato, pintado en 1905 y que tiene un tono de melancólico lirismo característico de ese período juvenil del artista malagueño.
Del mismo año es "Familia de Arlequín", también de Picasso -precio estimado: de 7 a 9 millones de dólares- un retrato de una familia circense en la que el arlequín besa cariñosamente al niño que le presenta su mujer.
También del período rosa es la "Cabeza de Fernande", otro semiperfil de una serie de estudios que Picasso pintó en el verano de 1906 mientras pasaba una temporada con su joven amante en el pueblo catalán de Gósol.
De Miró es otro de los cuadros más notables de la subasta, el titulado en francés "Peinture (Le Cheval de cirque)", de 1927, perteneciente a una serie de imágenes abstractas que pintó el artista español en su momento de mayor libertad surrealista.
Destaca por su gran fondo azul sobre el que el artista ha trazado una línea, que podría ser el látigo del domador en movimiento, y en cuyo centro ha colocado unas manchas informes de vivos colores a modo de penacho.
Otras obras importantes que saldrán a subasta en Nueva York son la titulada "Jesuitas III", del período expresionista de Lyonel Feininger, en la que un grupo de religiosos rodean a una mujer elegantemente vestida, o un maravilloso y sensual retrato femenino de Modigliani titulado "Jeune fille assise, les cheveux dénoués", que podría venderse por entre 12 y 15 millones de dólares.
Dentro de la subasta de arte contemporáneo sobresalen una pintura composición abstracta de Mark Rothko y una fuertemente impresionista de Francis Bacon, de la serie de papas, inspirada por el Inocencio X de Velázquez.
El Rothko, titulado "White Center (Yellow, Pink and Lavender on Rose", pertenece a la colección del banquero y filántropo estadounidense David Rockefeller, que lo adquirió en 1960 por recomendación de Dorothy Miller, primera comisaria del Museo de Arte Moderno de Nueva York, y se cree que puede superar los 40 millones.
El "Study from Innocent X", de Bacon, es de 1962, y está considerado como uno de los más importantes de la serie de papas: en él aparece el pontífice en un extraño escorzo, sentado en un trono y dentro de una especie de jaula transparente.
La pintura, que llama la atención por su extraordinario poder expresivo y la viveza de la paleta cromática, en la que dominan los rojos anaranjados y marrones, puede superar en la subasta los 30 millones de dólares, según calcula Sotheby's.
La lista de pintores representados en las dos subastas de Sotheby's incluye a otros maestros de distintas generaciones que van desde Pissarro, Monnet, Bonnard o Renoir hasta de Kooning, Pollock, Richter o Lichtenstein, por citar sólo a unos pocos.
Fuente: EFE.

CUEVAS RUPESTRES DE CANTAL.

Las cuevas de Rincón albergan pinturas rupestres más antiguas que las de Altamira.

Techo con bisontes en las Cuevas de Altamira. Las cuevas del Cantal, en el municipio de Rincón de la Victoria, albergan más de un centenar de pinturas pertenecientes al Paleolítico superior, con una antigüedad mayor que la de los restos de Altamira. Foto: EFE/Archivo.

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Las cuevas del Cantal, en el municipio de Rincón de la Victoria, albergan más de un centenar de pinturas pertenecientes al Paleolítico superior, con una antigüedad mayor que la de los restos de Altamira o Lascaux, según explicó el investigador Pedro Cantalejo.
Este investigador y su equipo estudiaron durante dos décadas las cuevas del Cantal, que incluyen, entre otras grutas, las del Higuerón, Victoria y Tesoro, y han datado las más de doscientas pinturas prehistóricas que hay en su interior.
Los resultados del estudio se han plasmado en el libro "Prehistoria en las cuevas del Cantal", que fue presentado hoy por los investigadores y por el alcalde de Rincón de la Victoria, Francisco Salado.
Cantalejo manifestó en rueda de prensa que durante el Paleolítico superior, los grupos humanos de cazadores, pescadores y recolectores hicieron sus pinturas y grabados en tres sectores de la cueva, entre hace 30.000 y 20.000 años.
Mucho después -hace 6.000 años- se pintaron frisos con representaciones de figuras humanas en las paredes de una sala que sirvió de sepulcro colectivo entre el Neolítico final y el Calcolítico.
Los investigadores confirmaron que las cuevas del Cantal eran una "catedral cultural y religiosa" en el periodo prehistórico de Málaga, y "no sólo refugios para la vida cotidiana", como ocurre con grutas de otras localidades cercanas.
Además, resaltaron la variedad cultural que puede observarse en la cueva, ya que encontraron obras muy distintas a pesar de que puedan pertenecer al mismo periodo prehistórico.
Incluso apelaron a que en estas grutas se encuentran los orígenes de Rincón de la Victoria y de la provincia de Málaga.
Por su parte, el alcalde del municipio afirmó que la publicación del libro permitirá difundir su riqueza patrimonial y atraer un turismo cultural y científico.
El Consistorio distribuirá entre colectivos sociales, culturales, científicos y educativos mil ejemplares del libro, y otros mil serán comercializados en librerías por la editorial La Serranía.
Las cuevas del Cantal cuentan con más de dos kilómetros y medio de extensión, de los que sólo dan a conocer al público 500 metros, y fueron descubiertas en 1918 por el abate Henri Breval, mientras que su investigación se inició en 1983.
Fuente: EFE

LA TORRE DE PISA

(La torre de Pisa tendrá una competidora cuando, dentro de un mes, se inicien las obras de un nuevo edificio de oficinas que, gracias a un juego de luces y sombras, simulará la inclinación de este símbolo de Italia. EFE/Archivo).

La torre de Pisa tendrá una competidora cuando, dentro de un mes, se inicien las obras de un nuevo edificio de oficinas que, gracias a un juego de luces y sombras, simulará la inclinación de este símbolo de Italia.
El proyecto, publicado hoy en el diario "Corriere della sera", medirá 55,8 metros de altura, lo mismo que el conocido campanario y se construirá a cinco kilómetros al sudeste del monumento.
El arquitecto italiano Dante Oscar Benini, de 60 años, es el responsable del nuevo edificio que estará "virtualmente torcido" gracias a un juego arquitectónico de luces y sombras con el que el observador verá una inclinación parecida a la de la famosa torre.
Para recrear el efecto además los dos primeros pisos del edificio tendrán una rampa inclinada, explicó Benini.
El proyecto, que costará cerca de 50 millones de euros, también incluye una terraza con una panorámica de la Plaza de los Milagros, donde se alza la famosa torre, con la que "la Pisa histórica y la Pisa del futuro estarán virtualmente unidas", señaló Benini.
La torre inclinada, símbolo de la ciudad, data del siglo XII cuando inició la construcción de sus siete niveles de galerías, adornadas con columnatas, que junto con el Duomo (catedral) y el Baptisterio forma el complejo de la Plaza de los Milagros, Patrimonio de la Humanidad para la Unesco.
Fuente: EFE

NEOIMPRESIONISMO.

La Fundación Mapfre propondrá una amplia visión del Neoimpresionismo hasta el 17 de junio.

(De oever van de Seine met de Pont des Arts' (1901), de Pisarro).

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Con la exhibición de más de ochenta óleos, la exposición "El Neoimpresionismo. La eclosión de la modernidad", que inaugurará el próximo martes la Fundación Mapfre, propondrá por primera vez en España una visión completa de este movimiento.
Comisariada por Serge Lemoine y Josep Casamartina i Parassols, la muestra permitirá realizar una revisión a fondo del movimiento por medio de la obras de sus principales representantes europeos, entre los que se encuentran artistas como Seurat- del que se exhibirán seis obras- Signac, Bremmer o Pisarro, y que en España tuvo su representación, principalmente, en Darío de Regoyos.
La exposición ha sido organizada en colaboración con el Museo d'Orsay de París y cuenta con importantes préstamos de las más prestigiosas colecciones particulares y de museos internacionales.
El Neoimpresionismo nació de la preocupación científica de un grupo de artistas por controlar las propiedades físicas del color y del espacio y tuvo entre sus principales precursores a Seurat. Fue el crítico Feneon quien empleó por primera vez en 1886 el término "neo-impresionista" en relación con las obras expuestas en el Salón de los Independientes y su empleo y éxito se extendió de manera progresiva por toda Europa.
Además de revisar la totalidad y complejidad de este importante movimiento europeo, la exposición presenta el influjo del Neoimpresionismo en otros movimientos artísticos contemporáneos por medio de obras de artistas como Maurice Denis, Erich Heckel, Kandinsky, Jaelensky o Paul Klee.

Fuente: EFE

DIEGO RIVERA: TRAS LA PISTA DE UNA OBRA DESAPARECIDA.

Un mural desaparecido de Diego Rivera podría estar en México.

(Un mural del pintor mexicano Diego Rivera (1986-1957) desaparecido desde hace más de 50 años podría estar en México y no en China como afirman funcionarios del país latinoamericano, dijo hoy a Efe la crítica de arte argentina-mexicana Raquel Tibol. EFE/Archivo).

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Un mural del pintor mexicano Diego Rivera (1986-1957) desaparecido desde hace más de 50 años podría estar en México y no en China como afirman funcionarios del país latinoamericano, dijo hoy a Efe la crítica de arte argentina-mexicana Raquel Tibol.
La también escritora afirmó que aunque hay quien habla de la existencia de filmaciones del mural, titulado "Pesadilla de guerra, sueño de paz" (1952), en China, se trata de una invención.
"No es cierto, son invenciones aunque lo diga un funcionario de Bellas Artes", sostuvo.
Tibol, que estos días presenta su más reciente libro, "Diego Rivera luces y sombras" (Lumen, 2007), indicó que "el rastro del mural se pierde en el momento en que es embarcado en México hacia Checoslovaquia".
En su libro, Tibol reproduce una carta en la que el muralista escribe a un representante del Consejo Mundial de la Paz en Checoslovaquia para que le explique por qué no llegó el mural, cuando él tiene todos los documentos de salida otorgados en México por el Instituto de Arqueología, Etnografía e Historia.
La especialista dijo que Rivera (1886-1957) vendió el mural en 5.000 dólares al gobierno chino, pero nunca llegó a su destino, por lo que señala que podría estar en el país, probablemente "en alguna bodega de Gobernación", del ministerio de Interior.
La autora añadió que durante muchos años el gobierno mexicano perseguía a las izquierdas y secuestraba cuadros de exposiciones y documentos de ferias de libros.
"El chiste cruel que yo hago en mi libro es que no salió de México y está en alguna bodega de Gobernación, pero es un chiste apoyado en algo más que intuiciones".
Recordó que en su momento escribió sobre el secuestro de un cuadro del pintor mexicano Mario Orozco Rivera, quien en su obra hacía una crítica al gobierno por tener encarcelado al muralista David Alfaro Siqueiros.
Agregó que en otra ocasión, cuando el pintor Federico Silva hizo una obra en la que criticaba a la mujer del entonces presidente Adolfo Ruiz Cortines, se cerró la exposición.
"De modo que mi chiste cruel tiene apoyo en algunas realidades", argumentó Tibol.
La crítica cree que en el caso del mural de Rivera, desde su creación fue censurado por el titular del Instituto Nacional de Bellas Artes, Carlos Chávez, quien dijo que atentaba contra naciones amigas de México.
Pero la censura no quedó ahí, ya que en marzo de 1952 unas personas llegaron hasta el tercer piso del Palacio de Bellas Artes, donde fue pintado, y quitaron del bastidor el mural y se lo llevaron.
Un año después la obra fue devuelta a Rivera, que lo recibió en su casa de Coyoacán.
El mural "Pesadilla de guerra, sueño de Paz" lo pintó el muralista en un momento en que estaba entregado al movimiento pacifista.
"El mural respondió al llamado de Estocolmo en pro de la paz que pedía recoger firmas y es lo que Diego representa", destacó la experta.
En el mural aparecen Josif Stanlin y Mao Tse Tung con una paloma de la paz que ofrecen a las figuras simbólicas de Marianne de Francia, John Bull de Inglaterra y el Tío Sam de Estados Unidos.
En el trasfondo de la obra está la guerra de Corea y la represión de la clase obrera en México y Estados Unidos.
En la parte inferior de la pintura se reconocen también personajes políticos e intelectuales de México, entre ellos la pintora Frida Kahlo, quien fuera pareja de Rivera.
Fuente: EFE.

EXPOSICIÓN DEL INSTITUTO CERVANTES EN EEUU.

Instituto Cervantes en EEUU exhibirá obras acerca del hombre y la mujer.

(Instituto Cervantes en Madrid).

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Una selección de obras de la colección del centro-museo de arte contemporáneo Artium, de Vitoria, relacionadas con la condición de hombre o mujer, se podrán contemplar próximamente en las sedes del Instituto Cervantes de Nueva York y Chicago.
La exposición, "A propósito de hombres y mujeres", que está siendo preparada para su exhibición entre los meses de mayo y noviembre próximos, está integrada por doce obras de autores como Jorge Oteiza, Joan Miró, Eduardo Chillida, Salvador Dalí o Pablo Picasso, y presenta las diferentes miradas que este conjunto de artistas han realizado sobre la condición de ser hombre o mujer.
"A propósito de hombres y mujeres" se inaugurará el próximo 7 de mayo en Nueva York, donde permanecerá hasta finales de junio.
Posteriormente viajará a la sede del Instituto de Chicago, donde permanecerá abierta de septiembre a noviembre.
Esta exposición presenta algunas de las diferentes aproximaciones que los artistas han realizado hacia la idea de ser hombre o mujer, tanto desde un punto de vista puramente artístico, como psicológico o descriptivo.
En ese sentido, ese acercamiento del artista puede ser un elogio a una persona, como en el caso de Jorge Oteiza y su "Homenaje a Mallarmé", o la plasmación de un gesto tan humano como es el abrazo, en el caso de Eduardo Chillida y "Besarkada", explicó el museo.
Joan Miró ("Femme dans la nuit") y Salvador Dalí ("Retrato de Mrs. Fagen") ofrecen una perspectiva desde el surrealismo tradicional y también destacan los gestos expresionistas de Antonio Saura ("Portrait imaginaire de Philippe II nº 3") y Pablo Picasso ("Mousquetaire à la pipe").
Artium también informó hoy de está preparando una exposición con la que el Instituto Cervantes quiere inaugurar oficialmente su nueva sede en Brasilia, en fecha aún no determinada.
Para la ocasión, los responsables del museo han iniciado una selección de obras fechadas en la década de 1950, años en los que se diseñó y construyó la capital brasileña, inaugurada en 1960.
Obras de Agustín Ibarrola, Jorge Oteiza, Óscar Domínguez, Gerardo Rueda, Luis Feito, Rafael Zabaleta, Manuel Millares, Equipo 57 o Antonio Saura compondrán una muestra "intensiva y elocuente de la creación española de la época en que se levantaba la ciudad", declarada Patrimonio Cultural de la Humanidad por la Unesco.
La exposición podrá verse posteriormente en diferentes museos de Río de Janeiro y Sao Paulo.

Fuente: EFE

SIGMUND FREUD MANTIENE EN VILO LA CIUDAD DE PRAGA

Una estatua de Sigmund Freud divide a los habitantes del centro de Praga.

(Un modelo de la estatua de Sigmund Freud del escultor Michal Gabriel, que pretende ser colocada en el centro de Praga).

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La alcaldía del centro histórico de Praga organizaba este viernes un referéndum local sobre la colocación en una plaza de un polémico monumento en honor al padre del psicoanálisis, el austriaco Sigmund Freud.
Unas 2.500 personas están llamadas a pronunciarse sobre este proyecto que suscita un intenso debate sobre su fondo y forma.
"A mí me gustaría ver en este lugar a un checo y no a un austriaco", defendió tras depositar su voto Eva Pavlikova, una jubilada que no considera relevante que Freud (1856-1939) pasara su primera infancia en la localidad checa de Moravia antes de trasladarse con su familia a Viena.
La obra de bronce, del escultor Mijal Gabriel, representa al célebre psicoanalista sentado en una mesa, y la misma escena se repite dos veces a escala reducida.
La estatua se situaría justo al lado de la turística plaza de la Vieja Ciudad, en una plaza sin nombre oficial pero conocida familiarmente como 'Kozi Placek' (terreno de cabras).
"Primero, esta estatua es horrenda y segundo, Freud nunca oyó hablar de 'Kozi Placek'", sostiene por su parte una sexagenaria.
Otra mujer se muestra favorable. "Sería algo nuevo que podría agradar a la gente", estima.
Los resultados de la consulta, que sólo tiene un valor simbólico de cara a la decisión final, serán anunciados este viernes por la noche.

Fuente: AFP.

RECONOCIMIENTO AL PINTOR Y ESCULTOR FERNANDO BOTERO.

Conceden a Botero la Gran Cruz de la Orden de Isabel la Católica.

(El pintor y escultor colombiano Fernando Botero, nacido en Medellín en 1932, fotografiado en su estudio parisino el 25 de abril de 2006).

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El Gobierno concedió el viernes la Gran Cruz de la Orden de Isabel la Católica al escultor y pintor colombiano Fernando Botero, que la semana próxima cumplirá 75 años.
Tras la reunión semanal del viernes del Consejo de Ministros, se conoció el 'Real Decreto por el que se concede la Gran Cruz de la Orden de Isabel la Católica a Don Fernando Botero Angulo, pintor y escultor colombiano'.
La concesión a Botero de esta alta distinción por parte del ministerio de Asuntos Exteriores se produce días antes de que el renombrado artista, uno de los más cotizados de América Latina, cumpla 75 años.
La galería madrileña Fernando Pradilla, sucursal de la galería colombiana El Museo, exhibe estos días una selección de pinturas, esculturas, dibujos y acuarelas de Botero, nacido el 19 de abril de 1932 en Medellín, en el marco de una exposición simultánea para celebrar el cumpleaños del artista.
Madrid es una de las siete ciudades de Estados Unidos, Venezuela, Italia, España y Alemania que participan en dicha celebración.

Fuente: AFP.

IMPORTANTE SUBASTA DE FOTOGRAFIAS DE CUVELIER.

Más de dos millones de euros por fotografías de los Cuvelier.

Más de cuarenta fotografías tomadas a fines del siglo XIX por los franceses Eugenio y Adalberto Cuvelier fueron vendidas por Sotheby's por cerca de tres millones de dólares (2,2 millones de euros) el viernes en Nueva York, anunció la propia casa de subastas en un comunicado.
Las fotos -41 de Eugenio y 2 de su padre, Adalberto- son en su mayoría paisajes del bosque de Fontainebleau (Francia) y superaron entre 1,4 y 2,1 millones de dólares (entre 1 y 1,6 millones de euros) estimados, ya que alcanzaron 2,8 millones de dólares (2 millones de euros), según el texto.
Christopher Mahoney, responsable del departamento de fotografía de Sotheby's, calificó la subasta de "única" en el mundo de la foto por la gran calidad de las obras presentadas.
Eugenio Cuvelier (1837-1900) y Adalberto Cuvelier (1812-1871), originarios de la ciudad de Arras (noreste de París), eran pintores de la escuela de Barbizon y fotógrafos aficionados que muy frecuentemente tomaron como tema de inspiración al bosque de Fontainebleau (sureste de París).
Fuente: AFP.

SUBASTAN IMAGENES DE KATE MOSS

LA IMAGENES DE KATE MOSS A SUBASTA.

(Una decena de imágenes de la modelo británica Kate Moss, que van desde sus primeros retratos tomados en su barrio del sur de Londres hasta recientes daguerrotipos de 2003, se subastarán en la sala londinense Christie's. Foto: EFE/Archivo).

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Una decena de imágenes de la modelo británica Kate Moss, que van desde sus primeros retratos tomados en su barrio del sur de Londres hasta recientes daguerrotipos de 2003, se subastarán el próximo 31 de mayo en la sala londinense Christie's, informó hoy la casa de subastas.
Los seis daguerrotipos, titulados simplemente "Kate Moss" y que el artista Chuck Close hizo para la revista de moda "W", podrían llegar a alcanzar un valor de mercado de entre 15.000 y 20.000 libras (entre unos 22.000 y 29.000 euros).
Para Close, que participó en un proyecto que contó también con otros pintores como Lucien Freud y Bruce Weber, fotografiar a la modelo, de 33 años, fue una "agradable sorpresa".
"Ella no llevaba maquillaje, no se había peinado y en ningún momento se miró al espejo. Dijo que ya le habían hecho suficientes fotografías preciosas", afirmó Close en un comunicado divulgado por Christie's.
También se adjudicarán al mejor postor algunos de los retratos que la fotógrafa Corinne Day realizó de una joven Moss de apenas 16 años, como "Kate taken in Croydon" (Kate fotografiada en Croydon), que plasma a la modelo en su barrio del sur de Londres y que nunca se hizo público.
Con un valor estimado entre las 4.000 y las 6.000 libras (unos 6.000 y 9.000 euros), la fotografía forma parte del primer trabajo de Kate para la revista británica "The Face", donde fue portada con una aparición en topless.
La imagen, firmada conjuntamente por Day y por Moss, fue una de las que sirvieron para marcar una nueva tendencia en la fotografía de moda, al ofrecer modelos sin maquillaje, con un posado natural y decorados naturales sin glamour, muy alejados de las imágenes esplendorosas de los años ochenta.
Según el director de fotografía de Christie's, Yuka Yamaji, Kate Moss es un "icono cultural, podría decirse que es la modelo con más influencia en nuestros días".
En una subasta que cuenta con 120 lotes, también se encuentra la controvertida imagen "Kate at home" (Kate en casa), tomada en 1993 por Day en la primera colaboración de la modelo con la revista "Vogue", en la que aparece Moss, con 19 años, vestida con una camiseta de tirantes rosa y rodeada de luces de colores.
La fotografía, que hasta el 28 de mayo aún se puede ver en la exposición "Face of fashion", en la Galería Nacional del Retrato de Londres, acompañó un artículo de "Vogue" en el que la revista fue criticada por situar la estética "grunge" como la última tendencia de la moda.
Una gran imagen de la modelo desnuda realizada por Albert Watson, de dimensiones que alcanzan los 243 x 182 centímetros, completa la colección de imágenes de Moss que se podrán adquirir a finales de mayo, junto con una lamina de platino de 1996, elaborada por Irving Penn.
Asimismo, la subasta también contará con una fotografía de Steven Klein que muestra la intimidad de la familia formada por la pareja de actores Angelina Jolie y Brad Pitt, así como una imagen de Madonna con orejas de Minnie Mouse tomada en Tokyo en 1987.
Foto: EFE.

EXPOSICIÓN DE FOTOGRAFIAS CHINA EN SORIA

Unas fotografías muestran China dentro de los actos que conmemoran la llegada de Machado a Soria.

(Una selección de 60 fotografías muestran desde hoy en Soria la historia, la cultura y el desarrollo de China en una exposición que se enmarca en los actos conmemorativos de la llegada de Antonio Machado a la capital soriana. Foto: EFE)

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Una selección de 60 fotografías muestran desde hoy en Soria la historia, la cultura y el desarrollo de China, país en el que el Instituto Cervantes ha abierto una sede, en una exposición que se enmarca en los actos conmemorativos de la llegada de Antonio Machado a la capital soriana.
La exposición, titulada "China, joya del Oriente", es la primera de las actividades organizadas por la Comisión Nacional para la Conmemoración del Centenario de Machado en Soria y permanecerá abierta hasta el próximo día 28 en el Palacio del Marqués de Vadillo, en la capital soriana.
Las fotografías muestran el desarrollo de la civilización china desde su origen hasta los actuales avances científicos, culturales y tecnológicos, pasando por las diferentes reformas económicas y el aperturismo que ha experimentado el país.
"China en progreso", "Ceremonia de fiestas en la etnia Yi", "Ceremonia de entrega de premios del concurso de modelos", "Gran ceremonia de boda colectiva", "Un año de éxitos de la familia de pescadores", o "Rica cosecha de la familia de agricultores", son algunos de los títulos de las fotografías que se pueden apreciar en el Palacio del Marqués de Vadillo.
Las imágenes han sido cedidas por la Embajada china en España dentro de una línea de cooperación cultural que ha llevado a proclamar 2007 como el año de España en China, tras la apertura de la nueva sede del Instituto Cervantes en Pekín, cuya biblioteca ha recibido la denominación de "Antonio Machado", explicó a EFE el subdelegado del Gobierno en Soria, Germán Andrés.
La nueva sede del Cervantes "tendrá un papel protagonista en la celebración del Año de Machado" y la biblioteca que lleva el nombre del poeta sevillano tiene más de 20.000 volúmenes, explicó el subdelegado del Gobierno.
Fuente: EFE.

SUBASTA DE ARTE ISLÁMICO EN LONDRES.

Subastan en Londres piezas importantes del mundo islámico.

(Lámpara de una mezquita egipcia del S. XV. Esta es una de las piezas que la casa Sotheby's saca a subasta en una jornada dedicada al arte islámico. Foto: EFE ).

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Varios objetos importantes del arte islámico se subastarán el próximo miércoles en la sala Sotheby's, de la capital británica.
Una de las piezas más destacadas de la subasta es una lámpara de mezquita dorada y con esmaltes azules, rojos, amarillos, verdes y blancos, original de Egipto, que data del siglo XV.
Se trata, según la casa de subastas, de uno de los objetos de lujo producidos por los mamelucos en los centros metropolitanos de su gran imperio y particularmente en El Cairo.
Esta rara lámpara es la pieza de más valor de las que se ponen en subasta, y se cree que puede alcanzar un precio de 1,18 millones de euros.
Otro objeto destacado es una banda caligráfica otomana de satén y terciopelo e hilo metálico de la Sagrada Ka'Ba, conocida como un hizam, excelentemente conservada.
Asimismo se ofrece al mejor postor un ejemplar del "Shahnama de Firdausi", con 39 miniaturas atribuibles al gran artista persa Mu'in Musavvir, que, al igual que la banda antes citada, podría adjudicarse por entre 147.000 y 223.000 euros.
El libro, que consiste en unos 50.000 versos y es uno de los poemas más largos escritos por un solo autor, cuenta la historia completa de Persia sin dejar fuera el mito y la leyenda.
Las secciones dedicadas al mito y a la leyenda incorporan material diversos como la creación del mundo, la domesticación de los animales y la lucha entre el bien y el mal, que se encuentran también en otras culturas.
Mu'in Musavvir fue uno de los creadores más prolíficos del último período de la dinastía de los safávidas en Irán.
También se subastan una copa muy rara de Siria y un casco guerrero de forma poco usual de la fase final de los mamelucos o del comienzo del período otomano.
Fuente: EFE

LA CATEDRAL DE VALENCIA RECUPERA SUS FRESCOS RENACENTISTAS.

Los frescos renacentistas del S. XV fueron descubiertos durante los trabajos de restauración de los dorados del presbiterio en la catedral de Valencia durante el 2004.
Los frescos fueron realizados por los pintores renacentistas Francesco Pagano y Pablo de San Leocadio por encargo de Rodrigo de Borja, el futuro Papa Alejandro VI en el año 1474.

(Expertos analizando los frescos renacentistas).

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La existencia de los frescos era de sobra conocida por los, pero se desconocia su estado, dado que han estado ocultas desde hace 340 años, desde que se realizó la decoración barroca a la Catedral sobre el año 1674. La cúpula original fue cubierta por otra de escayola, aunque situada a 80 centímetros de distancia "con la evidente intención de proteger las pinturas", según fuentes de la Conselleria de Cultura. La cámara de aire que quedó entre ambas ha mantenido los frescos intactos.
El arzobispo de Valencia, monseñor Agustín García-Gasco, calificó de "excepcionales" los frescos renacentistas del siglo XV descubiertos ayer en la bóveda de la Catedral de Valencia. "Estamos ante una obra admirable, sobre todo por su magnífico estado de conservación y porque se trata de una de las cumbres del primer renacimiento en España, según los especialistas".
"En el archivo de la catedral de Valencia hay documentación sobre esas pinturas y los contratos con los artistas, por lo que la sorpresa no ha sido tanto su hallazgo como su magnífica conservación", indicaron fuentes del cabildo de la Seo.
Al respecto, señalaron que los frescos hallados fueron los terceros que se pintaron sobre la bóveda, ya que anteriormente hubo otras dos representaciones artísticas, que se perdieron, la última de ellas en 1469 en el incendio del retablo gótico de la Catedral.

(Catedral de Valencia. Interior.Foto: S. Amatriain)

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Tras la rehabilitación de la cúpula renacentista, se expondrán al público las pinturas.
Las pinturas representan una serie de ángeles músicos sobre un fondo estrellado.
La polémica surge tras la retirada de la bóveda barroca realizada en el año 1674 por Pérez Castiel que tapaba los frescos. La solución final de compromiso mantendrá la nervadura barroca pese a que oculta parte de los frescos renacentistas.

Autor: Jose Mª Maestre Domínguez

ANDY WARHOL PORTRAITS

Las celebridades retratadas por Warhol se reúnen por primera vez en un libro.


Los retratos realizados por Andy Warhol desde comienzos de los años sesenta hasta su muerte, en 1987, han sido reunidos por primera vez en un libro que ofrece una completa galería de las celebridades del siglo XX capturadas por el artista estadounidense.

(Andy Warhol, 1977).

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Andy Warhol portraits" ("Los retratos de Andy Warhol"), recientemente publicado en España por la editorial Phaidon, muestra junto a iconos del Pop Art, como los retratos de Marilyn Monroe, Liz Taylor y Mao, otras imágenes menos conocidas de miembros de la jet set, galeristas, coleccionistas de arte y políticos, muchos de ellos realizados por encargo. "Hacer dinero es un arte, trabajar es un arte y un buen negocio es el mejor arte", decía Warhol, según recuerda el galerista Tony Shafradi en la introducción del libro. Andy Warhol (Pittsburg, 1928-Nueva York, 1987) cobraba una media de 25.000 dólares por los retratos que efectuó por encargo entre los años setenta y los ochenta y destinaba ese dinero a financiar otros proyectos artísticos de su "Factoría". El proceso de creación comenzaba con Warhol disparando un centenar de veces su cámara Polaroid sobre el rostro del retratado. El artista dejaba elegir luego al personaje la foto que más le gustaba y trabajaba sobre ella. Su objetivo era que todos "salieran bien", que el cliente quedara satisfecho. "Los retratos de Andy Warhol" propone un recorrido por la obra del rey del Pop Art a través de los personajes que poblaron su mundo, en trescientas imágenes que arrancan con un jovencísimo Warren Beatty de 1962 y que terminan con un autorretrato que el artista realizó un año antes de su muerte. Por las más de trescientas páginas de este libro transitan mitos del cine como Natalie Wood, a la que Warhol inmortalizó en 1962 en una serie en blanco y negro, el Marlon Brando de "Rebelde" (1966), una colorida Brigitte Bardot (1974) y un Dennis Hopper con sombrero de vaquero en varias imágenes realizadas entre 1970 y 1971. Menos conocidos son los retratos de Sylvester Stallone (1980) y la serie en blanco y negro realizada en 1984 a Clint Eastwood, Bill Murray, Diane Keaton y Merryl Streep. Estrellas de la música como John Lennon -su célebre retrato aparece en el libro junto al de su hijo Sean-, Mick Jagger, Aretha Franklin, Michael Jackson, Prince, Grace Jones y Debbie Harry -una de las imágenes de la vocalista de Blondie es la portada del libro- recorren también esta galería, de la que Elvis Presley -retratado en 1962- fue uno de los primeros inquilinos. También desfilan artistas como Gilbert and George, Roy Lichtenstein, Man Ray, Jean-Michel Basquiat, Robert Mapplethorpe y Rudolf Nureyev, y figuras de la moda como Yves Saint Laurent, Carolina Herrera, Gianni Versace y Giorgio Armani. Jackie Onassis, la baronesa Thyssen, Diana de Gales y Carlos de Inglaterra, el Sha de Persia y la emperatriz Farah Dibah, las reinas Isabel de Inglaterra y Margarita de Dinamarca, y la princesa Carolina de Mónaco se unen a esta larga serie de retratos, en la que no faltan políticos como los ex presidentes norteamericanos Jimmy Carter y Gerald Ford, y un Lenin de la última etapa de Warhol. Esta antología recoge los numerosos autorretratos que el artista estadounidense realizó a lo largo de su carrera, desde los primeros, efectuados entre 1963 y 1964 -que muestran a un Warhol con grandes gafas oscuras-, hasta el que cierra el libro -una imagen en blanco y negro, con varios mechones de pelo de punta y una expresión grave-. Los retratos de Warhol fueron objeto de una exposición en el museo Whitney de Nueva York, entre 1979 y 1980, y de otra en la galería de Tony Shafrazi de la misma ciudad en 2005. Pero en ninguna de las dos el número de las obras reunidas llegó a alcanzar la mitad de las que aparecen ahora en este libro. El resultado de este volumen es una colorida pasarela de famosos en la que no falta un toque de ironía: los retratos en blanco y negro de los hombres más buscados por la Policía de Nueva York a los que Warhol dedicó una serie en 1964.

Fuente: CARLOS GOSCH/ EFE

SOL LEWITT: FALLECE A LOS 78 AÑOS

Un cáncer acaba con el iniciador del Arte «conceptual» en los años sesenta.

LeWitt trabajó en dos y tres dimensiones, creando desde murales de coloridos motivos geométricos hasta estructuras modulares -término que prefería al de esculturas- construidas a partir de la repetición de cubos o el desarrollo de formas geométricas. El artista redujo su lenguaje expresivo a formas básicas, como los cuadrados, las esferas y los triángulos, y colores primarios, explica el crítico de arte del diario The New York Times, Michael Kimmelman, en el obituario publicado ayer. LeWitt militó activamente en el arte conceptual, al dar primacía a la idea sobre la ejecución de la obra o la estética. A mediados de los años 60 comenzó a experimentar con dibujos sobre la pared, una idea que en su tiempo era considerada original por radical, ya que estos murales eran ejecutados por un equipo de asistentes siguiendo meticulosamente sus instrucciones. El artista llegó a «idear» unos 1.200 de estos murales efímeros, que debían ser borrados una vez finalizada su exhibición temporal. « LeWitt desarrolló un método de trabajo para crear obras de arte basadas en simples direcciones, obras que pueden ser ejecutadas por otros en lugar del artista. Rechazó la noción de arte como un objeto único y precioso» , dice la historiadora J. Fiona Ragheb en el catálogo de la colección del Museo Guggenheim. En el catálogo de su retrospectiva en el Museo de Arte Moderno de Nueva York (MoMA) en 1978, la comisaria Bernice Rose señala que sus revolucionarios murales «fueron tan importantes para el dibujo como lo ha sido el uso de la técnica de chorreado de Pollock para la pintura de los años 50 ».Nacido en 1928 en Hartford, en el Estado norteamericano de Connecticut, LeWitt estudió arte en la Universidad de Syracuse, donde se licenció en 1949, y estuvo en el ejército dos años, a partir de 1951, durante la Guerra de Corea. En 1953 se mudó a Nueva York, donde tuvo diversas ocupaciones, incluida la de recepcionista del MoMA, antes de empezar a despuntar como artista. Su primera exposición individual tuvo lugar en 1965 en la galería John Daniels de Nueva York y desde entonces su obra ha sido exhibida en casi un centenar de galerías en EE UU, Europa, Japón y Corea. LeWitt deja una esposa, Carol, y dos hijas, Sofía y Eva, así como un extenso legado artístico incluido en las colecciones de los museos más importantes del mundo, entre éstos el MoMA, el Guggenheim y el Dia Center, en Nue va York.

Fuente: EFE

CAE UN MITO

LOBA CAPITOLINA: OBRA MEDIEVAL

Uno de los iconos de Roma se derrumba. Según Adriano La Regina, ex superintendente arqueológico de Roma y profesor de etruscología, ha hecho público lo que muchos se temían.
La “Loba Capitolina” que según la “leyenda” amamantó a los fundadores de la Ciudad de Roma, no sería una estatua etrusca del S.V a.C., sino una obra medieval que se fecharía en trono al S. IX d.C., es decir 1.400 años después.
Este hecho ya circulaba por los círculos científicos a partir del año 2000 cuando fue restaurada y donde se pudo apreciar entonces, que la obra realizada en bronce había sido fundida mediante una técnica típica de época medieval. La técnica de “Cera perdida” no se utilizaba durante la antigüedad. Las figuras de Rómulo y Remo amamantándose ya se sabía que eran un añadido del año 1471 cuando el Papa Sixto IV donó la obra a la Ciudad de Roma.

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Autor: Jose Mª Maestre Domínguez

ALHAMBRA: RESTAURACIÓN DE LOS LEONES

ALHAMBRA: RESTAURACIÓN DE LOS LEONES

(Patio de los leones. Alhambra, Granada).

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Tal vez uno de los iconos más conocidos de la Alambra, la famosa “fuente de los leones” va a someterse a una exhaustiva rehabilitación.
Dicha intervención costará más de medio millón de euros y durará hasta diciembre de 2008.
Hay que recordar que ya en el año 2002, uno de los doce leones de la fuente fue retirado para su conservación.
La directora del patronato, Mar Villafranca, que asistió a la retirada del primer león el pasado 7 de febrero indicó que las condiciones climáticas extremas a las que se veía diariamente la fuente como una de las principales causas de su deterioro, junto con el paso de los años y el agua, ya que la presencia de determinados microorganismos en el agua han infectado estas frágiles piezas de mármol.
Los leones no se sustituirán por réplicas ya que se quiere abordar “in situ” la restauración del vaso de la fuente porque su tamaño impide sacarla de su actual ubicación y rehabilitar también el suministro hidráulico.
El jefe del Servicio de Conservación, Francisco Lamolda dirigirá al equipo que acometerá la restauración.
Tras la restauración se hará una evaluación para determinar la viabilidad del mantenimiento continuo a llevar a cabo en su lugar de origen, por lo que se contará con un protocolo de mantenimiento que como indican los expertos “nos garantice que el grado de deterioro al que ha llegado la fuente no se vuelva a producir nunca más en el tiempo”.

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Autor: Jose Mª Maestre Domínguez

REHABILITACIÓN CATEDRAL DE LEÓN

REHABILITACIÓN CATEDRAL DE LEÓN

El Ministerio de Cultura amplia hasta 1,5 millones de euros las partidas que destinará a proyectos de rehabilitación en la catedral de León ante la preocupación de los técnicos tras la caída de dos de sus gárgolas.
En 1844, la Catedral fue declarada el Primer Monumento Nacional de España. Sus setecientas treinta y siete vidrieras ocupan una superficie de mil setecientos sesenta y cinco m2, y están consideradas como uno de los conjuntos vitrales más importantes del mundo. Por otro lado, su museo alberga cerca de mil quinientas piezas, de las que destacan cincuenta tallas románicas de la Virgen, una Biblia mozárabe e importantes códices.
Según indicó el director general de Bellas Artes y Bienes Culturales del Ministerio de Cultura, Julián Martínez Dentro, palabras enmarcadas dentro las actuaciones del Plan Nacional dedicado a este tipo de templos.
Con esta partida presupuestaria, el Ministerio de Cultura incrementará hasta 700.000 u 800.000, los 500.000 euros previstos en el Plan de Catedrales de 2007, destinados a la reparación de la cubierta del templo leonés.
Como indicó el obispo de la Diócesis, Julián López, y del director general de Patrimonio de la Junta, Enrique Saíz, tras la reunión de la Comisión de Seguimiento del Plan Nacional de Catedrales celebrada en León: “La ampliación del presupuesto permitirá ampliar las intervenciones previstas para atender también a los elementos pétreos, como los hastiales, pináculos o gárgolas”
Está previsto que el conjunto de obras de rehabilitación salgan a concurso próximamente, con una duración –resueltos los trámites administrativos- de alrededor de año y medio.
Como indicó Julián Martínez, «El Ministerio se compromete de manera definitiva, con un proyecto que ahora va a sacar a licitación y con las sucesivas intervenciones que hagan falta hasta completar su restauración, que es lo importante». El resto de las inversiones previstas afectarán al claustro, los arbotantes –cuyo arreglo ya se acomete- y las cubiertas bajas de la Catedral leonesa.
Esta no es la primera rehabilitación de la catedral leonesa. Su historia a partir del S. XV comienza a torcerse, ya que se encontraron fallos estructurales debido a la mala cimentación y la mala calidad de la piedra, traída la mayor parte de las canteras de Boñar.
Será en el año 1631 cuando se hundirá la bóveda central del crucero. Para añadir más leña al fuego, el arquitecto Nevada construyó una gran cúpula barroca sobre el crucero que acrecentó aún más el peligro de desplome.
A pesar del continuo deterioro, la Catedral aguantó hasta el 1743, cuando se derrumbó una pila del brazo sur del crucero, arrastrando otras cuatro bóvedas. El deterioro del edificio prosiguió hasta que a mediados del siglo XIX, el hastial del sur presentaba evidentes señales de ruina, por lo que se requirió la ayuda de un arquitecto, Don Matías Laviña, para restaurarlo. Desconocedor del delicadísimo equilibrio de un edificio ojival, se dedicó a desmontar la cúpula y sus pináculos, lo que hizo que se derrumbase parte del hastial sur y que zonas adyacentes de la catedral se debilitaran, todo parecía indicar que se vendría abajo sin remedio, ya que el complejo sistema de empujes y contrarrestos pero de un modo inexplicable, aguantó. Tendrá que ser su sucesor, Don Juan de Madrazo, quién se dio cuenta del verdadero problema y salvó el edificio mediante un cimbrado general, además, se encargó de la reconstrucción del hastial sur. Las tareas de rehabilitación del edificio, y restauración de las vidrieras, se terminaron con otros dos arquitectos: Don Demetrio de los Ríos y Don Juan Bautista Lázaro. Tanto trabajo de restauración se concluyó en el año 1905, tardándose más en reformas y arreglos de la catedral que en su propia construcción.

ÚLTIMAS REFORMAS DE LA CATEDRAL
En 1996, bajo la dirección de los arquitectos Cecilio J. Vallejo y Mariano Saénz de Miera, se repararon mediante grapas de acero recibidas con plomo las fisuras de los elementos de coronación en “la silla de la Limona”, una estructura estribo de los arbotantes de la nave central, aparecidas por la acción de la humedad. También parte de la sillería de coronación fue recolocada o repuesta con medios consolidantes.
Otra obra subvencionada fueron los trabajos de restauración y conservación de la vidriera “La Virgen del Dado”, llevados a cabo por la Empresa CONCALE. Está proyectada sobre cartones de Nicolás Francés, realizada por un maestro vidriero Anequin y asentada en 1454 en los accesos desde la Catedral al claustro, en un único ventanal allí existente.En 1996 se restauró también una tabla del siglo XV que representa el martirio de San Erasmo, hoy expuesta en el museo de la catedral.

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Autor: Jose Mª Maestre Domínguez