martes, 22 de enero de 2008

El arte funerario mexicano hace historia en El Cairo.

El arte funerario mexicano de las culturas mixteca y zapoteca hizo hoy historia en El Cairo, pues el famoso Museo Egipcio le prestó una de sus salas para exhibir por vez primera en sus cien años piezas arqueológicas de otras culturas.
Para tal ocasión se dieron cita las tres cabezas más importantes del mundo cultural egipcio: el ministro, Faruq Hosni, el secretario general del Consejo Supremo de Antigüedades, Zahi Hawass, y la directora del Museo Egipcio, Wafa Sadiq.
La exposición se llama "Vestidos como dioses" porque así es como se representaban los hombres y mujeres de aquellas culturas precolombinas, adornados con recargados tocados, collares, cascabeles, cinturones y representaciones de sus animales más respetados y temidos.
Frida Montesdeoca, una de las comisarias de la exposición, explicó a Efe que el objetivo de esta muestra es ilustrar "una parte del legado mexicano menos conocido que el maya o el azteca y que sin embargo sigue muy presente en la región de Oaxaca, en sus trajes y hasta en sus peinados".
Montesdeoca resaltó el hecho de que muchas de las 58 esculturas funerarias fueron usadas como urnas para guardar cenizas de los ilustres cadáveres, exactamente igual que los vasos canopios de la civilización faraónica tan abundantes en este museo.
Otros paralelismos con la cultura faraónica se encuentran en el hecho de que los muertos fueran enterrados con vituallas para su viaje al más allá, o que los animales más venerados, como el jaguar o las rapaces, fueran profusamente representados para dar fuerza al difunto en su lucha supraterrenal.
El embajador mexicano en El Cairo, Jaime Nualart, dijo en su discurso de apertura que se sentía orgulloso de inaugurar esta exposición y unir así "a dos naciones tan orgullosas de su pasado" como México y Egipto.
"Los dioses del inframundo se reúnen hoy en El Cairo", recordó, pero insistió en que en la cultura mexicana, incluso en la actual, la muerte no tiene el sentido trágico y lúgubre que se le asocia en Occidente.
Nualart destacó el hecho de que en estos momentos se exhibe en México -ha estado en Monterrey, donde ha recibido 400.000 visitantes, y en breve viajará a la capital- otra exposición que hermana las culturas egipcia y mexicana prehispánica, llamada "Isis y la serpiente emplumada".
"La exposición de México festeja la vida, y la de El Cairo la muerte", comentó Nualart a Efe.
El ministro de Cultura Faruq Hosni, que tras cortar la cinta inaugural de la muestra se paseó durante casi una hora por la sala, se dijo admirado por la calidad de las piezas, y similar opinión expresaron casi todos los invitados.
La directora del museo, Wafa Sadiq, se mostró "honrada por poder exhibir una muestra tan rica de una cultura tan rica", y confirmó que nunca su museo había acogido artefactos arqueológicos no egipcios, y que todo lo más en su sala de exposiciones temporales se habían exhibido réplicas de piezas de otras culturas.
"Vestidos como dioses" ha estado tres meses exhibida en Nueva Delhi y se quedará en El Cairo hasta finales de febrero, desde donde viajará a Alejandría y luego pondrá rumbo a Grecia, completando así un periplo por tres capitales con un carácter cultural muy acentuado.
La muestra de la capital egipcia ha sido financiada por la compañía Cemex y el ministerio de Exteriores mexicano, recordó el embajador, que en este año 2008, cuando se cumplen 50 años del establecimiento de relaciones diplomáticas entre Egipto y México, tiene previsto un año de intensa actividad cultural mexicana en el país árabe.
Fuente: EFE

Un Cristo atribuido a Martínez Montañés recupera la policromía tras catorce meses de trabajo.

El Instituto Andaluz de Patrimonio Histórico (IAPH) de la Consejería de Cultura ha terminado la restauración del Cristo de los Desamparados de la iglesia conventual del Santo Ángel de Sevilla, atribuido a Juan Martínez Montañés y que ha recuperado su policromía original tras catorce meses de trabajo.
En este antiguo convento carmelita, la consejera de Cultura, Rosa Torres, ha presentado hoy la intervención hecha por el IAPH, que es "de la satisfacción de todos", una vez devuelto este crucificado con su "recobrado aspecto" al templo donde se venera y que ha definido como "una de las esculturas más sobresalientes" del barroco andaluz.
Tras elogiar a los profesionales del IAPH por sus trabajos "reconocidos nacional e internacionalmente", ha dicho que, aunque la autoría no se ha determinado "de forma concluyente", "no hay dudas, y sí muchas evidencias, de que es una obra de gran calidad artística y uno de los exponentes de la imaginería basada en la Crucifixión".
Ha destacado que con este trabajo, en el que han participado doce técnicos de ese organismo andaluz, con 14.000 euros de inversión, se ha comprobado que "las características técnicas de la obra son muy semejantes a la del gran Cristo de la Clemencia de la Catedral de Sevilla, realizado en 1603 por Martínez Montañés" (1568-1649).
Torres ha insistido en que este Cristo de los Desemparados "se atribuye con muchos elementos de razón a Martínez Montañés" y que el estudio realizado permite, según los técnicos, "reivindicarlo como una de las grandes esculturas de la historia del arte de Andalucía" y "uno de los ejemplos más insignes de la mejor escuela sevillana".
Ha precisado que, tras su análisis estilístico, se ven "claros grafismos de la producción" del maestro de Alcalá la Real (Jaén), si bien presenta "algunas características a nivel compositivo y técnico que difieren en parte de otras imágenes suyas del mismo tema".
La imagen, propiedad desde su origen hasta hoy del convento de los carmelitas descalzos de Sevilla, fundado en 1587, se relaciona documentalmente con Martínez Montañés por una cédula judicial fechada en 1623, donde se menciona el contrato del artista para realizar un Cristo con destino al convento carmelita sevillano.
El Crucificado representa el instante inmediatamente anterior a la muerte de Cristo y su restauración, según la consejera, ha puesto de manifiesto "de forma más evidente el dramatismo del rostro, destacando la tensión de la boca y rasgos faciales con los signos de la defunción", además de la "excelente calidad de su policromía, que representa con gran virtuosismo los tonos de la piel y las marcas de la pasión de Cristo".
"Ha merecido la pena", según el prior de la iglesia conventual del Santo Ángel, Juan de Dios Dobado, que ha agradecido a la Junta que con su intervención pueda "contemplarse esta imagen como hace casi 390 años, cuando Martínez Montañés entregó esta joya, una de sus obras más bellas, a la Comunidad Carmelita", así como "el cariño y la profesionalidad" con que la han tratado los técnicos del IAPH.
La restauración en sí ha incluido catorce análisis, tres radiográficos y cinco documentos técnicos, y se centró primero en los estudios previos necesarios como el radiológico, un examen con iluminación ultravioleta y otro de la capa polícroma mediante lupa binocular, así como el análisis de caracterización de materiales constitutivos.
Las principales alteraciones de la imagen afectaban a la capa polícroma, por la suciedad que estaba extendida por toda su superficie, aunque sus daños más graves eran fruto de las sucesivas intervenciones sufridas en su historia, como el repolicromado sobre el sudario que había alterado la iconografía, las capas de barniz aplicadas en su superficie o la acumulación de humo y polvo.
Todas estas actuaciones habían ocultado el cromatismo de la obra haciendo inapreciable su naturalidad y verosimilitud.
Además, presentaba otras alteraciones de menor trascendencia, como pequeñas pérdidas de adhesión en el soporte y la capa pictórica que han sido repuestas, así como la pérdida de parte de la corona de espinas, que se ha reconstruido para recuperar el equilibrio compositivo de la imagen, mientras que también se han mejorado sus condiciones expositivas en la Capilla Sacramental donde se venera.
Fuente: EFE

domingo, 20 de enero de 2008

Los herreros del arte español exponen en la ciudad china de Tianjin.

Esculturas de Julio González, Martín Chirino, Andreu Alfaro y Miquel Navarro han viajado a la ciudad de Tianjin, en el norte de China, donde la muestra presentada hoy revela a los espectadores orientales las obras maestras de la forja española en hierro.
La exposición "La Alquimia de los Herreros", en el Museo de Tianjin, está formada por unas 70 obras del Instituto Valenciano de Arte Moderno (IVAM), principal organizador junto a la Sociedad Estatal para la Acción Cultural Exterior (SEACEX) y la Sociedad General de Autores y Editores (SGAE).
La directora del IVAM, Consuelo Ciscar, y el crítico de arte Ángel Kalenberg son los comisarios de la exposición, que mañana, sábado, será inaugurada por el embajador de España en China, Carlos Blasco, y al día siguiente abrirá sus puertas al público hasta el día 25 de febrero.
El director de Gestión Interna del IVAM, Joan Bria, presentó la exposición en una rueda de prensa, en la que destacó a Julio González (1876-1942) como "padre" del uso de hierro en la escultura universal y gran influencia para los otros tres artistas de la muestra.
Las ideas de González, que "crearon nuevos valores constructivos y expresivos" según Bria, dieron paso al lenguaje abstracto y poético de Chirino (1925), la linealidad y los dibujos en el espacio de Alfaro (1929) y las obras de Navarro (1945), que en el centro de la exposición muestra una de sus "ciudades" modulares y repetitivas.
Alfaro destacó a Efe que la muestra de Tianjin es un claro ejemplo de la filosofía del IVAM de "exportar e importar cultura, algo necesario para una sociedad".
Necesidad que en los últimos años parece apuntar claramente al cada vez menos desconocido arte contemporáneo de Oriente: en 2007, el instituto de arte valenciano acogió una muestra de 18 creadores chinos, y en 2008 habrá al menos tres muestras más de arte de este país, con la posibilidad de una cuarta, según apuntó Bria a Efe.
Entre ellas, la llamada "55 días en Valencia", enfocada especialmente a fotografía y escultura chinas, y otra procedente de la Tate Gallery de Liverpool, con obras de otros 18 artistas del gigante asiático.
"La Alquimia de los Herreros" comenzó a exponerse en 2006 en la metrópoli de Shanghai, y desde entonces ha viajado por las ciudades chinas de Hangzhou y Nankín, así como a Hanoi, la capital de Vietnam.
Chen Zhuo, el director del Museo de Tianjin, destacó que es la primera vez que el edificio alberga una colección de arte contemporáneo.
Hasta ahora, el edificio (una moderna estructura construida hace tres años y con planta de luna creciente) se había consagrado a obras tradicionales y la historia de esa ciudad, principal puerto del norte de China.
Tras la muestra de Tianjin, la exposición viajará a Singapur y Pekín.
Fuente: EFE

El Museo Metropolitano de Nueva York expone tres jarrones griegos de 2.500 años

Tres jarrones griegos de más de 2.500 años de antigüedad y que muestran algunos de los enigmas más destacados de la cultura griega se expondrán a partir de esta semana en el Museo Metropolitano de Nueva York, que acaba de adquirir su primera gran obra de arte africano contemporáneo.
El prestigioso museo neoyorquino informó hoy de que las tres piezas griegas son un préstamo acordado con el Gobierno de Italia, a cambio de un jarrón griego denominado "Euphronios krater", de 2.500 años de antigüedad, que hasta ahora se consideraba uno de los tesoros más valiosos de la colección del Metropolitano.
La pieza más destacada de esas tres adquisiciones temporales es una vasija del siglo IV A.C., atribuida al maestro Phyton, que muestra a Edipo resolviendo el famoso enigma de la esfinge, que pregunta cuál es el animal que tiene cuatro patas por la mañana, dos al mediodía y tres por la noche, así como su respuesta, el hombre, porque durante su evolución gatea, anda y finalmente utiliza bastón.
Otra de las piezas es una copa que representa la asamblea de los dioses del Monte Olimpo, dedicada a los hijos de Zeus, Cástor y Pollux, y que está firmada en torno a los años 515-510 A.C. por el alfarero Euxitheos y el pintor Oltos.
El préstamo también incluye un jarrón de terracota en forma de cabeza femenina realizado por Charinos en Atenas entre finales del siglo VI y principios del V A.C.
Las nuevas piezas complementan a las copas de Laconia que se exponen actualmente en la galería de arte griego y romano del museo, y que también fueron cedidas por Italia en noviembre de 2006.
Junto a esas tres antiguas piezas griegas el museo neoyorquino también informó hoy de su primera adquisición relevante de arte escultórico africano contemporáneo.
"Entre el cielo y la tierra", del artista ghanés El Anatsui, es un tapiz, de dos por tres metros, esculpido principalmente con tapones de botellas de licores hilvanadas con hilo de aluminio y cobre.
Afincado en Nigeria, donde vive y da clases, el artista ghanés de 64 años es uno de los más reconocidos de su continente y asegura que la pieza adquirida por el museo representa la vida contemporánea, dividida entre la realidad terrenal y la versión cibernética del cielo que permite la alta tecnología.
Fuente: EFE

La ciudad húngara de Szeged muestra obras de Picasso y la vanguardia pictórica.

El Centro Cultural Regional (Reök) de Szeged, en el sur de Hungría, anunció hoy la inauguración el próximo 1 de marzo de una muestra bajo el título de "Picasso y sus contemporáneos".
La exposición, que estará abierta al público hasta el 13 de mayo, recogerá el arte de Pablo Picasso y otros 69 artistas en más de 100 obras, de las cuales unas 40 pertenecen al padre del cubismo.
Según el Reök, la muestra "representará la época artística más excitante del siglo XX", recogiendo la obra de la vanguardia de aquellas décadas.
Junto a los 40 dibujos, litografías y grabados de Picasso se podrán contemplar obras de Joan Miró, Henry Moore, Roy Lichtenstein, Robert Rauschenberg, Victor Vasarely y Andy Warhol, entre muchos otros.
De todas formas los organizadores adelantaron que la muestra se complementará con otras "obras especiales" de Picasso que serán presentadas ante la prensa posteriormente, a pesar de que no precisaron cuáles serán.
Una gran parte de las obras expuestas forman parte de la colección "Hommage á Picasso", del historiador del arte alemán Wieland Schmied, con obras de los más destacados artistas de la época, que rindieron homenaje al pintor de esta manera.
Adelantando el interés que tendrá la exposición los organizadores decidieron iniciar la venta de entradas desde hoy.
Fuente: EFE

La 'Mona Lisa' era la esposa de un comerciante florentino.

Unas anotaciones en el margen de un libro confirman que la Mona Lisa del cuadro de Leonardo da Vinci era Lisa del Giocondo, la esposa del comerciante florentino Francesco del Giocondo, anunció este martes el director de la universidad alemana de Heidelberg, Veit Probst.
Se trata de unas notas escritas en 1503 por un funcionario de Florencia, Agostino Vespucci, en los márgenes de un incunable conservado en la biblioteca de esa universidad alemana que confirman la identidad de la modelo del cuadro.
Las notas fueron descubiertas por el investigador Armin Schlechter y "confirman definitivamente" la tesis de la identidad de la Mona Lisa que apuntaban a Lisa del Giocondo, afirmó en un comunicado la biblioteca de la universidad alemana.
El italiano Giorgio Vasari (1511-1574) era "hasta entonces la única fuente en dar un nombre" a la modelo, el de Lisa del Giocondo, en un libro aparecido en 1550, mientras que "Leonardo da Vinci no mencionaba a la Mona Lisa" en sus documentos, recordó el comunicado.
El cuadro, pintado por el maestro renacentista italiano entre 1503 y 1506, está expuesto en el museo del Louvre de París y es, probablemente, el más famoso del mundo.
Fuente: AFP

Filadelfia presenta una exposición de Frida Kahlo y Juan Soriano.

El Museo de Arte de Filadelfia (este estadounidense) presentará del 20 de febrero al 18 de mayo una exposición de más de 40 obras de la artista mexicana Frida Kahlo junto a pinturas de su compatriota recién fallecido Juan Soriano, informaron el martes los organizadores.
"Estamos a punto de celebrar en Filadelfia los cien años de Frida Kahlo", se felicitó Anne d'Harnoncourt, directora del Museo de Arte, al presentar a la prensa en Washington la exposición, presentada en Minneapolis (norte) de octubre a noviembre y que irá al museo de Arte Moderno de San Francisco (oeste) a partir de junio.
La exposición, que celebra el nacimiento en 1907 de la artista mexicana, fallecida en 1954, incluye más de 40 de sus obras, entre ellas numerosos autorretratos como 'La columna rota', 'Autorretrato con mono', o el que dedicó a León Trotsky en 1937.
En momentos en que la seguridad en la frontera con México constituye uno los temas polémicos de la campaña para las elecciones presidenciales de noviembre en Estados Unidos, una de las obras de Kahlo que será presentada en Filadelfia toma una importancia significativa.
Se trata de 'Autorretrato en la frontera', una obra que pintó cuando se encontraba en Detroit (norte), durante una estancia desagradable en dicha ciudad industrial en la que se colocó sobre la frontera que separa a los dos países agarrando una bandera mexicana y un cigarrillo.
En dicho autorretrato, Kahlo aparece con un vestido rosado, separando a México con el sol, la luna y una pirámide, de los Estados Unidos grises de la industrialización.
"El arte es lo mejor para hacer conexiones", declaró d'Harnoncourt, al ser consultada sobre las relaciones entres ambos países. Por su parte, el embajador mexicano en Washington, Arturo Sarukhán, dijo que "la cultura es la mejor carta de introducción de nuestro país en el exterior".
Esta exposición incluye algunas obras de Kahlo que nunca habían sido presentadas en Estados Unidos, al recoger pinturas de más de 30 colecciones de Estados Unidos, México, Francia y Japón.
Está acompañada por un centenar de fotos de la colección personal de la artista, entre ellas algunas tomadas por su padre Guillermo Kahlo, que era un fotógrafo profesional, y otras en la que aparece en compañía de su esposo Diego Rivera, Trotsky y amigos como el escritor surrealista francés André Breton.
Los organizadores de la exposición de Filadelfia decidieron añadir otra de Soriano (1920-2006) para tratar de dar a conocer a este artista modernista en Estados Unidos.
"Es excitante presentarlo a un público tan amplio en este país", se felicitó d'Harnoncourt, quien dijo que contaba con que los habitantes de la costa este, desde Washington hasta Boston, pasando por Nueva York, viajen a Filadelfia esta primavera para ver la exposición.
Fuente: AFP

La colección Estorick de arte de las vanguardias italianas celebra diez años.

La colección Estorick, de Londres, especializada en las vanguardias italianas, celebra sus diez años con una exposición que reúne obras de Giacomo Balla, Carrá, Modigliani, Morandi, Russolo, Severini y Sironi, entre otros.
Como explicó el director de la galería Tate, Nicholas Serota, se trata de "una de las colecciones de arte italiano de comienzos del siglo XX más importantes del mundo".
"La colección, dijo Serota al inaugurarse la exposición, debe su origen a la visión y el juicio extraordinarios de Eric Estorick, que supo valorar la importancia del arte cuando apenas se le prestaba atención".
Eric Estorick (1913-1993) fue un sociólogo neoyorquino, hijo de inmigrantes judíos de Rusia, que comenzó a coleccionar obras de arte del futurismo y otros movimientos italianos de vanguardia cuando vino a vivir al Reino Unido tras la Segunda Guerra Mundial.
Durante su luna de miel en Suiza con Salomé Dessau, con la que se había comprometido a bordo del transatlántico Queen Elizabeth, Estorick conoció a un profesor de terapia artística llamado Arturo Bryks, quien le habló del libro "Pittura, Scultura Futuriste" (1914), de Umberto Boccioni.
Aquel libro marcó un punto de inflexión en su vida ya que despertó su pasión por el arte italiano.
Antes de regresar a Inglaterra, los Estorick viajaron con Bryks a Milán, donde visitaron el estudio del artista Mario Sironi, en el que compraron tantos dibujos y cuadros como cabían en su automóvil "Packard Convertible".
El arte de Sironi (1885-1961) tuvo una importancia fundamental en el desarrollo de la colección de Estorick, como ocurrió también con otro artista, Massimo Campigli, a quien conoció también a través de Bryks y del que llegó a poseer en cierto momento más de ochenta obras.
En los años cuarenta y cincuenta del siglo pasado, Estorick llevó a cabo numerosas transacciones artísticas además de organizar una serie de exposiciones en Estados Unidos, Canadá, Gran Bretaña y otros países europeos.
En 1960, Estorick, convertido ya en un marchante a tiempo completo, inauguró en Londres la galería Grosvenor, que prosperó sobre todo gracias a sus contactos americanos.
Estorick asesoró al multimillonario Paul Getty a finales de los cincuenta y logró vender obras a actores o directores de Hollywood como Lauren Bacall, Tony Curtis, Burt Lancaster, Edward G. Robinso o Charles Vidor.
La galería Grosvenor cerró su espacio de cara al público en 1974, pero volvió a abrir en 1993, el año de la muerte de Eric Estorick, con una exposición de obras sobre el papel de Sironi, a la que siguieron otras de artistas tan conocidos como Alexander Calder, André Derain, Henri Matisse, Henry Moore o Marc Chagall.
Aunque en 1961 se subastaron en Milán muchas de las obras italianas de Estorick, éste conservó las obras maestras de la colección, de las que algunas fueron prestadas a la galería Tate.
En 1979, el Gobierno de Roma se interesó por la compra de la colección de arte italiano de Estorick, pero éste rechazó la oferta.
Poco después de la muerte de su esposa, Estorick y sus dos hijos crearon la fundación que lleva su nombre, a la que donaron las obras italianas que seguían en su poder, y que se financió gracias entre otras cosas a la venta de un raro bodegón cubista de Marc Chagall y un paisaje de Murnau de Wassily Kandinsky.
Desde que se inauguró la colección Estorick se han adquirido nuevas obras, entre ellas un retrato de Carlo Fontana por Giacomo Balla, anterior a la militancia de este último en el movimiento futurista.
Fuente: EFE

Gregorio Fernández en una magna y única exposición de 34 esculturas policromadas

Una exposición, magna y única según sus promotores, reúne una selección de 34 piezas de escultura policromada de Gregorio Fernández (1576-1636) pertenecientes a las distintas etapas del imaginero gallego, algunas de ellas exhibidas por primera vez.
La muestra, titulada "La gubia del barroco" e inaugurada hoy en Valladolid, incluye piezas de diverso tamaño, desde conjuntos procesionales hasta tallas cedidas para la ocasión por treinta instituciones, entre ellas, el Museo Nacional de Escultura, la catedral de Valladolid, cofradías, iglesias, colegiatas y monasterios de clausura.
Uno de los dos comisarios de la exposición, Andrés Álvarez, ha detallado, en rueda de prensa, que la muestra recoge "obras de todas las etapas del artista", que se inició "con un manierismo tardío para pasar después a un pleno barroco".
El presidente de la Junta de Cofradías de Semana Santa de Valladolid, José Miguel Román, ha destacado que algunas de las piezas "se pueden ver pocas veces por la clausura de los conventos".
Gregorio Fernández es "uno de los más grandes imagineros de todos los tiempos", ha considerado Román quien ha señalado que la exposición permite realizar un "recorrido intenso" por la iconografía de Gregorio Fernández.
La exposición presenta los rasgos principales de la obra de Gregorio Fernández, caracterizada por el delicado y ajustado tratamiento anatómico de las figuras cinceladas, a cuyos rostros y cuerpos imprimió una gran expresividad en forma de gestos contenidos y postizos en uñas, cabeza, ojos y regueros de sangre con los que acentuaba el drama de la pasión y muerte del redentor.
Dos sedes, localizadas en la secularizada iglesia de La Pasión y en la iglesia penitencial de la Vera Cruz, albergan esta selección de obras entre las que sobresalen los dos pasos o conjuntos conocidos como "La coronación de espinas" y "El descendimiento", que desfilan en las procesiones de la Semana Santa de Valladolid.
Otras de las principales esculturas expuestas del artista gallego, que se instaló en Valladolid con la llegada de la Corte en 1601 y vivió en esta ciudad hasta su muerte, son tres de sus cristos yacentes más emblemáticos y el Ecce Homo (1620) que saca en procesión la Cofradía de la Vera Cruz de Valladolid.
El fondo expositivo se complementa con dos lienzos de Diego Valentín Díaz, uno de los principales colaboradores de Gregorio Fernández en el policromado de las imágenes, y con varios documentos de la época entre los que figura la partida de defunción del célebre imaginero homenajeado, así como su lápida mortuoria.
El carácter didáctico de la muestra tiene en el paso de "La borriquilla", del siglo XVI, elaborado a base de cartón y cola, por considerarse uno de los antecedentes del tallado en madera policromada.
Entre las piezas también se encuentran algunas realizadas por los seguidores de su obra, representados por Andrés Solanes, con el paso de "La Oración del Huerto", y Luis Fernández de la Vega, con la obra "San José con el Niño".
Además, se puede ver material relacionado con la talla en madera como gubias, formones, una lija de piel de tiburón y utensilios para dorar las imágenes, "herramientas de la época que artistas como Gregorio Fernández utilizaban para realizar su obra", ha explicado el comisario de la muestra.
Muchas de las obras que reúne la exposición, financiada por Caja Duero en colaboración con el Ayuntamiento de Valladolid y la Junta de Castilla y León y que se puede ver desde hoy y hasta el próximo 24 de febrero, han sido rehabilitadas y limpiadas para esta ocasión, según ha señalado Román.
La inauguración de esta muestra precede a la celebración de un congreso, entre el 7 y 9 de febrero, sobre el contexto cultural, político y religioso en el que vivió Fernández, uno de los principales imagineros de la época, de origen gallego y que puso taller en Valladolid al hilo de la Corte.
Fuente: EFE

Ekainberri se inaugurará en verano tras siete años de aperturas aplazadas.

Ekainberri, la réplica de la cueva de Ekain, ha sumado varios retrasos en los últimos siete años, pero parece que el próximo verano será la fecha definitiva de su apertura para mostrar al público en el valle guipuzcoano de Sastarrain una de las mejores colecciones de arte rupestre de Europa.
La directora de Patrimonio de la Diputación de Guipúzcoa, Pilar Azurmendi, ha explicado a Efe que la entrega de la totalidad de los "paneles artísticos", los que reproducen las paredes de la gruta con más de 70 pinturas, se ha alargado hasta noviembre de 2007, lo que ha hecho imposible que la réplica pudiera ser inaugurada a finales del pasado año o en enero de 2008, como había previsto el anterior equipo de gobierno foral.
La Fundación Ekain ha convocado ya el concurso para la contratación del servicio de gestión del edificio Ekainberri, situado a menos de medio kilómetro de la cueva original, descubierta en 1969 y cerrada desde entonces para evitar expolios y su deterioro por el turismo masivo.
Pilar Azurmendi ha señalado que la construcción está "casi terminada" y que se están acabando de colocar los paneles interiores de la cueva.
Ha indicado que las más adelantadas son las paredes de la gruta que no llevan pinturas, a falta de algún ajuste, y que está más retrasado pero a buena marcha el trabajo de colocación de las realizadas por la empresa francesa Z.K. Productions, que dirige el escenógrafo Renaud Sanson, autor también de la reproducción de la cueva de Lascaux.
Sanson ha empleado técnicas muy avanzadas para reproducir en siete paneles las paredes de roca de la cueva en la que sus moradores pintaron hace 14.000 años cerca de 70 representaciones, la mayoría de ellas figuras de animales, como caballos, bisontes, cabras (grabados) o ciervos.
Azurmendi ha dicho que Ekainberri, en cuya construcción las instituciones han invertido cerca de 8,5 millones de euros, estará concluida en tres o cuatro meses y la previsión es que pueda abrirse en verano.
Fuente: EFE

Florencia estudia el desplazamiento del David de Miguel Ángel.

Las autoridades de Florencia, en el centro de Italia y conocida por su rico patrimonio artístico, examinan la posibilidad de desplazar la estatua del David de Miguel Ángel, una de los emblemas de la ciudad, a un nuevo museo, anunció este jueves el alcalde.
"Estamos estudiando la idea de desplazar la estatua original del David de Miguel Ángel, que se encuentra actualmente en la Galería de la Academia, en pleno centro, al futuro Parque de la Música, un proyecto en construcción que se concluirá en el 2010", explicó el alcalde, Leonardo Domenici, en el curso de una rueda de prensa.
La idea de desplazar una de las obras maestras del gran artista del Renacimiento generó polémicas en toda Italia.
La estatua de Miguel Ángel, realizada en mármol blanco y de cuatro metros de altura, se expone desde hace 135 años dentro de un museo ubicado a pocos metros de la catedral para evitar que se deteriore.
La obra, que estuvo durante más de tres siglos al aire libre delante de la entrada del Palacio Viejo, donde se encuentra una copia, fue colocada en 1504 por el mismo Miguel Ángel.
"Se trata de una idea para el futuro", comentó el alcade, que presentó a la prensa los proyectos de la administración para descongestionar el centro de la ciudad, que sufre la invasión permanente de turistas.
Tres líneas de tranvía, de las cuales una pasará cerca de la imponente catedral de Santa María del Fiore, entre los lugares más visitados, forman parte del proyecto.
Unos 11 millones de turistas visitan al año Florencia, conocida mundialmente por haber sido el origen, gracias a la familia Medici, del Renacimiento a finales del siglo XIV.
Fuente: AFP

El Morgan rinde homenaje a Irving Penn con una exposición de retratos de artistas.

Los retratos en blanco y negro de más de sesenta artistas y escritores del pasado siglo realizados por el legendario fotógrafo Irving Penn y que reflejan los rostros de Pablo Picasso, Salvador Dalí o Georgia O' Keeffe, se exhiben desde hoy en el Museo y Biblioteca Morgan de la Gran Manzana.
Esta colección de 67 retratos fotográficos, que forma parte de las más recientes adquisiciones de fondos de la prestigiosa institución cultural neoyorquina, se podrán visitar hasta el próximo 13 de abril en una exhibición que se ha titulado "Encuentros cercanos: Los retratos de artistas y escritores de Irving Penn".
Se trata, además, de la primera vez en los más de ochenta años de historia del Morgan en que se presenta una muestra dedicada en exclusiva a la fotografía moderna, con muchas de esas instantáneas realizadas mediante la técnica de desarrollar una imagen a partir de una emulsión de gelatina y sales de plata sobre papel.
Son los rostros de algunas de las mentes más creativas que dieron el arte y las letras del siglo XX, como los pintores españoles Pablo Picasso, Joan Miró y Salvador Dalí, y otros artistas y escritores como T. S. Eliot, Truman Capote, Arthur Miller, Tennessee Williams, Woody Allen, Ingmar Bergman o Janis Joplin.
"Esta muestra presenta los retratos hechos por Penn a lo largo de sus sesenta años de carrera", explicaron fuentes del museo sobre una exposición que empieza en 1944 con una foto del pintor Giorgio de Chirico y termina en 2006 con la de otro, Jasper Johns.
Con esta colección, adquirida en 2007 y que incluye 35 fotos donadas por el mismo artista, el Morgan rinde homenaje a uno de los grandes fotógrafos contemporáneos y a un estadounidense que capturó como pocos la esencia cultural de Nueva York en la época de postguerra, cuando Penn comenzó a trabajar para la prestigiosa revista Vogue, bajo la dirección de Alexander Liberman.
Irving Penn, que vive en Manhattan, nació en Plainfield, en la vecina Nueva Jersey, en 1917 y tomó su primera fotografía en color para la portada de Vogue del 1 de octubre de 1943.
Sus composiciones, según los expertos, contribuyeron de manera definitiva a la imagen de ese medio, además de imponer un estilo de fotografiar en estudio que creó escuela.
"Sus incisivos retratos ilustran un periodo de esta ciudad y de su historia cultural muy rico y definitivo", explicó el director del museo, Charles Pierce, además de subrayar que muchos de esos personajes son "iconos artísticos y literarios de quienes también hay muchos dibujos, manuscritos o libros en los fondos del Morgan".
Para el comisario de "Encuentros cercanos", Peter Barberie, "cada uno de los trabajos expuestos es el reflejo intenso de la relación entre Penn y su retratado", al tiempo que valoró su habilidad para captar a sus personajes de manera diferente a la que ellos mismos se presentaban ante el mundo.
En ese aspecto, añadió, Penn "negoció duro con cada uno de los que se pararon ante su cámara y, casi siempre, les ganó".
Más de una tercera parte de la muestra se concentra en las fotos que Penn tomó en la década de los cuarenta, en plena evolución de su estilo.
En 1947 empezó a fotografiar sentados y en espacios minimalistas a artistas como Dalí, una personalidad habituada a tener el control de su imagen.
"Dalí siempre dominaba a los fotógrafos que trabajaban con él. Y aquí es él el dominado. Sentado, con un traje precioso, en un espacio vacío, con fragmentos ajados de alfombra detrás, y todo lo que Dalí pudo hacer fue sentarse y mirar al fotógrafo", dijo a Efe el comisario de la exposición.
Un año después, Penn construyó en su estudio un pequeño espacio de paredes móviles que utilizaba para dar un ambiente más intimista a sus retratos en blanco y negro, y allí captó la personalidad de Truman Capote, Marcel Duchamp o Georgia O'Keeffe.
Sus retratos de una década después muestran una evolución en su estilo, acercándose más al personaje para acentuar su personalidad, y a menudo fotografió en un plano corto, en el que todo el espacio se llena con un rostro.
Precisamente, uno de esos famosos retratos es la instantánea que Penn tomó de Picasso en 1957 en Cannes (Francia), en la que se ve su rostro ladeado entre sombras, con sombrero y embozado en su abrigo, centrando la intensa mirada de uno de los ojos del artista.
Barberie explicó que ese retrato abre la exposición "por varias razones (...) Picasso está considerado por una inmensa mayoría como el artista más importante del siglo XX, y su retrato por Irving Penn es de unas dimensiones espectaculares".
"Fue uno de los más difíciles a los que se enfrentó Penn: Se le puede ver casi escondido detrás de una de sus famosas chaquetas y llevando uno de esos sombreros que tanto le gustaban. Dudo que Picasso facilitara el trabajo a Penn en esa sesión. Creo que fue casi una lucha entre los dos talentos, y no sé quién ganó", agregó.
Fuente: EFE