miércoles, 25 de julio de 2007

Exponen obras de Praxíteles y de su escuela en Museo Arqueológico de Atenas.

Una exposición de esculturas únicas originales de Praxíteles, el gran artista griego de la Antigüedad y uno de los pioneros en la instauración del canon de belleza en el
mundo del arte, de miembros de su familia y alumnos de su escuela, abre hoy sus puertas en el Museo Arqueológico de Atenas.
La estatua del Efebo de Maratón, las bases de los dioses Apolo y Artémida y de Leto, dos figuras de Eros y tres estatuillas de Apolon Lykeo, son algunas de las 75 piezas de una muestra sobre este escultor y su época, fechadas hace más de 2.300 años y que se podrán contemplar hasta el 31 de octubre.
Nikos Kaltsás, director del museo, explicó a Efe que la exposición responde a la necesidad de que "una muestra consagrada a Praxíteles (siglo IV a.C.), para que sea completa, debe de incluir
obras de su familia, como la de su padre, Cefisodoto y de los hijos del artista, Cefisodoto y Timaros, que usaban la misma técnica" y abarca más de un siglo.
La exposición, que será inaugurada esta noche por el ministro de Cultura griego, Giorgos Vulgarakis, es diferente a la que se montó en el Museo parisiense del Louvre el pasado marzo, pues contiene piezas que, por su fragilidad, el gobierno heleno no permite que se saquen del país, como el Efebo de Maratón, y solo pueden contemplarse en museos de Grecia, según los responsables de la muestra.
El Efebo, una escultura en bronce que descansa sobre un pedestal en el Museo ateniense, ha sido trasladada "con sumo cuidado unos pocos metros en su base a una de las cuatro salas junto con el resto de las obras de Praxíteles", entre ellas dos "Venus", una procedente del Museo del Louvre y otra del Vaticano, ha explicado Kaltsás.
También se destaca la base de la escultura dedicada al poeta Menandro, que se puede ver en la Acrópolis de Atenas y fue esculpida por los hijos del gran escultor, aunque su emplazamiento original era el antiguo teatro de Dionisio, a los pies de la Acrópolis.
"Como no se encontró la estatua original completa, ahora se muestra una copia ideal de la pieza", declaró el director.
Además, se incluyen tres bases de las estatuas de los dioses del monte Olimpo de la mitología griega (Apolo y Artemis) y de su madre, Leto, cuya existencia fue revelada en sus escritos por Pausanias, historiador de la Grecia Antigua, y que fueron encontradas en el ara de un templo en la localidad sureña de Mantinía (Arcadia).
Otras figuras singulares son las dos representaciones de Eros praxitelianas, la primera procedente de los fondos del Museo Arqueológico ateniense y la segunda es la copia del encontrado en Parion (Asia Menor) y que se exhibe en el Museo de la isla de Kos; tres estatuillas de Apolo Licio, una copia del Hermes de Olimpia y la cabeza auténtica de la Artemisa de Vravrona.
El visitante podrá contemplar también dos vitrinas con monedas que dan testimonio de la obra de Praxíteles y que fueron acuñadas por los gobiernos de diversas ciudades de la Antigüedad con efigies en honor del escultor, como la "Afrodita de Cnidos".
Las piezas exhibidas se nutren de fondos de trece museos griegos, así como de los museos del Louvre, Dresde (Alemania), los Capitolinos del Vaticano, el British Museum y la Biblioteca Nacional de Francia.
FUENTE: EFE

Descubren una supuesta imagen dentro de "La Última Cena" de Leonardo da Vinci.

Un informático italiano asegura que ha descubierto otra imagen dentro del cuadro de "La Última Cena", de Leonardo da Vinci en el que, según sus palabras, aparecen varias
figuras, entre ellas un templario y la Virgen María, aunque un experto ha calificado el descubrimiento de "pura invención".
Pesci Slavisa, de 36 años, notó algo extraño en el cuadro mientras ojeaba una revista por lo que se le ocurrió escanear la imagen e imprimirla en un papel traslúcido, después lo puso de nuevo
sobre el original y descubrió "un nuevo dibujo con otras imágenes", según explicó hoy durante una rueda de prensa en Milán.
Slavisa, natural de Mantua (norte de Italia) explicó que en la parte derecha del cuadro aparece un templario y en el centro la figura de la Virgen María.
"Hay una coincidencia de puntos que creo que no pueden ser el fruto de una casualidad, sino un cálculo preciso de Leonardo", dijo el informático.
Slavisa señaló que no sabe explicar cuál puede ser el significado de este nuevo dibujo, y que se lo deben dar "los críticos e históricos de arte".
El informático repitió el mismo proceso con otras obras de Da Vinci como en su autorretrato y aseguró que también descubrió una nueva imagen en su interior.
"Leonardo se divertía escondiendo otras imágenes en sus dibujos" aseguró y comentó que él ha presentado ahora lo que ha notado por casualidad, "algo que todos pueden verificar de una manera muy sencilla".
Este aficionado al arte afirmó que no es un fan de Dan Brown ni un apasionado de Leonardo da Vinci, y resaltó que un amigo lo convenció para que depositase ante notario el descubrimiento antes de que lo hiciera público.
Sin embargo, el crítico de arte y asesor cultural de Milán, Vittorio Sgarbi, calificó su descubrimiento de "pura invención".
Sgarbi explicó que es imposible que haya en el famoso cuadro de Leonardo "dibujos de personas distintas a las que se ven".
FUENTE: EFE

domingo, 22 de julio de 2007

Pinturas que expresan la vida de Héctor Lavoe se exhiben en Puerto Rico.


Alrededor de treinta pinturas creadas por artistas puertorriqueños y latinoamericanos del fallecido salsero puertorriqueño Héctor Lavoe engalanan el Hotel San Juan como parte de una exposición de obras que presenta la undécima edición del Puerto Rico Salsa Congress.
La vida de Lavoe generará nuevamente ímpetu y acogida desde mañana, cuando se celebrará la gala de estreno de la película "El Cantante", protagonizada por el artista puertorriqueño Marc Anthony y su esposa, la actriz Jennifer López, en el Museo de Arte de Puerto Rico de San Juan.
La idea de presentar por tercera ocasión en Puerto Rico las obras de Héctor Juan Pérez Martínez (1946-1993), nombre verdadero del denominado "El cantante de cantantes", fue por parte de la agencia productora LAF Communications, protectores de la imagen de Lavoe, y los organizadores del evento musical.
"La vida de Héctor Lavoe la acabo de redescubrir con LAF debido a la selección de sus canciones que fueron grabadas de diferentes maneras y que me han dejado sorprendido", expresó a Efe Elí Irizarry, fundador y organizador del evento que se extenderá hasta el próximo 28 de este mes.
Irizarry, quien actualmente trabaja como el manejador de giras de "El Gran Combo de Puerto Rico", afirmó que Lavoe "es un icono", pues "hace mucho tiempo que trascendió con el trabajo musical estricto para convertirse en verdadero icono".
Irizarry informó también que en alguna próxima edición del evento realizará el primer encuentro mundial de coleccionistas de la salsa.
Por su parte, Camilo Torres, artista que exhibe la obra "De ti depende", explicó que se inspiró en la creación de la pieza en blanco y negro por "las caídas, lo trágico, la nostalgia y lo alegre" durante la vida de Lavoe.
Lavoe, quien cautivó el mercado latinoamericano por su integración a la orquesta "La Fania All-Stars", así como por sus canciones "Paraíso de dulzura", "El Todopoderoso", "Rompe Saraguey", "Mi gente", "Periódico de ayer" y "Calle luna, Calle sol", murió en 1993 por el virus del sida debido al uso constante de drogas.
Torres, quien describió a Lavoe como "una leyenda", indicó, además, que en su obra en la que pintó al quien también conocían como "El rey de la puntualidad" con lentes de oro, porque el cantante fue uno de los precursores del "bling bling" o prendas de brillantes llamativas.
Mientras tanto, Leslie Pérez, hermana de Lavoe, dijo estar "contenta y feliz" por la exhibición de las obras, que ya se han presentado en el Museo de Arte de Ponce (sur), ciudad natal del fenecido cantante, y en el Museo de las Américas en San Juan.
"Esto es algo internacional. Aunque los fanáticos conozcan a Lavoe, también es importante que conozcan a los artistas y sus obras", resaltó.
Señaló, igualmente, que el apoyo que le han dado los seguidores de Lavoe a pesar de haber fallecido casi quince años es porque "él fue un hombre de pueblo y humilde".
"Héctor siempre tuvo a su país en su corazón, y por eso el pueblo lo quería tanto. Él no necesitaba guardaespaldas ni nada de eso, porque su propio pueblo lo protegía. La música de él era su pueblo, por eso, él sigue vivo", manifestó.
Pérez también indicó que no saldrá en el filme "El cantante", pues, según ella, su vida no fue "trágica" por lo que los productores de la película no decidieron incluirla.
El Puerto Rico Salsa Congress, que comenzó ayer, y se extenderá hasta el próximo 28 de este mes, contará con espectáculos artísticos por parte orquestas de Tito Rojas, "La Mulenze", Willie Rosario, "la Sonora Ponceña" y "El Gran Combo de Puerto Rico".
FUENTE: EFE

sábado, 14 de julio de 2007

Restauradora italiana dice haber descubierto original Caravaggio.

(Autoretrato).
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Una restauradora italiana dice que un cuadro que durante mucho tiempo se creyó era copia de una obra maestra de Caravaggio, "San Jerónimo escribiendo", es en realidad una obra auténtica del maestro.
Pero el anuncio efectuado esta semana por Roberta Lapucci _quien estudió el cuadro durante seis meses con ayuda de técnicas modernas_ no ha convencido a muchos especialistas, al tiempo que ha reavivado el debate sobre si Caravaggio a veces pintaba la misma obra dos veces.
Lapucci sostiene que debajo de las capas de agregados y restauraciones posteriores se encuentra la mano del maestro, quien inició la composición, pero la dejó inconclusa. Ella cree que se trata de un boceto preliminar de la versión definitiva, la cual se encuentra en el Oratorio de la Catedral de San Juan en Valletta, Malta.
"El realizó una gran parte de la composición: el santo es obra enteramente suya, lo mismo que la tabla de la mesa y los objetos", dijo Lapucci a The Associated Press. "Después, otro terminó la composición y hay restauraciones posteriores" en los siglos XVIII y XIX.
Tal vez Caravaggio dejó la obra inconclusa porque decidió pintar la obra definitiva, dijo Lapucci.
Pero especialistas en Caravaggio dijeron que la obra examinada por Lapucci no era de la misma calidad que un original del maestro.
"Carece de su vigor y de su destreza con el pincel", dijo Keith Sciberra, profesor de historia del arte en la Universidad de Malta y especialista en Caravaggio. "No tiene el espíritu de Caravaggio".
Maurizio Marini, un destacado estudioso de Caravaggio en Italia, señaló que la cara del santo era demasiado tosca para ser una pintura de Caravaggio.
"Se puede decir de todo sobre Caravaggio, menos que a su obra le faltaba calidad", dijo Marini, quien en otro caso reciente declaró que un cuadro era original del maestro.
El cuadro que Lapucci examinó en Florencia pertenece a un coleccionista privado en Malta. Este lo había enviado para hacerlo limpiar para una exhibición en la que ambos cuadros aparecerán uno junto al otro. Malta está recordando el 400 aniversario de la visita de Caravaggio a la pequeña isla en el Mediterráneo, en 1607-1608.
FUENTE: AP.

POLITIZAR LA HISTORIA DEL ARTE: Azkarate cree que el 'Guernica' tendría que estar en Euskadi "para siempre", pero, de momento, pide cesión temporal.

La portavoz del Gobierno vasco y consejera de Cultura, Miren Azkarate, afirma que el Ejecutivo autónomo cree que el 'Guernica' de Pablo Picasso debería estar, "de una vez y para siempre", en Euskadi, aunque, de momento, pide "una cesión temporal" del cuadro. Además, asegura que sólo renunciará a este propósito si informes técnicos "solventes" confirman la imposibilidad de "todo traslado".
En un artículo escrito en el diario 'El Correo', recogido por Europa Press, Azkarate afirma que la localidad vizcaína, "donde se produjo la tragedia" que pintó Picasso, "es la casa del 'Guernica'". "Como expresó el lehendakari Ibarretxe, 'las llamas son las llamas de sus casas, las calles son sus calles'", apunta.
En este sentido, insistió en que el Gobierno vasco desearía que el 'Guernica' estuviera en la Comunidad Autónoma Vasca para siempre, "lo que no es contradictorio" con su reafirmación en la solicitud de "una cesión temporal" de la obra de arte.
La titular de Cultura recordó que ya se pidió hace 10 años y se reiteró el año pasado "de cara a su exposición temporal en Euskadi durante 2007, coincidiendo con el 70 aniversario del bombardeo y destrucción de Gernika". "Como es conocido, el Gobierno español se escondió tras el Patronato del Museo Reina Sofía para negarse, alegando supuestos problemas técnicos de conservación, sin mayores argumentos", destaca.
Tras asegurar que el Ejecutivo de Ibarretxe "es el primer interesado en la correcta conservación" del cuadro, señala que, "ante un hipotético problema técnico derivado de su conservación y de posibles daños irreparables derivados de cualquier traslado, se impone que una comisión de expertos independiente analice y dictamine la cuestión".
"Si, finalmente, informes técnicos solventes confirmaran que el estado de conservación del cuadro imposibilita, con los medios técnicos del siglo XXI, todo traslado, el Gobierno vasco retiraría la solicitud", añade.
LA VIABILIDAD DEL TRASLADO
Para la portavoz del Gobierno vasco, su traslado es "totalmente viable y la cesión, aunque fuera temporal, es posible". "La tecnología y los medios humanos y materiales actuales permiten un traslado con todas las garantías", manifiesta.
Por ello, cree "perfectamente factible que el 'Guernica', que ha recorrido medio mundo, llegue a Euskadi para exponerse, uniendo el cuadro y la ciudad mártir que le da nombre, en la tierra donde ocurrió la tragedia".
"El Gobierno vasco y las instituciones públicas vascas estamos dispuestos a poner los medios para hacer posible que la respuesta de Picasso a la atrocidad de la muerte y la destrucción de Gernika se exponga en la antesala de donde ocurrió, ante quienes lo sufrieron y donde nunca ha podido exponerse", señala.
Por ello, dice que en el 70 aniversario del bombardeo "no ha sido posible", pero subraya que "el Gobierno vasco seguirá trabajando para que, dentro de cinco años, en el 75 aniversario", se pueda ver el 'Guernica' en Euskadi.
Aunque reconoce que la obra se realizó por encargo del Gobierno de la República y que, posteriormente, Picasso "donó" el cuadro a la sociedad española para su exhibición "cuando se recuperara la República", lo que "hace que el 'Guernica' sea patrimonio colectivo", afirma que "Euskadi también tiene algo que decir" al respecto.
FUENTE: EUROPA PRESS.

miércoles, 11 de julio de 2007

El Museo Pérgamo organiza una operación para salvar la Puerta del Mercado de Mileto.

El Museo Pérgamo de Berlín organizará una espectacular operación de "salvamento" para restaurar la Puerta del Mercado de Mileto, uno de los tesoros arquitectónicos de la Isla de los Museos con sus 1.800 años de antigüedad.
Peter-Klaus Schuster, director general de los museos estatales de Berlín, anunció que esa restauración forma parte de un plan más amplio para el Museo de Pérgamo.
La Puerta del Mercado de Mileto, construida hacia el año 120 a.C. en esta localidad griega de Asia menor, en la actual Turquía, es uno de los ejemplos más conocidos de fachadas arquitectónicas romanas.
Con sus 28,92 metros de ancho y 17 metros de altura distribuidos en dos pisos es, junto al Altar de Pérgamo y la Puerta de Ishtar, una de las piezas arquitectónicas más destacadas de Museo Pérgamo de Berlín.
En la actualidad, la Puerta del Mercado de Mileto está cubierta con una red protectora, debido a las grietas, desconchados, corrosión, erosión, eflorescencia y calcificación que presenta el mármol, según se ha detectado en diferentes análisis.
Por esa razón, los Museos Estatales de Berlín han decidido organizar una espectacular operación para "salvarla" y evitar que se siga deteriorando, sin tener que cerrar el Museo, que recibe 800.000 visitas al año.
Para lograrlo, se desmontará en una primera fase la parte superior de la Puerta en 58 piezas, que se trasladarán en camiones a los depósitos del museo para su posterior restauración. El resto, se restaurará más adelante.
El traslado de las piezas, de 100 toneladas de peso en total, se hará mediante una apertura en el muro exterior de la sala de Mileto y fuera del museo se construirá un estrado donde serán depositadas.
Con el objetivo de evitar que el polvo y el ruido molesten a los visitantes del Museo de Pérgamo se construirá un tabique protector transparente, que permitirá seguir de cerca las obras de restauración de esta pieza arquitectónica.
El túnel que une la sala de Mileto con la sala de la Puerta de Ishtar seguirá durante los trabajos de restauración abierto con el fin de que los visitantes puedan recorrer ese ala del museo.
Gisela Holan, responsable de los Museos Estatales de Berlín, precisó que se invertirán 11 millones de euros en este proyecto y que se confía que la restauración acabe antes de 2007.
El Mercado de Mileto quedó totalmente destruido por un terremoto en el siglo X ó XI. Las ruinas fueron descubiertas en el año 1903 por el arqueólogo alemán Theodor Wiegand del Museo Real de Berlín y transportadas hasta la capital alemana entre 1907 y 1908.
Los responsables del nuevo Museo de Pérgamo reconstruyeron la Puerta del Mercado de Mileto siguiendo las indicaciones del arquitecto Hubert Knackfuss y del arqueólogo Wilhelm von Massow para ser lo más fieles posible al original.
Para la reconstrucción de la puerta, el 60 por ciento del material que utilizaron fueron piezas originales de mármol de la Puerta del Mercado de Mileto, pero el 40 por ciento restante está reconstruido utilizando estructuras de hierro, ladrillo, yeso y escayola.
Durante la segunda Guerra Mundial, la Puerta del Mercado de Mileto quedó muy dañada por los bombardeos aliados. La llamada sala de Mileto del Museo de Pérgamo fue una de las primeras salas de este complejo que abrió sus puertas al público en 1954, después de su restauración.
Fuente: EFE

Una exposición reúne ochenta retratos femeninos de la colección de Viktor Elliot.


Unas ochenta obras de la Viktor Elliot Collection, dedicada íntegramente al retrato femenino, se exhiben desde hoy en el Museo Diocesano de Barcelona en una exposición que incluye cuadros de Ramón Casas, Tàpies, Chicharro, Francisco Miralles, Ocaña o Julián Grau Santos.
El comisario de la exposición, Francesc Fontbona, ha comentado hoy en la presentación que "en la selección de las obras he prescindido de si los pintores eran canónigos o no, estaban en una u otra corriente, porque la colección es absolutamente ecléctica".
Con la muestra, que estará abierta al público en el Diocesano hasta el 9 de septiembre próximo, Fontbona ha querido "reivindicar el género del retrato, el género por antonomasia, pero hoy con tanta mala prensa".
El comisario ha criticado la actitud de muchos coleccionistas actuales, que "prefieren comprar en las galerías paisajes, interiores, composiciones abstractas o bodegones, antes que adquirir el retrato de alguien desconocido".
A su juicio, "el retrato es el género pictórico en el que el artista se la juega más, al tratar de captar la expresión humana, que no al pintar un prado, una manzanas o un naufragio".
Quizá por esa razón, recuerda Fontbona, André Felibien situó en la Francia del Rey Sol el retrato de figuras humanas en "el nivel más alto de la creación artística".
La presente exposición tiene un ilustre precedente en Barcelona, el I Salón Mirador, que tuvo lugar en la primavera de 1933 en las galerias Laietanes y que se centraba en cien años de retrato femenino en la pintura catalana (1830-1930).
Algunos de los nombres presentes en aquella exposición se encuentran ahora en el Museo Diocesano, como el propio Casas, Borrell, Brull, Caba, Canals, Francesc Masriera, Miralles y Lluïsa Vidal.
Incluso se puede contemplar una obra, "La Señora Verdaguer", de Benet Mercadé, en cuyo bastidor hay una etiqueta que atestigua su presencia en el Salón Mirador.
En la exposición se pueden contemplar obras de Joaquim Sunyer, Vila Arrufat, Ramón Pichot, Josep de Togores, un retrato femenino de Antoni Tàpies de los años 40, un Opisso, una obra de Olga Sacharoff o un Ramón Casas.
Según Fontbona, estamos ante una colección "acertadamente contracorriente", pues se centra en el retrato femenino, especialmente el realizado en Cataluña.
La propuesta del comisario pretende, según afirma él mismo, superar las colecciones canónicas realizadas en el pasado, pues "cada época hace sus selecciones de artistas, a veces casi dogmáticas, que a menudo, pasadas las décadas, es necesario corregir".
El conservador de la colección, Armin Heinemann, modisto de profesión, ha indicado que desde Ibiza, donde vivía en los años sesenta y setenta el ambiente hippie de la época, viajaba asiduamente a Barcelona, donde fue comprando cuadros, siempre retratos femeninos.
"La emoción, la belleza y la pasión" son los tres elementos que llevaban a Heinemann a comprar un cuadro: "adquiría el retrato si la cara de la mujer pintada me decía algo, aunque otras veces me llamaba la atención la tela de su vestido", ha señalado.
Al margen de consideraciones estéticas, la exposición permite asimismo "trazar una panorámica amplia por la historia del arte, desde el realismo ochocentista, la pintura burguesa, el modernismo, el noucentismo o la escuela clásica de París, apunta Fontbona.
Fuente: EFE

jueves, 5 de julio de 2007

El Museo de Arte Romano abrirá sus puertas las noches del jueves en julio y agosto.


El Museo Nacional de Arte Romano de Mérida abrirá sus puertas por la noche todos los jueves de julio y agosto, en los que ofrecerá visitas guiadas gratuitas dentro del programa "Los jueves del museo" entre las nueve y las once de la noche.
El programa incluye además la exposición "ARTIFEX: la ciencia y la técnica del mundo antiguo", que será inaugurada a mediados de este mes, según informó hoy a EFE en un comunicado el museo.
Esta muestra se organiza en colaboración con la Universidad Nacional de Educación a Distancia (UNED) como complemento al curso de verano que imparte este centro sobre "Ciencia y tecnología en el mundo antiguo".
FUENTE: EFE

Londres muestra la transformación de la costa francesa a través ojos de impresionistas.


Las impresiones que generó la costa de la Normandía en los pintores franceses del siglo XIX llegan ahora a la Royal Academy of Arts de Londres, en una exposición que muestra cómo esas playas del norte dejaron de ser sólo de los pescadores para convertirse en el "bulevar veraniego de París".
"Impressionists by the sea" (Impresionistas junto al mar) es el título de una exposición que, desde el 7 de julio y hasta el próximo 30 de septiembre, acoge sesenta interpretaciones de la costa francesa de artistas como Edouard Manet, Claude Monet, Pierre Auguste Renoir y Louis Eugene Boudin.
Durante el siglo XIX, la tranquila costa del norte francesa, con sus habitantes ganándose la vida en el mar, sufrió una importante transformación que la convirtió en la provincia de los veraneantes de París, en parte gracias a la rápida extensión del ferrocarril.
A la llegada del verano, la costa veía cómo sus playas, los pueblos de pescadores y los pequeños puertos se convertían en la extensión de la moderna vida urbana de la capital francesa, el llamado "bulevar veraniego de París", que también despertó la atención de los pintores impresionistas de entonces.
Ya desde 1820 en adelante, la costa de la Normandía ofreció innumerables paisajes marinos a los artistas, que capturaron su luz pero también los cambios económicos y sociales que experimentó.
Boudin, seguido de Monet y Manet fueron los pioneros en retratar los veraneantes recién llegados de "la ciudad de la luz" a la playa, con obras como "La plage à Troville" o "L'hôtel des Roiches Noires", ambas pintadas por Monet en 1870, pero que no se exponían juntas desde los años setenta.
"Sur la plage" es otro retrato de los veraneantes llegados de París, esta vez realizado por Manet en 1873, durante las tres semanas que pasó con su familia en la pequeña ciudad costera de Berck-sur-Mer.
A pesar de la fuerza que esta temática de moda cogió durante los setenta del siglo XIX, desapareció una década después en las últimas obras de Manet y sobre todo de Monet, quienes dieron la espalda a los parisinos y usaron su original técnica pictórica para capturar los efectos del clima y luz en la costa.
"Sus últimas pinturas se concentraron sólo en la playa, en cómo se encontraban el mar y la tierra. Es en esas obras sobre la soledad donde se ve a los artistas reflejados, a partir de sus descripciones del mar", explicó hoy el comisario de la exposición, John House.
Pero la exposición viaja también atrás en el tiempo y muestra escenas de playa pintadas a comienzos del siglo XIX por artistas que, como Whistler o Cazin, dotaron de contexto a la llegada de los impresionistas.
Creadas para ser expuestas en el Salón Oficial de París, estas obras son el punto de partida de una exposición que también acoge la romántica visión que de la playa aportaron Eugène Isabey y Paul Huet, así como las austeras representaciones realistas de Gustave Courbet.
"Impressionists by the sea", que en octubre viajará a Washington, presenta una panorámica del cambio experimentado por la costa francesa a través de los ojos de sus artistas, pinceladas llenas de color que, según House, animarán a más de un visitante a veranear este año en Normandía.
FUENTE: EFE

El Thyssen abre por la noche Van Gogh y el resto de sus muestras desde el 3 de julio.


La exposición dedicada a Vincent Van Gogh en el Museo Thyssen, que ha recibido cerca de 42.000 visitantes en sus primeros veinte días, podrá ser contemplada en horario nocturno a partir de hoy, junto al resto de las muestras que ofrece actualmente la pinacoteca.
El programa "Noches de verano" mantendrá abiertas hasta las 23.00 horas también las exposiciones del pintor norteamericano Richard Estes, padre del hiperrealismo, y de la fotógrafa estadounidense Lynn Davis.
Las visitas nocturnas se mantendrán hasta el próximo 1 de septiembre y suponen una ampliación de cuatro horas en el horario habitual del Thyssen.
En el caso de la exposición "Van Gogh. Los últimos paisajes", que se exhibe desde el pasado 12 de junio y hasta el 16 de septiembre, el horario nocturno aumentará las posibilidades del museo de atender la amplia demanda de público que ha suscitado esta muestra, que reúne la obra final del pintor holandés.
Desde su apertura y hasta el pasado día 1, la exposición fue visitada por 41.800 personas, informaron hoy a Efe fuentes del museo.
La muestra, que podrá visitarse en grupos también por la noche, se completa con un ciclo de cine que comienza hoy y en el que se proyectarán hasta el próximo día 19 "El loco de pelo rojo", de Vicente Minelli; "Van Gogh", de Alain Resnais; "Van Gogh à Paris", de André Lacarthe; "Vincent and Théo", de Robert Altman; "Van Gogh, la revanche ambiguë", de Abraham Segal, y "Van Gogh", de Maurice Pialat.
La oferta nocturna del Thyssen para este verano se completa con las visitas a los paisajes urbanos de Richard Estes, que se exponen desde el pasado 19 de junio y permanecerán en Madrid hasta el 16 de septiembre, y las imágenes de Lynn Davis.
Las series "Iceberg" y "Persia Antigua", que muestran por primera vez en España el concepto minimalista de la fotógrafa norteamericana, se exponen desde el pasado 28 de mayo en el Thyssen, donde permanecerán hasta el día 29 dentro de la programación del festival fotográfico PHotoEspaña 2007.
FUENTE: EFE

Aristócratas son obligados a vender cuadros prestados a la Galería Nacional.

Varias familias aristocráticas británicas, que deben hacer frente a los elevados costos de mantenimiento de sus posesiones, se ven obligadas a vender los cuadros de maestros antiguos, entre ellos Tiziano, Rubens y Poussin, que tienen prestados a la Galería Nacional de Londres.
El duque de Rutland, el vizconde de Hampden y el conde de Halifax han invitado a la galería a comprarles por un total de doscientos millones de libras (296 millones de euros o 403,4 millones de dólares) ocho cuadros que les prestaron, según información publicada en el periódico The Art Newspaper y confirmada en términos generales a Efe por fuentes del museo.
En caso contrario, los aristócratas aseguran que no tendrán más remedio que sacarlos al mercado abierto, lo que significa que seguramente serían adquiridos por coleccionistas extranjeros.
La Galería Nacional habla de crisis y dice que es la mayor desde finales del siglo XIX, cuando, por culpa de los problemas financieros de la aristocracia del Reino Unido, varios cuadros de viejos maestros adquiridos por sus propietarios durante sus viajes por el continente se vendieron a colecciones de Estados Unidos.
Según el periódico, el duque de Rutland ha pedido a la galería que le compre una serie de cinco cuadros de tema religioso de Nicolas Poussin titulada "Los Sacramentos", que le prestó en el 2002.
Esas obras del pintor francés más destacado del siglo XVII llevaban desde 1768 en posesión de la familia y su valor puede llegar a los 150 millones de euros (204,2 millones de dólares), suma que difícilmente puede recaudar un museo público británico.
A su vez, el vizconde de Hampden ha pedido al patronato de la Galería Nacional que le compre un boceto al óleo de Peter Paul Rubens -"Apoteosis del rey Jacobo I"- valorado en unos veintidós millones de euros (casi treinta millones de dólares), que lleva doscientos años en propiedad de su familia y ha estado expuesto en la National Gallery desde 1981.
El propio vizconde dijo al periódico que necesita el dinero para garantizar el futuro de su propiedad familiar de Glynde, en el condado de Sussex.
El museo parece, mientras tanto, resignado a perder un retrato de joven pintado por Tiziano Vecellio en 1515, que los propios expertos de la galería califican de "joya" y que ha vuelto a su propietario.
Se cree que la pinacoteca hizo una oferta que, con las exenciones fiscales que se aplican cuando los coleccionistas venden a las galerías, equivalía a unos 74 millones de euros (100,7 millones de dólares).
Su propietario, el conde de Halifax, que la prestó a la galería en 1922, rechazó la oferta y ha encargado a un marchante londinense que trate de venderla a quien ofrezca una suma superior.
La Galería Nacional está deseosa de conservar las obras prestadas, pero según fuentes del museo tiene dificultades.
La opción preferida sería lanzar una oferta para la serie cinco cuadros de Poussin.
Sin embargo, dado que desde el Gobierno no ha recibido una sola donación para adquisiciones específicas, no está nada claro que pueda permitirse comprar alguno de los ocho cuadros.
Una portavoz de la Galería Nacional recordó, sin embargo, que hace unos años el museo pudo adquirir una obra temprana de Rafael, "La Madonna de los Claveles", por veintidós millones de libras (unos 32,8 millones de euros ó 44,3 millones de dólares), que iba a exportarse al Museo Getty de California (EEUU).
Esa adquisición pudo llevarse a cabo gracias a dinero de la Lotería Nacional, del Consejo de las Artes del Reino Unido y de particulares.
FUENTE: EFE

La "Santa Rufina" de Velázquez vuelve a España para descansar en Sevilla.

Después de 140 años en manos extranjeras, la pintura "Santa Rufina", atribuida a Diego de Velázquez, regresa a España, donde será la anfitriona de la nueva casa museo dedicada al genio del Barroco español en su ciudad natal, Sevilla.
"Crear la Casa Velázquez sin Sevilla es incomprensible, igual que es incomprensible Sevilla sin Velázquez", afirmó a Efe Juan Carlos Marset, concejal de Cultura del Ayuntamiento de la capital andaluza y uno de los principales promotores de esta adquisición.
La compra ha sido financiada por la Fundación privada Focus Abengoa, que será quien aporte los 12,47 millones de euros por los que se vendió hoy en la casa de subastas Sotheby's de Londres un cuadro que ya es, según los responsables de la firma londinense, la pintura antigua española más cara de la historia.
Además, la venta de "Santa Rufina", que rompió con gritos de alegría el silencio de los impasibles pujantes ingleses, batió el récord del precio pagado por una obra de Velázquez (1599-1660) que este mismo cuadro alcanzó en 1999 en una subasta en Nueva York.
"Toda esta operación es fruto de un convenio que va a desarrollar nuestra Fundación con el Ayuntamiento de Sevilla en la sede de la Fundación Focus Abengoa en esa ciudad", explicó Anabel Morillo, directora general de la entidad privada.
El cuadro, que será exhibido en la Casa Velázquez que se ubicará en el edificio del S.XVII que la Fundación tiene en pleno centro de Sevilla, podría en un futuro pasar a ser propiedad del Ayuntamiento de la ciudad por un "sistema de préstamos", del que su concejal de Cultura no ha querido dar detalles.
"El Ayuntamiento quería que el cuadro viniera a Sevilla y se quedara para siempre en Sevilla", incidió Marset, quien no descartó que un futuro próximo "Santa Rufina" pueda viajar a exposiciones temporales de museos de fuera de la capital andaluza, como por ejemplo El Prado de Madrid.
Y es que la obra, que pertenece a ese "exclusivo" club de menos de diez pinturas de Velázquez en manos privadas, ya había sido anhelada anteriormente por el Gobierno español.
En 1999, en una subasta en la sede de Nueva York de la firma Christie's, el Ministerio de Cultura pujó sin éxito por la obra, que finalmente se vendió a un comprador privado de Londres, el que ahora ha vuelto a subastarla.
En esta ocasión, la titular del Ministerio, Carmen Calvo, desestimó la posibilidad de pujar por la obra porque, como explicó, su departamento no puede "improvisar 9 millones de euros de un día para otro".
"Lamento que la Fundación tenga que hacer el papel que tiene que hacer el Estado. Es una pena que ni el Estado español ni la Junta de Andalucía hayan manifestado ningún interés", apuntó Benito Navarrete, experto en arte y discípulo de Alfonso Pérez Sánchez, antiguo subdirector del Museo del Prado y académico de la Historia.
Además de la propiedad de este cuadro, pintado en los primeros años de la década de los treinta del siglo XVII, también ha sido polémica la identificación del autor: en los últimos años, Jonathan Brown, catedrático de Historia del Arte de la Universidad de Nueva York, ha negado que pertenezca al pintor español.
"La gente no se juega los millones a la ruleta y ya se ha visto el precio que ha alcanzado el cuadro", apuntó Navarrete, quien definió la cantidad por la que se vendió la obra como "un homenaje a la credibilidad de Alfonso Pérez Sánchez, que fue la primera persona que demostró científicamente su pertenencia a Velázquez".
En el cuadro se puede ver la imagen de una joven Rufina, hermana de la también patrona de Sevilla Santa Justa, con un plato y una taza en su mano izquierda y una palma en su mano derecha, quien, según varios expertos, podría ser alguna de las dos hijas de Velázquez, Francisca e Ignacia.
Hasta ahora, la última referencia de un propietario español que se tenía era la de José María de Salamanca y Mayol (1811-1883), Marqués de Salamanca, quien se hizo con el cuadro hacia la mitad del siglo XIX y lo vendió en una subasta en París en 1867 al aristócrata británico William Ward, Conde de Dudley y Vizconde de Ednam.
En este sentido y en referencia al himno andaluz, Marset incidió que después de más de un siglo, "Santa Rufina" vuelve al país en el que se pintó "por Andalucía, España y la Humanidad".

FUENTE: EFE.



Venden una colección de acuarelas de Turner por 10 millones de libras.

La mejor colección privada de acuarelas del maestro inglés JMW Turner en salir al mercado en los últimos años ha sido vendida por la casa de subastas Sotheby's por 10,7 millones de libras (15,8 millones de euros).
El vendedor, un aristócrata e industrial belga, dijo que se desprendía con auténtico pesar de las obras y no acudió personalmente a la subasta, celebrada anoche en Londres, porque era demasiado "doloroso" para él.
Las doce acuarelas, que cubren un período de 50 años en la carrera del artista, representan paisajes de la Europa continental -Suiza, Alemania, Francia e Italia- junto a dos marinas inglesas.
La obra que alcanzó el precio más alto, una acuarela que representa un lago suizo con el monte Wetterhorn al fondo, cambió de manos por 3,6 millones de libras (5,3 millones de euros).
La colección pertenecía al barón Guy Ullens, de 72 años, que construye actualmente un museo de arte contemporáneo en Pekín.
Ullens, cuya familia se dedica al refinado de azúcar, empezó a coleccionar pinturas y antigüedades chinas clásicas pero a partir de los años ochenta comenzó a interesarse por el arte chino contemporáneo del país asiático y ahora posee unas 1.500 obras.
En declaraciones que publica hoy el diario "The Daily Telegraph", el coleccionista belga se quejó de los precios exagerados que ha alcanzado últimamente el arte chino.
Ullens recuerda haber comprado por menos de 4.500 euros pinturas de artistas contemporáneos de ese país por cuyas obras se piden actualmente hasta 1,5 millones de euros.
Los precios del arte chino comenzaron a dispararse justo cuando el industrial se embarcó en el proyecto de construir su museo en Pekín, con lo que decidió acudir a su banco en busca de un crédito.
Cuando el banco se negó a aceptar su colección como aval, recurrió a la casa de subastas Sotheby's, que le ofreció en cambio una garantía financiera si aceptara vender sus Turner.
"Tengo una obligación para con China y sus artistas", afirma Ullens para justificar la venta de sus preciadas acuarelas.
FUENTE: EFE.

Descendiente de la familia Medici recupera la figura de Sofonisba, pintora de Felipe II .


Autorretrato (1554)Kunsthistorisches Museum, Viena.
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El último descendiente de una de las ramas de la histórica familia italiana Medici, Lorenzo de Medici, ha recuperado la figura de Sofonisba Anguissola, pintora en la corte de Felipe II admirada por artistas de la época como Miguel Ángel o Anton Van Dyk, en la novela "El secreto de Sofonisba" (Ediciones B).
Sofonisba, nacida en Cremona (Italia) en torno a 1531, fue "la retratista más popular de la época", aseguró hoy De Medici en una entrevista con Efe, "tanto que Felipe II la llamó a su corte, aunque por su condición de mujer oficialmente ejercía como dama de compañía de la reina".
"El secreto de Sofonisba" arranca con un encuentro "mágico" entre la pintora italiana, con casi ya cien años, y un joven Anton Van Dyk, quien aconsejado por su maestro Rubens se empeña en conocer a una de las artistas "más admirada".
La trama se remonta sesenta años atrás de la conversación entre los dos pintores, cuando el Papa Pío IV ordena a un cardenal que se desplace hasta la corte de Felipe II con el fin de recuperar unos documentos "de vital importancia" para el regidor vaticano, cuyo secreto esconde el arzobispo de Toledo, encarcelado por el capitán general de la Santa Inquisición.
Un autorretrato de Sofonisba será el medio del cual el enviado papal se sirva para trasmitir de manera encriptada el mensaje de si el secreto está o no a salvo.
"Es una historia basada en hechos reales", indicó De Medici, quien se ha servido de hechos históricos como la conversación entre Van Dyk y Sofonisba o el encarcelamiento del arzobispo de Toledo acusado de herejía por parte de la Inquisición para construir una "historia de intriga de esas que no le dejan a uno dormir".
El escritor aseguró que la pintora italiana introdujo "importantes" novedades en la pintura, ya que "empleaba colores fuertes, detalles, gestos y, en definitiva, vida a sus retratos", en oposición a la pintura retratista habitual en las cortes, señaló.
Sobre ella, el famoso pintor Miguel Ángel dijo que "la admiraba mucho", a través de una carta que remitió al padre de Sofonisba, y Anton Van Dyk aseguró, al término de su entrevista con la anciana, haber aprendido de esta "más que de todos sus ilustres maestros", aseveró De Medici.
"Sofonisba era todo un personaje, una luchadora nata en un mundo de hombres. Chapeau", valoró el escritor, que "siempre" escribe historias sobre mujeres, como fue el caso de su anterior novela "La conjura de la reina", sobre su antepasado Catalina de Medici, o de la próxima que tiene pensado escribir, también sobre la relación entre dos históricas mujeres de su linaje.
"Como personajes, las mujeres dan más juego a la hora de escribir", consideró el autor, "sobre todo cuando se habla sobre sentimientos amorosos, aunque los hombres también los tengamos, o los tuvimos, o los tendremos", bromeó.
Lorenzo de Medici ha tomado el nombre de una de las figuras más representativas de la historia de su familia, apodado 'El Magnífico', "un personaje mítico contra en que he tenido que luchar toda mi vida", explicó.
El escritor de "El secreto de Sofnonisba" nació en Milán (Italia), aunque ha vivido y trabajado en varios países del viejo continente, lo que lo convierte en "un gran europeo".
Estudió Economía e Historia del Arte, colabora habitualmente en varios medios de comunicación alemanes y es autor de "Los Medicis, nuestra historia" y "La conjura de la reina", entre otros libros.
FUENTE: EFE