Subastarán una obra de Francis Bacon para que le esperan un récord.

Una obra del pintor irlandés Francis Bacon será subastada en mayo en Nueva York, donde podría alcanzar la suma récord de 70 millones de dólares, anunció el lunes la casa de subastas Sotheby's.

'Tríptico, 1976', descrita por Sotheby's como una "obra maestra del siglo XX" rica en simbolismo sobre la mitología griega, será vendida el 14 de mayo.
"Es indudablemente el Bacon más importante que esté en manos privadas. Ha estado en la misma colección desde que fue comprado" hace 30 años, dijo Tobias Meyer, responsable de arte contemporáneo de Sotheby's, en un comunicado.
El tríptico fue la pieza central de una exposición de Bacon en la Galería Claude Bernard de París en 1977, considerada la presentación más importante de nuevas obras en la década de 1970. Su actual propietario la compró en esa época.
Los tres paneles reflejan la lúcida imaginación de Bacon, que se apoya en una representación alegórica del mito de Prometeo, encadenado en el Monte Cáucaso para que cada día un ágila le devorara el hígado.
Los especialistas afirman que este trabajo es un símbolo de los demonios interiores del artista.
El actual récord por una tela de Bacon fue logrado el año pasado en Nueva York con la venta por 52,7 millones de dólares de su 'Study from Innocent X', pintado en 1962.
Francis Bacon nació en Dublín en 1909 y falleció en 1992 en Madrid.

Fuente: AFP

Subastan en Londres un Watteau desaparecido durante dos siglos.

Una escena galante al óleo del pintor rococó francés Jean-Antoine Watteau (1684-1721) que se consideraba desaparecida desde hacía casi dos siglos será subastada por Christie's en Londres.

El paradero de "La Surprise" (La Sorpresa) constituía un auténtico misterio, y sólo se sabía de su existencia por una copia que se conserva en la colección real del Buckingham Palace londinense.
Christie's confía en que, cuando salga a subasta el próximo 8 de julio, se paguen por él de 3 a 5 millones de libras (aproximadamente de 6 a 10 millones de dólares), lo que constituiría un récord para ese artista.
Watteau, pintor al que se atribuye la invención del género conocido como "fiestas galantes", pintó "La Surprise" en 1718.
El cuadro, que muestra a una pareja fundida en un abrazo apasionado mientras a su lado un músico toca un instrumento de cuerda, fue identificado como de Watteau por un experto de Christie's durante una valoración rutinaria en una residencia campestre.
El propietario, que quiere permanecer en el anonimato, no tenía idea de la importancia del cuadro cuando solicitó el peritaje de otra obra que él creía del maestro holandés Gerrit Dou y que resultó ser sólo de su escuela.
Durante la inspección, sin embargo, los expertos de Christie's vieron una pintura a la que el dueño no daba prácticamente importancia, pero que les llamó inmediatamente la atención y resultó ser la desaparecida obra de Watteau.
"La Surprise" perteneció a un consejero del rey de Francia y amigo íntimo del artista llamado Nicolas Henin, y es posible que se pintase expresamente para él junto a "L'Accord parfait", que se conserva actualmente en el Los Ángeles Museum of Art.
El conocido coleccionista francés Pierre-Jean Mariette escribió en 1746 de esa obra que era "uno de los cuadros más hermosos" de Watteau.
A la muerte de Watteau, "La Surprise" y "L'Accord parfait" pasaron a ser propiedad del biógrafo del artista Jean de Julienne, y el primero de ellos reaparecería algún tiempo después en la célebre colección de Ange-Laurent de la Live de Jully.
Durante la Revolución francesa se perdió, sin embargo, su rastro hasta que a mediados del mediados del siglo XIX "La Surprise" reapareció en un peritaje de 1848 encargado por lady Murray, que lo legó a la familia de su actual propietario.

Fuente: EFE

Imágenes de varios genios de la fotografía del siglo XX a subasta en Nueva York.

La casa Christie's programó cinco subastas de fotografía para el próximo mes en Nueva York, en las que se venderán obras de artistas como Diane Arbus, Irving Penn, Henri Cartier-Bresson, Robert Mapplethorpe, Dorothea Lange o el mexicano Manuel Álvarez Bravo.

La venta de todos los lotes, que constituyen "un valioso recorrido por la fotografía del siglo XX" y con los que Christie's espera recaudar entre 9,5 y 14,8 millones de dólares, se realizará el 10 y 11 de abril, dijo hoy a Efe la portavoz de la casa de subastas, Milena Sales.
De la colección de Bruce y Nancy Berman saldrá un lote de 51 imágenes de la fotógrafa norteamericana Diane Arbus, entre las que destaca "Boy with a straw hat waiting to march in pro-war parade", que data de 1967 y se le calcula un precio de 25.000 a 35.000 dólares, así como "Girl in a watch cap" (1965), que se podría vender por entre 20.000 y 30.000 dólares.
Otra de las subastas estará dedicada a una serie de maestros de la fotografía desde comienzos del siglo XX hasta el presente, formado "por un refinado grupo de obras" de algunos de los más destacados artistas, señala Christie's.
Destacan dos "obras maestras" de Irving Penn que demuestran "la amplitud y alcance de su producción artística desde los lados opuestos de su espectro de trabajo".
Por un lado, "la icónica cubierta de Vogue en blanco y negro", con un precio previsto de entre 200.000 y 300.000 dólares, y por otro una imagen de "Niños en Cuzco", de 250.000 a 350.000.
Una de las representativas calas de Mapplethorpe se venderá en torno a los 100.000 dólares y "Hyeres", una delicada imagen con un ciclista y una escalera del gran Cartier-Bresson, por unos 90.000.
No menos importante es el "Retrato de lo eterno", una preciosa imagen que juega con los fuertes contrastes de luz y el claroscuro, de Manuel Álvarez Bravo, que se espera se venda por entre 60.000 y 80.000 dólares.
La colección del alemán Gert Elfering también ofrecerá importantes imágenes con 140 lotes que podrían recaudar entre 2 y 3 millones de dólares.
Una fotografía en blanco y negro de Carla Bruni desnuda, del suizo Michel Comte y con un precio de entre 3.000 y 4.000 dólares (de 1.900 a 2.500 euros), forma parte de esos lotes, en los que también hay retratos de Kate Moss, Gisele y Christy Turlington cargados igualmente de erotismo y sensualidad.
También resalta en esta colección un retrato de Brigitte Bardot que se podría vender por entre 80.000 y 120.000 dólares.
Otra interesante venta es la de las fotografías naturalistas de Ansel Adams, con 122 imágenes que incluyen algunas de las obras más importantes de la carrera de este fotógrafo con un precio global de 3 a 5 millones de dólares.
Destacan algunas copias en tamaño mural, como "Clearing Winter Storm", realizada en Yosemite y que se podría vender por entre 250.000 y 350.000 dólares o una pictórica imagen titulada "Frozen Lake and Cliffs", por la que habrá que pagar entre 90.000 y 120.000 dólares.
Entre las fotografías que Christie's subastará en esos dos días también habrá retratos de conocidos artistas y compositores, como Miles Davis, Pablo Picasso o Igor Stravinsky.
Un valioso catálogo de libros de fotografía formará igualmente parte de esta "Semana de la Fotografía".

Fuente: EFE

Una exposición inédita con 160 obras del español Pablo Palazuelo es inaugurada en Brasil.

Una inédita exposición con 160 obras del pintor y escultor español Pablo Palazuelo fue inaugurada hoy en la Pinacoteca de la ciudad brasileña de Sao Paulo bajo el título "Palazuelo-Proceso de trabajo".

La muestra que abrirá sus puertas al público este miércoles y se extenderá hasta el 25 de mayo en el histórico edifico de la capital paulista está a cargo de la Sociedad Estatal para la Acción Cultural Exterior (Seacex) con el respaldo del Gobierno español y el Centro Cultural de España en Brasil.
Considerado como una de las figuras claves del arte español de la segunda mitad del siglo XX, Palazuelo (1915-2007) ganó en 2004 el premio "Velázquez", el más importante otorgado por el país ibérico en las artes plásticas.
La exposición reúne 160 acuarelas y pinturas que recorren la trayectoria del artista, caracterizado por su naturaleza abstracto-geométrica, con destaque para los dibujos que muestran el proceso de trabajo artístico.
Bajo la curaduría de Manuel Borja-Villel, director del Museo Nacional Centro de Arte "Reina Sofía" de Madrid, y de Teresa Grandas, la muestra presenta por primera vez en Brasil la primera retrospectiva de la obra del artista, fallecido el año pasado en la capital española.
La colección ya pasó, en 2006, por el Museo d'Art Contemporani de Barcelona (Macba) y el año anterior visitó el Museo Guggenheim de Bilbao.
Este año, la muestra se realizó en el Museo de Arte Moderno de Bogotá, en Colombia.
Palazuelo era graduado en arquitectura del Royal Institute of British Architects de Oxford, en Inglaterra, y fue inspirado por el nexo del pensamiento esotérico del artista suizo Paul Klee, pero sin dejar de lado la racionalidad matemática.

Fuente: EFE

Exposición de Lucas Cranach, propagandista de Lutero y pintor de sinuosos desnudos femeninos.

Lucas Cranach el Viejo (1472-1553), contemporáneo de Durero, propagandista de Martín Lutero y pintor al mismo tiempo de sinuosos desnudos de heroínas bíblicas o mitológicas, es objeto de una gran exposición que comienza este sábado en la Royal Academy of Arts londinense.

Semanas antes de su inauguración, la exposición armó un cierto revuelo cuando el Metro londinense decidió no admitir como cartel anunciador en sus túneles uno de sus desnudos femeninos más famosos, que muestra a una Venus de felina sonrisa cubierta sólo con una gasa tan transparente como provocativa.
Cranach fue un artista de enorme éxito material. Ocupó durante varios años el cargo de burgomaestre de Wittenberg, ciudad íntimamente vinculada a la reforma del fraile agustino -en su castillo clavó Lutero sus 95 tesis contra el negocio de las indulgencias- y corte de Federico III el Sabio, príncipe elector de Sajonia.
Sus pinturas e imágenes tuvieron una enorme demanda entre los ricos coleccionistas alemanes y su estudio, convertido casi en factoría, produjo numerosas réplicas, entre ellas de sus fascinantes desnudos femeninos.
Destacan éstos por un elegante y entre ingenuo y taimado erotismo que aún hoy, época de saturación sexual, sigue sorprendiendo por la forma, entre disimulada y coqueta con que esas heroínas bíblicas miran muchas veces al espectador.
Pintor enormemente versátil, Cranach pintó en su etapa de Viena, ciudad donde comienza a saberse algo de su vida, excelentes retratos de humanistas y otros personajes relacionados con su nueva universidad.
De esa época son también obras devocionales como "La Crucifixión", en las que destaca su maestría como paisajista, o su espectacular "Martirio de Santa Catalina" (hacia 1505), obra que presagia su actividad en Wittenberg como pintor de cámara de Federico el Sabio.
Gran cultivador del retrato, Lucas Cranach pintó varios de su amigo Martín Lutero, de los que se hicieron también numerosas reproducciones que se difundieron rápidamente por toda Europa, contribuyendo a la difusión de la Reforma protestante.
Sus grabados para la primera edición del Nuevo Testamento, traducida por el propio Lutero en 1522 y considerada una obra fundamental desde el punto de vista no sólo religioso sino del alemán moderno, alcanzaron también enorme popularidad.
Su amistad con aquel monje excomulgado por el Papa León X y su colaboración con el también teólogo reformista Felipe Melanchton no impidió a Cranach, sin embargo, atender los pedidos del rival de ambos, el arzobispo de Maguncia y cardenal Alberto de Hohenzollern.
Cranach retrató al famoso cardenal, aunque no del natural sino copiándolo del famoso grabado de Alberto Durero, y representándolo como San Jerónimo en su estudio, rodeado de animales.
También se deben a sus pinceles piezas de retablo para la catedral de Maguncia y diversas tablas devocionales para su arzobispo así como para otros mecenas católicos.
Cranach, llamado así por la ciudad alemana donde nació (Kronach), supo satisfacer en todo momento los deseos de sus patronos, y así pintó también lo mismo escenas bíblicas o de martirios de santos que espectaculares partidas de caza, a la que tan aficionados eran sus benefactores.
También dibujó con su taller centros de mesa para banquetes, escudos heráldicos y todo tipo de enseñas, e hizo también los grabados del lujoso catálogo de la colección de reliquias del príncipe elector Federico.
Su holgada posición de pintor de cámara de Federico terminó con la derrota que infligió a éste Carlos I de España y V de Alemania en 1547, año en que Cranach se trasladó primero a Augsburgo y luego a Weimar, donde moriría a la edad de 81 años.
La exposición de la Royal Academy, organizada conjuntamente con el museo Städel, de Fráncfort, y que estará abierta hasta el 8 de junio, permite al visitante hacerse una idea muy completa de la extraordinaria maestría y versatilidad de un pintor cuya influencia llega hasta Picasso, Modigliani y, actualmente, el estadounidense John Currin.

Fuente: EFE

Una exposición recrea en Valencia la actividad creativa del visionario Joseph Beuys.

La actividad creativa del visionario artista alemán Josep Beuys, uno de los más influyentes del siglo XX, pero también el más controvertido de la posguerra, se puede recorrer en una exposición en el Instituto Valenciano de Arte Moderno (IVAM) que reúne una serie de piezas seriadas, conocidas como múltiples.

La muestra "Los múltiples", que desde hoy jueves hasta el 25 de mayo permanecerá abierta en este museo, agrupa un total de 115 obras de Beuys en las que se incluyen objetos y materiales de toda índole, como fotografías, grabados y obras impresas en distintos soportes y técnicas.
Al mismo tiempo, el visitante puede contemplar grabaciones sonoras y películas, en las que se puede desvelar sus inquietudes y las bases filosóficas de su pensamiento artístico, social y político.
La exposición, organizada por el Kunstmuseum de Bonn en colaboración con el IVAM, es la más importante de las múltiples que se ha celebrado en España de este artista alemán, según han explicado hoy en rueda de prensa los comisarios Pilar Ribal y Christoph Schreier.
En su intervención Christoph Schreier ha destacado la "compleja y difícil" personalidad de Beuys y su carácter de artista "revolucionario y subversivo", que recreó un arte involucrado con los problemas de la sociedad.
Ha dicho que Beuys fue el creador más representativo de los años cincuenta del arte alemán, el que más radicalizó sus propuestas creativas en diversos ámbitos de la creación plástica.
Por su parte, Pilar Ribal, ha señalado que Beuys asumió su papel de reformador social y su compromiso con lo social, lo que le llevó a militar en partidos políticos, como los verdes y destacar como promotor de la "democracia directa".
La directora del museo, Consuelo Ciscar, ha dicho que Beuys fue uno de los artistas alemanes más reconocidos, pero también uno de los más controvertidos, "que indudablemente ha servido de referente para las generaciones posteriores".
"Su independencia, su investigación interdisciplinar y sus reflexiones le llevaron a terrenos desconocidos que impactaron en la sociedad occidental y sirvieron de revulsivo para que el arte sintiera que podía caminar más allá de lo que las primeras vanguardias habían imaginado", ha señalado Ciscar.
La muestra "Joseph Beuys. Múltiples" abarca cinco ámbitos temáticos distintos, y agrupa distintas piezas seleccionadas entre los cerca de 555 que figuran en el museo Kunstmuseum de Bonn.
En el primer apartado el visitante puede contemplar piezas representativas de su mitología personal, como el traje de fieltro o el trineo que tuvieron una implicación fundamental en su salvamento al ser derribado su avión en la II Guerra Mundial.
El segundo se centra en una idea vital en el proyecto de Beuys como es la transformación de la energía como analogía de la capacidad de cambio y sanación de la sociedad, utilizando para ellos materiales cálidos como la grasa, la miel, la cera, el aceite o los metales.
Las obras que abarcan el tercer ámbito temático documentan acciones que Beuys realizó en el medio natural y que estaban directamente relacionadas con al emergencia de una conciencia ecológica y con su visión espiritual de la naturaleza.
El cuarto apartado se centra en la figura de Beuys como reformador social, siempre opuesto a las fuerzas políticas por medio de actividades intelectuales como escribir, enseñar o disertar.
En el quinto ámbito centrado en sus películas, Beuys actúa como actor o performer, y supone un valioso testimonio de su trabajo, de su vida y su obra.
La exposición se complementará con un ciclo de conferencias en torno a la obra y personalidad del artista alemán, el próximo mes de abril.

Fuente: EFE

Dos obras maestras de Goya, curadas de sus 'heridas de guerra'.

Tres restauradores del Museo del Prado trabajan sin cesar para curar las 'heridas de guerra' de dos de los más célebres cuadros del pintor Francisco de Goya, 'La carga de los mamelucos' del 2 de mayo y 'Los fusilamientos del 3 de mayo', dañados durante la Guerra Civil española.

Se trata de la primera restauración de estas dos obras de Goya que ilustran el levantamiento popular de los madrileños contra las tropas francesas lideradas por Napoléon.
Los dos cuadros habían sido sometidos a reparaciones puntuales en estos años, pero "por primera vez" se les ha practicado un proceso completo de restauración, explicó a la AFP Manuela Mena, responsable de conservación de los cuadros del siglo XVIII de Goya.
Las dos obras estaban hasta ahora expuestas en la pinacoteca madrileña con sus 'heridas de guerra' a la vista.
Estos dos cuadros fueron restaurados con miras a la exposición 'Goya y los años de la guerra' que el Museo del Prado acogerá del 14 de abril al 13 de julio próximos, coincidiendo con las celebraciones por el bicentenario de la Guerra de la Independencia de España (1808-1814).
Cada año, dos millones de visitantes contemplan en el Prado estos dos cuadros célebres, pero pocos conocen la historia agitada de estas dos obras.
Estos cuadros resultaron dañados durante la Guerra Civil. A raíz de los bombardeos de la aviación alemana e italiana -aliada de las tropas franquistas- sobre el Museo del Prado, el gobierno de la Segunda República se vio obligado, en marzo de 1937, a trasladarlos a Valencia para protegerlos.
Durante el trayecto entre la capital y Valencia, una balconada se derrumbó sobre el camión que los transportaba, dañando los cuadros, indicó Mena.
La pintura más afectada fue la del '2 de mayo', que perdió pedazos de cabezas y de la arquitectura, explicó Mena. El cuadro del '3 de mayo', fue "sin duda el mejor colocado en el interior del camión" y "solamente" se fisuró.
"La decisión de la restauración remonta al año 2000 cuando se organizó un simposio internacional con especialistas de Goya", explicó Mena.
"Estabamos divididos entre los que no querían borrar esta huella del pasado y los que querían devolver a los cuadros la esencia que les quiso dar Goya", destacó.
Según Mena, estas cicatrices de guerra "destrozaban" la esencia de los dos cuadros, en particular el '2 de mayo'. "Sin los trozos que faltaban, no se entendía el movimiento hacia la derecha de los personajes que quiso darle Goya", añadió.
Tres restauradores están trabajando desde la primavera pasada para que la versión restaurada de las dos obras maestras esté lista en abril.
Trabajan a partir de fotografías de los cuadros tomadas antes de que fueran dañados, con el apoyo de un equipo técnico que ha hecho las investigaciones necesarias para que se acercaran lo más posible a la obra original de Goya, de cuya muerte, acaecida en Burdeos (suroeste de Francia), se cumplirán casi dos siglos el próximo 15 de abril.

Fuente: AFP

Una muestra recoge la evolución del arte alavés de finales del siglo XX.

La Sala Fundación Caja Vital acoge la muestra "Dispositivos-Disposiciones", que recopila obras de distintas disciplinas artísticas producidas en Álava durante las dos últimas décadas del siglo XX, con el objetivo de provocar un análisis de una época caracterizada por los cambios políticos.

La exposición, que permanecerá abierta hasta el 17 de abril, está enmarcada dentro del proyecto de arte contemporáneo "Co(n)parada", promovido por la entidad.
A través de pinturas, esculturas, fotografías e instalaciones, pretende aproximar al público los antagonismos sociales reflejados en las corrientes artísticas más influyentes en el territorio en los ochenta y los noventa.
El objetivo de la muestra es provocar el debate en torno a la cultura de esa época, en la que el arte no escapó a la influencia de los cambios políticos y socio-económicos.
Así, la exposición recopila obras de Juncal Ballestín, Daniel Castillejo, Iñaki Cerrajería, Jorge Girbau, Fernando Illana o Prudencio Irazábal.
El director del proyecto "Co(n)parada", Fernando Illana, ha explicado en la presentación de la muestra que el punto de partida de las obras son los sucesos del 3 de marzo de 1976, en los que cinco obreros murieron al irrumpir los cuerpos de seguridad en una asamblea de trabajadores.
Según ha indicado, durante las décadas de las que provienen estas obras comenzó "una nueva manera de entender el arte y su relación con la sociedad".
También dentro de marco de "Co(n)parada", se realizarán otras dos actividades paralelas. Por un lado, el 28 de marzo, el artista vitoriano Juan Luis Moraza ofrecerá una conferencia titulada "Descomposición".
Junto con ésta, el zaragozano Fernando Sinaga impartirá un taller dirigido a creadores en activo y a alumnos de Arquitectura, Filosofía, Bellas Artes o Historia del Arte.
Con el título "Neocórtext. La visión alterada", este escultor tratará de transmitir un nuevo concepto de percepción basado en parámetros visuales y en los pensamientos inconscientes e imágenes mentales surgidas de manera involuntaria y que interfieren en la creación artística.
El taller se celebrará entre el 14 y el 18 de abril en la Sala Fundación Caja Vital.

Fuente: EFE

Los trazos vivos y abstractos del "Color Field" se instalan en el Smithsonian.

Los trazos abstractos de las grandes figuras del movimiento estadounidense "Color Field" teñirán desde mañana las paredes del museo Smithsonian, en una muestra de vivos colores que, ajenos a las normas cromáticas, se mezclan entre sí.

A lo largo de 39 gigantescas obras, la exposición instalada en Washington DC recorre el significado e impacto de este movimiento abstracto, que nació en Estados Unidos a principios de los años cincuenta.
Bajo el nombre de "Color as Field: American Painting, 1950-1975", la muestra se podrá ver desde el viernes 29 de febrero al próximo 26 de mayo en el museo Smithsonian de Arte Americano.
Aparecido en los años posteriores al final de la II Guerra Mundial, el movimiento se caracteriza por la creación de una amplia gama cromática en titánicos lienzos crudos mediante cremas, manchas, pulverizaciones, y rebajamiento de las pinturas.
La comisaria de la muestra en Washington D.C., Joanna Marsh, destaca que "esta exposición presenta algunas de las pinturas más exquisitas del 'Color Field', algunas de las cuales pertenecen a colecciones privadas y pocas veces se han exhibido en ocasiones anteriores".
Además, "es una maravillosa oportunidad para ser testigo de la conversación que tuvo lugar en las décadas de los años cincuenta y sesenta entre las celebridades del movimiento, como Frankenthaler, Louis, Noland y Olitski", remarca Marsh.
Estructurada en tres secciones, "Color as Field: American Painting, 1950-1975" repasa los orígenes de este movimiento estadounidense, sus pioneros y los últimos artistas que ampliaron los límites de la pintura.
La exposición arranca de la mano de los expresionistas abstractos Mark Rothko y Barnett Newman, entre otros, conocidos por su predilección por la extensión de los colores puros.
Entre el legado de la primera etapa de la corriente destacan las pinturas al óleo "Number 18" (1951) de Rothko, "Horizon Light" (1949) de Newman o "Yellow Hymn" (1954) de Hans Hofmann.
El siguiente eslabón de la muestra se centra en los primeros artistas asociados propiamente con el movimiento -Frankenthaler, Louis, Noland y Olitski-.
De entre sus obras, la exposición presenta "Flood" (1967) de Frankenthaler, "Loam" (1958) de Louis, "Eathern Bound" (1960) de Noland o "Cleopatra Flesh" (1962) y "Julius and Friends" (1967) de Olitski.
La selección artística concluye con las últimas pinturas datadas entre mediados de 1960 y principios de 1970 de Jack Bush, Gene Davis, Friedel Dzubas, Sam Gilliam, Larry Poons y Frank Stella.
"Red Pink Cross" (1973) de Bush, "Green Web" (1967) de Gilliam, "Yellow and Brown Womb" (1972) de Poons o "Flin Flon IV" (1969) de Stella, representan las últimas tendencias de esta corriente estadounidense.
Tras su inauguración en Denver el paso otoño, "Color as Field: American Painting, 1950-1975" concluirá su recorrido en el Centro de Artes Visuales de Nashville (Tennessee), dónde se podrá visitar entre el próximo 20 de junio y el 21 de septiembre.
Paralelamente a la exposición, la Federación Americana de las Artes -organizadora de la exposición- ha editado un catálogo que recoge en 127 páginas un amplio detalle de esta corriente artística.
Dividido en ocho apartados, la publicación aborda tanto la trayectoria de los artistas más notorios del movimiento como la evolución de las obras dentro de la misma corriente y sus influencias artísticas.

Fuente: EFE

La Biblioteca Nacional expone desde hoy los grabados de Goya sobre la guerra.

La Biblioteca Nacional alberga desde hoy, y hasta el próximo 25 de mayo, la exposición "Miradas sobre la Guerra de la Independencia", una muestra que incluye dibujos y grabados con los que Francisco de Goya expresó los horrores de este conflicto.

"Miradas sobre la guerra" muestra el horror de la violencia y el sufrimiento de la población durante la Guerra de la Independencia, así como las distintas interpretaciones que en su época se hicieron del conflicto.
El catedrático de Historia del Arte de la Universidad Complutense Valeriano Bozal ha sido el encargado de seleccionar los más de 150 dibujos, grabados, estampas, documentos, libelos y mapas que componen esta exposición, para la que ha contado, principalmente, con fondos de la Biblioteca Nacional, aunque también ha habido aportaciones de otros museos como el Prado, el British de Londres, el de Edimburgo o la Biblioteca Nacional francesa.
La exposición dedica su primera sala a los protagonistas de la guerra, con retratos de Fernando VII, Napoleón, José Bonaparte y Godoy, para después abordar los antecedentes de la guerra, con imágenes de la caída de Godoy y la proclamación de Fernando VII, antes de centrarse en los hechos de la contienda.
"Los desastres de la guerra" -la serie de grabados que realizó Goya- ocupan la parte central de la muestra, que no se detiene en 1814, con el final de la guerra, sino que avanza hasta el final del trienio liberal, en 1823, para analizar las consecuencias políticas del conflicto, una sección que recoge diversas páginas de la Constitución de Cádiz de 1812 y dibujos satíricos.
La exposición termina su recorrido con el regreso de Fernando VII y la vuelta al absolutismo, y exhibe el decreto del rey por el que anula la Constitución de Cádiz.

Fuente: EFE

Venden un luminoso retrato infantil pintado por Van Gogh poco antes del suicidio.

Un luminoso retrato infantil pintado por Vincent Van Gogh (1853-1890), y cuyo radiante optimismo contrasta poderosamente con la inminente tragedia de su suicidio, se pondrá a la venta el próximo mes en la feria de arte de Maastricht (Holanda).

La obra, titulada "L' Enfant à l'orange", fue adquirida en 1916 a la familia del matrimonio suizo Arthur y Hedy Hahnloser, fundadores de la colección de arte "Villa Flora", de Winterthur (Suiza), y desde entonces ha pertenecido a la misma familia.
Ahora se ofrece por un precio que supera los 30 millones de dólares, según dijo a EFE una portavoz del marchante británico Dickinson, encargado de su venta.
La rubia criatura de aspecto angélico y radiante sonrisa es Raoul Levert, hijo de un carpintero local, que tenía entonces sólo dos años y al que Van Gogh pintó en el albergue Ravoux, de Auvers-sur-Oise, localidad próxima a la capital francesa.
La identidad del retratado fue confirmada por Adeline Ravoux, hija del dueño del albergue, que aparece junto al pequeño Raoul a la puerta de aquella residencia en una fotografía tomada en 1890.
Se cree que el carpintero, llamado Vincent Levert, hizo algunos de los marcos utilizados por el pintor para sus lienzos e incluso es posible que hiciera el del cuadro que representa a su hijo.
"L' Enfant à l'orange" es uno de varios retratos luminosos de niños que pintó Van Gogh en Auvers en los últimos meses de su vida.
La luminosa energía con que está pintado traduce una alegría de vivir que no parece en absoluto presagiar lo que iba a ocurrir poco después.
Aparentemente feliz de estar de nuevo en el norte de Francia, Van Gogh pintó febrilmente más de ochenta cuadros en poco más de dos meses, es decir a un ritmo superior a los dos cuadros al día.
"Las pinceladas me vienen como en un mecanismo de relojería, así que confiando en ello, me atrevo a pensar que encontraré el equilibrio en el norte", escribió Vincent a su hermano Theo.
Poco antes de iniciar ese último viaje de su vida, Van Gogh había anunciado su intención de volver a pintar campesinos y paisajes.
El artista dejó St. Rémy, donde había estado un año recluido en un hospital para enfermos mentales, y pasó algunos días en París junto a su hermano, su cuñada y el hijo pequeño de ambos.
Éste, llamado Vincent como el pintor, del que era además ahijado, se convirtió inmediatamente en una fuente de alegría e inspiración para el artista, que en Auvers comenzó a pintar retratos de niños de aspecto feliz y mejillas sonrosadas.
En Auvers, Van Gogh iba a estar al cuidado de Paul Gachet, un doctor especializado en homeopatía y coleccionista de arte que le había recomendado a Theo el pintor Camille Pissarro y a quien aquél inmortalizó en un famoso retrato.
Las cartas que escribió Van Gogh desde Auvers reflejan su inmensa alegría de poder disfrutar finalmente de libertad tras su aislamiento en Saint-Remy.
Nada más llegar allí, Van Gogh se puso a trabajar: "Hace un tiempo estupendo. Y me siento tan bien. Me acuesto a las nueve aunque suelo levantarme a las cinco (...) Y espero que dure esta sensación que tengo de dominar mucho más los pinceles que cuando fui a Arles", escribió a Theo.
El 5 de junio de aquel año, Vincent envió a su hermana Wilhelmina una carta en la que habla de su pasión por el "retrato, el retrato moderno":"Me gustaría pintar retratos que después de un siglo fueran como apariciones para la gente que viviera entonces".
Los niños rechonchos y las mujeres de aspecto saludable que pintó Van Gogh en sus últimos meses en Auvers se han interpretado como un intento gráfico de convencer a su hermano y a su cuñada de que debían llevarse al campo al pequeño Vincent en lugar de seguir viviendo todos ellos en el aire contaminado de París.
Tras el suicidio del artista con un arma de fuego, "L'Enfant à L'Orange" junto a otros cuadros suyos hoy famosos como "La Iglesia de Auvers" o "Lirios", además de su paleta y sus pinceles, se colocaron en el cuarto del albergue Ravoux donde se veló su cadáver.

Fuente: EFE

Cien años de la pincelada metafísica de Balthus.

El pintor Balthus habría sido centenario, hoy, 29 de febrero, ese día que aparece y desaparece cada cuatro años del calendario y que, como sugirió su fiel amigo el poeta Rainer Maria Rilke, le incitó a pensar que en el "crac" que se produce entre la noche del 28 de febrero y el 1 de marzo se hallaba su inspiración, su nacimiento.

La pincelada de Balthus estampó finas veladuras de pigmentos a la usanza de Delacroix sobre las telas de los lienzos, tratadas con "gesso" -como los maestros italianos Piero della Francesca y Masaccio de los que bebió, copió e imitó-, para llegar a la belleza, a la esencia del alma, al interior, al silencio de lo que perdura y de lo que es esencia en el ser humano.
Balthus -cuyo nombre era Baltasar Klossowski de Rola (1908-2001)- fue autodidacta, pero, como él indica en sus "Memorias", desde su más tierna infancia nació y creció en una familia linajuda de origen polaco con un ambiente totalmente favorable para desarrollar su talento artístico.
Su padre, Erich Klossowski, era un historiador y crítico de arte, y su madre, Elizabeth Dorotea Spiro, era pintora y tras su separación, en 1919, se hizo amante del poeta alemán Rainer Maria Rilke, quien propuso al joven Balthus, de 12 años, la edición de su libro "Mitsou. Historia de un gato", en la que con unos trazos sencillos de tinta negra se trata el tema de la pérdida de un gato que había encontrado un niño.
Esta primeriza influencia de una novela china le hizo al autor de "Las Elegías de Duino" creer que el pequeño Balthus albergaba una sensibilidad refinada, propia de unos pocos elegidos, y entabló una amistad irrompible con él, manteniendo una correspondencia que está recopilada bajo el título "Cartas a un joven pintor".
Así, el conde Balthus, a pesar del surgimiento de los movimientos de vanguardia, cultivó en pleno siglo XX su estilo, rezó ante sus cuadros, acarició sus telas y trabajó teniendo en cuenta las enseñanzas de los pintores renacentistas.
"La mayoría de los que se dedican al llamado arte contemporáneo son unos imbéciles", afirmaba el artista, que admiró a los españoles Picasso, Miró y Tapiès y mantuvo amistad con relevantes personalidades como el escultor y pintor suizo Alberto Giacometti, el fotógrafo francés Henri Cartier-Bresson, los escritores Andrè Gide y Antonin Artaud y el cineasta italiano Federico Fellini.
Su máxima era "pintar como se reza", y así era: antes de comenzar una nueva obra, Balthus rezaba y contemplaba la disposición de los colores, la lectura a través de la composición y sus diagonales, meditaba observándola, incluso cuando en el ocaso de sus días -cuando apenas veía y no podía leer- sus pupilas captaban la luz para pintar "bajo el signo de lo espiritual".
Esta necesidad de la pintura como verdad y forma de "acceder al misterio de Dios" en sus retratos y en sus pinturas de niñas en poses inocentes, desnudas o sensuales, generó controversia en una parte de la sociedad, lo que le llevó a recibir calificativos de su obra de toda clase, desde erótica hasta pederasta.
Su punto de vista convergía con el del escritor Lewis Carroll con su "Alicia en el País de las Maravillas", a la hora de "plasmar el encanto de la infancia", ya que como decía Balthus se interesaba en la "lenta transformación del estado de ángel al estado de niña", no en el aspecto más material, superficial y erótico, sino en el paso etéreo del ser, de su transformación.
Tal vez, hoy, en pleno siglo XXI, en el que en cierta medida hay una contradicción entre la enseñanza académica y el mercado del arte, cabe recordar al artista contemporáneo una frase de Balthus: "Desde pequeño me enseñaron a admirar el pasado y respetarlo como un medio para avanzar uno mismo".
Este artista -que fue maestro de la composición y que su pincelada fue tan refinada que la piel de las niñas se deja sentir en el silencio de los espacios retratados en los lienzos, que capturan el tiempo- es memorable más allá de su natalicio.
Así, quien no conozca su obra, contémplela. Como le dijo Balthus en un telegrama al crítico de arte inglés John Russell con motivo de una retrospectiva en la Tate Gallery de Londres: "Empiece así: Balthus es un pintor del que no se sabe nada. Ahora podemos mirar sus cuadros".
Para la pintura suprema de este maestro sobran las palabras.

Fuente: EFE

Filadelfia celebra a Frida Kahlo con una gran exposición.

Más de 40 pinturas y un centenar de fotografías de Frida Kahlo invitan al público estadounidense a acercarse a la vida y obra de esta fallecida pintora mexicana en una exposición que celebra el centenario de su nacimiento en el Museo de Arte de Filadelfia.

La muestra, que se extenderá hasta el 18 de mayo en esta ciudad del estado de Pennsylvania (este), combina pinturas de Kahlo jamás exhibidas en Estados Unidos como el famoso óleo 'Las dos Fridas' (1939), con fotografías de la artista y su entorno.
"Realmente queríamos tener 'Las dos Fridas' porque nunca había sido mostrado en Estados Unidos antes", resaltó Michael Taylor, curador de arte moderno del Museo, en entrevista con AFP.
"Recibimos el 95% de los trabajos que queríamos" para la exposición, señaló. "Parece una muestra grande, pero es también lo mejor de su trabajo", se felicitó Taylor.
A través de una decena de salas, el recorrido propone conocer la obra pictórica y aspectos de la vida de Kahlo a través de fotografías en blanco y negro en las que se reconocen "los cambios que experimentó" a lo largo de su existencia y también "la construcción de su identidad", explicó el curador.
Un 'Autorretrato con monos' de 1943 da la bienvenida al universo cargado de colores y significados en clave de Kahlo, a la cual también se observa junto a su marido, el muralista mexicano Diego Rivera, en 'Frida y Diego' de 1931.
Hechas las presentaciones para el público estadounidense, que asiste a la mayor exposición de Frida Kahlo organizada en los últimos 15 años en Estados Unidos, la invitación es a entrar en la vida personal de la artista a través de fotos colgadas de los muros del museo preservadas en álbumes familiares.
Frida Kahlo sola o con Diego Rivera, Diego Rivera pintando, Frida Kahlo con su familia, la artista en su Casa Azul de Coyoacán, en Ciudad de México; imágenes de la pareja en Nueva York o París se mezclan con personajes universales que pasaron por sus vidas como León Trotsky o André Bretón.
La muestra tiene varios puntos altos, con obras mundialmente famosas como 'La columna rota', de 1944, en la que Kahlo refleja el sufrimiento que padeció a lo largo de su vida por las heridas causadas por un accidente de tráfico en 1925.
También, en momentos en que la inmigración ilegal es un tema sensible en suelo norteamericano, la exhibición destaca el 'Autorretrato en la frontera entre México y los Estados Unidos', de 1932.
Kahlo aparece allí en un vestido rosado con una pequeña bandera mexicana en sus manos, dividiendo en dos el cuadro que a uno y otro lado deja en equilibrio paisajes y objetos que representan a las dos culturas a lo largo de la frontera entre los dos países.
La exposición está acompañada por textos explicativos en inglés y en español.
"Voy muy poco a museos pero ésta era una ocasión especial", dijo a AFP David Romo, mexicano de 35 años oriundo del Distrito Federal, quien para ver la muestra viajó especialmente desde Nueva Jersey en donde reside y trabaja en el sector de la construcción.
Para Ricardo Dackstean, jubilado de 73 años residente en Filadelfia, aunque hay algunos aspectos de la vida de Khalo "que son ignorados" en la muestra, se trata de una "interesante exposición". "Muchos estadounidenses no estaban familiarizados con su trabajo", destacó.
La última de las pinturas de la selección aparece sola al final de una sala. 'El abrazo de amor del universo, la tierra (México), Diego, yo y el señor Xólotl', de 1949, impresiona por su fuerza.
"Creo que es una de las más fuertes imágenes" de Frida Kahlo, explica el curador. "Realmente queríamos tener una pintura fuerte al final. Se sabe (así) que ella fue una gran pintora hasta el final mismo" de su vida, dijo.

Fuente: AFP

Trece equipos interdisciplinares concurrirán a la restauración del Pórtico de la Gloria.

Trece equipos interdisciplinares optarán a la adjudicación del concurso para la ejecución de las primeras fases de los proyectos de conservación y restauración del Pórtico de la Gloria y de las pinturas murales de la Capilla Mayor de la catedral de Santiago de Compostela.

Los equipos elegidos tienen sus sedes en Galicia, el resto de España, Italia y Francia, y han sido seleccionados entre cuarenta empresas especializadas de toda Europa.
Estos trabajos de restauración y conservación en la catedral compostelana serán financiados con 3 millones de euros por la Fundación Pedro Barrié de la Maza.
Para este proceso de selección, la Comisión de Seguimiento (órgano gestor del Programa Catedral de Santiago de Compostela, integrado por representantes del Cabildo catedralicio, el Arzobispado y la Fundación Barrié) ha contado con el asesoramiento técnico de la Dirección Xeral de Patrimonio de la Consellería de Cultura y del Instituto de Patrimonio Histórico Español (IPHE).
Para desempeñar la dirección técnica de ambos proyectos la Comisión de Seguimiento ha designado a la restauradora Concha Cirujano, del IPHE.
Cirujano ha sido responsable de la dirección de numerosos proyectos de restauración de relevancia, entre ellos los acometidos en las portadas de la catedral de Sevilla o el claustro de San Jerónimo el Real en Madrid. También ha sido ponente para la restauración de la Fuente de los Leones de la Alhambra de Granada.
Durante la duración de los trabajos, la Comisión estará asesorada por un comité científico integrado por prestigiosos expertos, entre ellos representantes del Instituto de Patrimonio Histórico Español y del International Council on Monuments and Sites (ICOMOS).
Una vez esté instalado un sofisticado andamio visitable en el Pórtico de la Gloria, ya aprobado por la Dirección Xeral de Patrimonio, la Fundación Barrié organizará visitas guiadas para pequeños grupos en torno a la huella del Maestro Mateo en la Catedral.
Estas visitas incluirán una parada inédita sobre el andamio a nivel de tímpano del Pórtico de la Gloria, en lo que será una oportunidad única para conocer desde una perspectiva diferente a la habitual la pieza más emblemática del conjunto catedralicio.
La intervención sobre el Pórtico de la Gloria y en la Capilla Mayor se realizará en fases diferenciadas que permitan la puesta a punto de ambos conjuntos para al Año Santo de 2010.

Fuente: EFE

El arte de Gerardo Rueda llega por partida triple a Nueva York.

La pintura y la escultura del fallecido artista Gerardo Rueda, considerado uno de los más relevantes pintores españoles de la segunda mitad del siglo XX, protagonizan desde hoy tres exposiciones en Nueva York.

La obra de Rueda, artista capital del modernismo español de la segunda mitad del siglo XX que murió en 1996, estará presente en la Gran Manzana desde hoy hasta el próximo 30 de abril, gracias a tres exposiciones que muestran, mediante pinturas, esculturas y maquetas, la importancia del creador madrileño.
Bajo los títulos de "Gerardo Rueda: Maquetas de esculturas", "Gerardo Rueda: Construcciones 1945-1996" y "Gerardo Rueda: modernista español", el público neoyorquino puede descubrir la importancia de uno de los principales exponentes del conocido "grupo de Cuenca", ciudad en la que creó el Museo de Arte Abstracto Español.
El Queen Sofia Spanish Institute y el Centro para Graduados de la Universidad de la Ciudad de Nueva York (CUNY) unieron sus fuerzas con la Fundación Gerardo Rueda y el Instituto Valenciano de Arte Moderno (IVAM) para instalar unas exposiciones que pretenden fomentar la presencia del arte de Rueda en la ciudad de los rascacielos, donde su obra se ha expuesto en contadas ocasiones.
"Rueda expuso en el Museo de Arte Moderno (MoMA) de Nueva York en los años sesenta junto a un grupo de artistas españoles, pero su primera muestra en solitario en la ciudad fue en 2002, seis años después de su muerte", explicó hoy a Efe Barbara Rose, comisaria de las tres exposiciones neoyorquinas, durante la apertura de la que acoge maquetas del artista en la sede del Queen Sofía Institute.
Esa exposición recoge "una decena de maquetas que Rueda ideó para esculturas públicas monumentales", según dijo Rose, a quien le hubiera gustado que algunas de ellas se instalaran en Park Avenue, aunque "al menos, se podrán ver en Dallas (Texas) y también en el Paseo del Prado de Madrid".
"Es emocionante que tres exposiciones coincidan en el tiempo en Nueva York ya que es un respaldo a la labor que José Luis Rueda, hijo del pintor, realiza con la fundación para fomentar la obra de su padre", dijo a Efe Antonio Chamizo, colaborador del artista durante veinticinco años.
Según Chamizo, las obras que se exponen en la Gran Manzana, "sobre todo las esculturas", son "las que tienen más peso dentro de la obra de Rueda, ya que algunas de estas esculturas se han llegado a realizar en tamaño monumental".
"A Gerardo, le hubiera gustado contar con tres exposiciones en Nueva York. Era un hombre muy normal, sencillo, pero que, a veces, le subía la adrenalina. Creo que está, en presente, encantado", aseveró el colaborador de Rueda.
Con motivo de la inauguración de la muestra del Queen Sofía, el psiquiatra español Manuel Trujillo, que lleva cuatro décadas radicado en Nueva York presentó el libro "Gerardo Rueda: La mágica imaginación de un genio", en el que analiza la afición de Rueda por el coleccionismo.
"Se trata de un libro sobre la imaginación de Gerardo Rueda. Además de su gran contribución a la escultura y a la pintura, el artista ofrecía una faceta muy entrañable: la de coleccionista, que lo llevó a recoger unos 2.000 objetos de lo más variado", explicó a Efe Trujillo.
Los objetivos del autor, que se considera "amigo póstumo" de este artista conocido por un estilo en el combinaba algo tan típico como el bodegón español con el minimalismo norteamericano, fueron, "primero, descubrir cuáles eran los fundamentos psicológicos de su pintura y escultura y, después, descifrar de dónde procedía ese interés coleccionista".
"Rueda se debatía entre dos tendencias de su personalidad: lo que se podría llamar la tendencia apolónica, que lo llevaba a buscar la perfección de la forma, y, en su madurez, la dionísica y participativa", dijo el autor, para quien el artista consiguió "el equilibrio óptimo entre ambas en su afición por el coleccionismo".
Según Trujillo, "en la madurez de Rueda ya aparece la obra pura contrastada con objetos que recogía de los sitios más peregrinos, como latas oxidadas del desierto de Egipto".
"Gerardo Rueda: Maquetas de esculturas" estará abierta al público hasta el próximo 30 de abril, mientras que "Gerardo Rueda: Construcciones 1945-1996" cerrará sus puertas el día 11 y "Gerardo Rueda: modernista español" lo hará el 14 del mismo mes.

Fuente: EFE

Una exposición en Sevilla confirma que Santa Rufina fue pintada por Velázquez.

El "Centro de Investigación Diego Velázquez" ha inaugurado hoy una exposición temporal sobre el pintor sevillano en la que se confirma su autoría en el lienzo Santa Rufina, que actualmente pertenece a la Fundación Focus-Abengoa.

Junto a la exposición, "En torno a Santa Rufina: Velázquez de lo íntimo a lo cortesano", un libro, del mismo título y elaborado, entre otros, por los expertos Benito Navarrete Prieto y Carmen Garrido -ambos presentes en el acto inaugural-, recorren la historia de este lienzo desde que se localizara en la colección de la Casa de Alba a finales del siglo XVIII.
La muestra se compone de cuatro lienzos que van desde lo íntimo representado a través de las obras Santa Rufina o Una Sibila (1630-31) hasta lo cortesano por medio del retrato de La Infanta doña María reina de Hungría (1630) y La imposición de la casulla de San Ildefonso (1622-23).
El itinerario de la exposición empieza con una serie de cuadros explicativos que demuestran las coincidencias existentes entre el lienzo de Santa Rufina y otras obras del pintor hispalense para después permitir al visitante entrar en sala donde están expuestos los cuatro lienzos.
En los paneles se explican la descarga de los pinceles, la comparación de la tipología de las figuras humanas, la composición de rostros, los aspectos técnicos, el trabajo con el pincel y la comparación de tocados y de cabello que emplea el pintor en el lienzo de Santa Rufina con otras obras suyas de diferentes períodos.
La muestra, que incluye dos cuadros cedidos por el Museo del Prado y otro por el Ayuntamiento de Sevilla, permanecerá abierta todos los días de 10.00 a 14.00 horas y de 16.00 a 20.00 horas hasta el 4 de mayo en la Plaza de los Venerables.

Fuente: EFE

'El grito' y 'Madonna' de Munch se expondrán de nuevo en mayo.

Los cuadros 'El grito' y 'Madonna', las obras maestras del pintor noruego Edvard Munch dañadas tras su robo en el año 2004, volverán a ser expuestas en el museo Munch de Oslo a partir del próximo mes de mayo, una vez concluida su restauración, anunció este lunes el museo en un comunicado.

La restauración "está terminando" y los cuadros formarán parte de la exposición de este verano, del 23 de mayo al 26 de septiembre. El proceso de restauración ha sido "largo y exigente", según el museo, el cual precisó a la AFP que, en la esquina izquierda de 'El grito', será "ligeramente distinguible una huella de humedad".
'El grito' y 'Madonna' fueron robados el 22 de agosto de 2004 en un ataque espectacular a mano armada perpetrado en pleno día por unos hombres encapuchados. Se encontraron dos años más tarde, en circunstancias que siguen siendo misteriosas.
Estaban desportillados, arañados, perforados y con restos de humedad. 'El grito', uno de los cuadros más conocidos del mundo, representa un aterrorizado rostro fantasmagórico con la boca y los ojos muy abiertos sobre un fondo de colores vivos, lo que hace de él un símbolo de la angustia humana.
'Madonna' representa a una mujer de cabellos largos y negros con el torso desnudo. Ambas obras fueron pintadas en varios ejemplares, aunque las versiones en posesión del museo de Oslo se consideran las más conseguidas. Precursor del expresionismo, Munch vivió entre 1863 y 1944.

Fuente: AFP

El MoMA realiza su primera gran exposición sobre el uso del color en el arte.

La influencia del color en el arte de los últimos sesenta años y la manera en que lo utilizaron artistas como Andy Warhol, Frank Stella o Damien Hirst forman parte de una exposición que hoy se abre en el Museo de Arte Moderno (MoMA) de Nueva York.

"Paleta de Colores: Reinventando el color, de 1950 a hoy" es el título que la prestigiosa institución de la Gran Manzana ha dado a una muestra en la que aparecen los trabajos de una cuarentena de artistas de la segunda mitad del pasado siglo y que se podrá visitar hasta el 12 de mayo.
"Se celebra una paradoja: la exuberante belleza que se produce cuando los artistas asignan un color a decisiones o a un sistema arbitrario", dijeron los organizadores.
Entre los artistas que se aventuraron a utilizar el color en sus obras y a colocarlo en un lugar central están Andy Warhol, Frank Stella, Ellsworth Kelly, Gerhard Richter, Sherrie Levine y Damien Hirst, entre otros, con obras presentes en esta exposición.
Los expertos del MoMA dijeron, mediante un comunicado de prensa, que desde la segunda mitad del pasado siglo hasta ahora, la manera en que algunos de esos artistas tuvieron de contemplar aspectos espirituales se volcaron sobre el color, dando lugar a "obras de arte producidas al por mayor y productos comerciales estandarizados".
Así "Paleta de colores" es la primera gran exhibición que se dedica a un aspecto del arte considerado como esencial, agregaron.
Además de exponer las obras de esos artistas que tanto jugaron con el color, el MoMA ha abierto un espacio interactivo para que niños y adultos puedan experimentar con los colores, mediante enormes pizarras magnéticas, juegos y otras actividades.

Fuente: EFE