HISTORIA DEL ARTE

Científicos italianos creen haber hallado los restos de Caravaggio.

2010-06-16T11:56:00.001-07:00

Un grupo de antropólogos italianos cree que finalmente han encontrado los restos del artista barroco Caravaggio, resolviendo un misterio que ha envuelto la muerte del maestro durante siglos.
Los investigadores que trabajaban para el Comité Nacional para la Herencia cultural de Italia dijeron el miércoles que estaban casi seguros de que los huesos hallados en un osario de la Toscana coincidían con los de Michelangelo Merisi, conocido como Caravaggio.

"Hemos realizado pruebas de ADN en estos restos y mirado los resultados con los de supuestos familiares de Caravaggio, gente con el mismo nombre familiar", dijo el profesor Giorgio Gruppioni, antropólogo físico en el equipo de investigación, a Reuters Televisión.

"Tenemos compatibilidad con estas muestras genéticas. Por lo tanto esta persona (...) podría haber venido del mismo grupo familiar que los Merisi modernos", dijo, sosteniendo un fragmento de calavera.

Famoso por su vida salvaje - se dijo de él que mató a un hombre en una pelea y huyó a Roma cuando se había puesto precio por su cabeza - Caravaggio fue pionero de la técnica barroca pictórica de contrastar luz y oscuridad conocida como 'claroscuro'.

Los expertos han planteado muchas teorías sobre la muerte del artista en 1610, entre ellas que fue asesinado en una playa desierta de la Toscana o que cayó fulminado allí a causa de una extraña enfermedad, quizá sífilis.

En 2001, un científico italiano afirmó haber hallado el certificado de defunción del pintor, que llevó a expertos al cementerio toscano de San Sebastián y después a un osario en la cercana ciudad de Porto Ercole.

Los científicos dijeron que no había registro de un entierro en ese cementerio en 1610, y los españoles, que controlaban Porto Ercole en ese momento, se llevaron los restos y los enterraron en secreto, aparentemente para evitar que nadie reclamara los derechos sobre sus cuadros.

El equipo también examino los atributos de los huesos, y el alto nivel de hierro que tendría un hombre de ese periodo y edad.

"Hay otros dos elementos que forman el mosaico. En primer lugar, tenía 39 años, nuestras pruebas muestran que esa edad es compatible", dijo Silvano Vinceti, director del Comité nacional para la Herencia Cultural.

"Y la altura, Caravaggio medía alrededor de 1,70 y a este respecto tenemos resultados positivos", dijo.

"Bien, todos estos elementos, junto con otros nos permiten decir con certeza, hablando como un historiador, que estos restos pertenecen a Caravaggio", declaró.

Los científicos ahora esperan poder darle un entierro apropiado pero primero quieren exponer su restos en Porto Ercole.

Italia actualmente conmemora el 400 aniversario de la muerte del maestro del Barroco con importantes exposiciones, entre ellas una en Roma que ya han visitado medio millón de personas.

Fuente: Reuters

Una exposición muestra la evolución del planeta con fósiles como obras de arte.

2010-02-13T06:55:00.000-08:00

Una exposición en Granada ofrece una mirada a la vida que existía hace más de mil millones de años para mostrar la evolución del planeta a través de cuarenta réplicas de fósiles que se presentan a los espectadores como obras de arte.

La consejera de Medio Ambiente, Cinta Castillo, ha inaugurado hoy en el Parque de las Ciencias de Granada la exposición "Arte Fósil" que se exhibe por primera vez en España y que ya ha visitado otros países de Norteamérica, Asia y Europa.

La muestra está compuesta por fósiles recogidos por decenas de investigadores en todo el mundo, y ha sido España el país que más ejemplares ha aportado, con cuatro piezas.

La consejera ha subrayado que la naturaleza genera estructuras "muy afines a la expresión artística" de los hombres, por lo que la muestra une el arte con la ciencia para desvelar las manifestaciones más creativas y "desmitificar la teoría de que el hombre es el centro de todo".

La exposición está producida por el Instituto Geológico Tübingen, de Alemania, en colaboración con la Universidad de Yale, en Estados Unidos.

A lo largo del recorrido expositivo se profundiza en algunos de los descubrimientos científicos que se han producido en el último siglo y que han sido claves para conocer la evolución de la Tierra, como son los fósiles descubiertos en 1945 en la región de Edicara (Australia).

Otras piezas, todas ellas de más de dos metros de alto, recrean las huellas de la primera evidencia de la colonización de la Tierra por los animales o muestran la adaptación de algunos seres marinos al medio terrestre para buscar alimento.

También se exponen estructuras sedimentarias que se formaron mucho antes de la edad de los dinosaurios en los fondos marinos, muy por debajo del límite de cualquier organismo submarino que respire aire.

El paleontólogo y geólogo de la Universidad de Granada Francisco Javier Rodríguez ha afirmado que la colección muestra las distintas interpretaciones que a lo largo de la historia se han realizado en torno a estos fósiles.

Ha señalado que la exposición deja la puerta abierta a una última interpretación por parte del espectador, ya que los fósiles se presentan como obras de arte, sin carteles informativos, para que se pueda apreciar la belleza de estas piezas.

No obstante, durante la exposición, que permanecerá abierta hasta abril, se podrán adquirir folletos y libros que explican el origen de cada pieza y su significado.

Fuente: EFE

Una escultura de Picasso de tamaño casi natural contempla desde hoy la plaza donde nació.

2008-12-05T14:04:00.001-08:00

Un Pablo Picasso casi de tamaño natural contempla desde hoy la malagueña plaza de la Merced, en la que nació en 1881, sentado en uno de sus bancos, gracias a la escultura en bronce creada por el artista Francisco López Hernández, considerado uno de los grandes exponentes de la denominada Escuela de Madrid.

Este Picasso, de proporciones sólo un diez por ciento por encima de las reales, se encuentra ante su Casa Natal, vestido con una camisa y un pantalón y calzado con sandalias, y sostiene en sus manos un cuaderno y un lápiz.
Para esta representación se ha elegido a un Picasso ya maduro, más reconocible para el gran público, pese a que el artista abandonó su ciudad natal en su infancia y sólo regresó en algunas ocasiones en su juventud, pero no cuando ya era un creador consagrado.
El alcalde de Málaga, Francisco de la Torre, que ha inaugurado hoy la escultura, ha afirmado a los periodistas que Picasso "vuelve a la plaza de la Merced en plena madurez artística" y se convertirá "en un motivo más para llevarse un recuerdo fotográfico de la ciudad".
Esta obra, encargada al autor hace ya casi dos años, ha supuesto un coste de unos 166.000 euros, según el regidor, que ha añadido que la escultura era "una deuda" con Picasso, porque "es bueno que una ciudad reconozca a sus hijos".
Francisco López Hernández (Madrid, 1932) recibió las primeras enseñanzas de su padre, orfebre, y amplió después su conocimientos en la Escuela de Artes y Oficios de Madrid y en la Escuela de Bellas Artes de San Fernando.
Expuso por primera vez en 1955, junto a otros dos artistas de la escuela realista contemporánea española, Antonio López y Julio López Hernández, su hermano, y de un informalista, Lucio Muñoz.

Fuente: EFE

Catorce lienzos de Goya y toda su obra gráfica cuelgan en el Camón Aznar.

2008-05-09T02:00:00.001-07:00

Catorce lienzos de Goya y su obra gráfica completa, además de numerosas obras de artistas nacionales, internacionales y aragoneses, cuelgan ya de las paredes del Museo Camón Aznar de Zaragoza, sometido a una reforma integral con motivo de la Exposición Internacional que este verano se celebra en la ciudad.

El museo, que se inaugura oficialmente esta tarde, tiene una superficie expositiva de 3.800 metros cuadrados, en dos edificios contiguos, divididos en tres plantas, en las cuales se reparten un total de 333 obras y 244 grabados que reflejan desde el arte de tránsito del siglo XV al XVI hasta la década de los setenta del XX.
El responsable de la dirección museográfica, Antonio Meléndez, explicó durante la presentación del nuevo museo, sometido a una reforma arquitectónica integral durante el último año, que se ha tenido muy en cuenta la colocación de las obras para "ayudar a los visitantes a comprender lo que están viendo" y para que se emocionen al observar el arte.
Un patio renacentista da la bienvenida, desde donde se accede a las salas y plantas en las que se ha optado por colores como el rojo, el morado, el gris e incluso el azul oscuro en el caso de la estancia que alberga los grabados de Goya, y entre ellas un hilo conductor: una "fisura" acristalada que deja ver el "relato" sobre arte que cuenta el museo.
La primera planta está dedicada a la pintura y escultura de los precedentes de Goya, representados por artistas como Metsys, Pedro Berruguete o Francisco de Osona, además de obras italianas y flamencas que muestran el camino por el que llegó el Renacimiento a Aragón y obras barrocas tanto religiosas como de otras temáticas (paisajes, retratos, bodegones).
En el salón dorado, se muestran las catorce obras de Goya: "Autorretrato", "Retrato de la Reina María Luisa de Parma con traje de Corte", "Retrato de Don Félix de Azara y Perera", "Retrato de Don José de Cistué y Coll, barón de la Menglana", "Dos de Mayo en Madrid", "Baile de Máscaras", "San Joaquín", "Santa Ana" y "La Adoración del Nombre de Dios por los Ángeles", todas ellas propiedad de Ibercaja.
De la Real Sociedad Económica Aragonesa de Amigos del País, se exhiben: "Esopo", "Menipo", "Escena no identificada", "Aparición de la Virgen a Santa Teresa" y "La Virgen impone el collar a Santa Teresa, en presencia de San José".
En este salón también se encuentran la serie de grabados de Goya sobre obras de Velázquez y de Meifrén y Lizcano sobre Zaragoza, así como el lienzo de González Velázquez sobre la construcción del Templo del Pilar, y en un pequeño espacio contiguo se han reunido distintos retratos de Camón Aznar, de su esposa y de su hija.
Las series completas de "Los Caprichos", "Los Disparates", "La Tauromaquia" y "Los Desastres de la Guerra", además de "Los Toros de Burdeos", se encuentran en una sala cuya ambientación ayuda a trasladarse a los momentos históricos tan dramáticos como los que vivió España y quedaron apresados en estos trabajos.
Los siglos XIX y XX cuentan con una interesante representación de 84 piezas, que se encuentran situadas ya en la tercera planta, de artistas tanto españoles (Antonio Pérez Rubio, Ángel Lizcano, Eduardo Rosales, Antonio Muñoz Degrain, Cecilio Pla, Mariano Fortuny) como franceses (Miguel Ángel Houasse, Berthe Morrisot, Eugene Carriere o Auguste Renoir).
Acaban el recorrido las 34 piezas que representan al siglo XX, obras articuladas en torno a dos ejes principales: la Escuela de Vallecas (Benjamín Palencia, Francisco Arias, Francisco San José o Alvaro Delgado) y los autores aragoneses y de Zaragoza (García Condoy, Lahoz, Gonzalvo, Grau o Fortún); y la Escuela de Madrid (Francisco San José, Rafael Zabaleta o Joaquín Vaquero Palacios).
El presidente de Ibercaja, Amado Franco, indicó que este espacio contribuirá a reforzar el "brillo cultural" de la ciudad durante la Exposición Internacional, que del 14 de junio al 14 de septiembre se celebrará bajo el lema "Agua y desarrollo sostenible", mientras que el director general, José Luis Aguirre, resaltó el "prodigio de diseño y el buen hacer del edificio".

Fuente: EFE

exposición "Vivencia y Memoria de la Guerra de la Independencia".

2008-05-09T01:41:00.001-07:00

El diario del ingeniero militar José María Román y los recuerdos de la época recopilados por Ceferino Araujo fundamentan la exposición "Vivencia y Memoria de la Guerra de la Independencia" que se inaugura hoy en la Fundación Lázaro Galdiano.
Aunque pequeña en cuanto a número de piezas, alrededor de cincuenta, la muestra, en cuya organización ha colaborado la Sociedad Estatal de Conmemoraciones Culturales, supone un acercamiento diferente a la Guerra de la Independencia a través de los testimonios de protagonistas que dejaron sus impresiones de una forma personal.Casi la totalidad de las piezas que se muestran, entre manuscritos, medallas, estampas, armas, abanicos, joyas, libros o cartas, son inéditas y todas ellas pertenecientes a la Fundación Lázaro Galdiano.El emblemático retrato de Agustina de Aragón realizado por Juan Gálvez; los grabados que mandó hacer Palafox de las ruinas de Zaragoza, para que la memoria continuara viva, o la estampa de Isidro Carnicero "Fiesta de toros en el aire", son algunas de las piezas que se pueden contemplar en un recorrido en el que también se exhiben varios grabados de Goya.De este artista, la Fundación posee una importante colección pero en la muestra está presente "en sordina ya que no se ha querido incluir más obras suyas para que las otras piezas pudieran brillar", consideró la directora de la institución Jesusa Vega.Además del valor expositivo, la muestra "es de largo alcance", ya que con motivo de la misma se han editado los dos manuscritos, también inéditos, a través de los cuales se estructura el recorrido."La exposición ilustra y justifica lo que estos libros cuentan", señaló la directora, quien informó de que el primero de ellos narra el diario del ingeniero militar José María Román en su pericia como defensor de Zaragoza, en 1808, y su vida como prisionero de los franceses en España y Francia hasta 1814.Esta vivencia la fue apuntando en cuadernillos con letra prieta y menuda, probablemente con la intención de su posterior publicación, y gracias a ello se pueden conocer pormenores del arte militar, escenas de su vida cotidiana y la descripción de ciudades y edificios de la época.El segundo manuscrito reúne los recuerdos de la época de tránsito del siglo XVIII al XIX y los acontecimientos que sucedieron en los inicios de la España contemporánea.Se trata de un original de imprenta, remitido a solicitud de José Lázaro, para publicarlo en la editorial de "La España Moderna". Su autor, Ceferino Araujo, construye la narración a través de estampas, fuente principal de información.El corto pero intenso recorrido de la exposición se ha dividido en dos secciones. La primera,"Vivencia", tiene como referente el diario de José María Román y en ella se exponen testimonio coetáneos a la Guerra de la Independencia.Su objetivo es visualizar la experiencia de la guerra antes de que se produzca y mostrar la transformación que tiene lugar cuando estalla el conflicto y se inician las hostilidades.Esta visualización se produce con la exhibición de objetos de arte militar; los retratos de los protagonistas, entre ellos el de Fernando VII, de Vicente López Portaña, el del Duque de Wellington, atribuido a John Jackson o el anónimo de Juan Martín "El empecinado"; los objetos de la vida cotidiana de la época como joyas, abanicos, miniaturas, carnés de baile, y la transformación de la vida tras la guerra a través de las víctimas, los escenarios y las ruinas.La segunda sección gira en torno al manuscrito de Ceferino Araujo y está dedicada a la "Memoria". En ella se acerca al espectador al proceso de construcción de la memoria de la Guerra a través de obras que han contribuido a su conocimiento y conmemoración, manteniéndola viva.Proyectos, escritos, publicaciones conforman la experiencia y transmisión de la información, ampliada en los distintos aniversarios y el centenario de 1908. "El referente en cómo se contó la Guerra Civil se encuentra en cómo se contó la Guerra de la Independencia. Todo ello está más cercano de lo que creemos", en opinión de la directora de la Fundación.
Fuente: EFE

Una obra escultor sordociego gallego José María Prieto está en el museo tiflológico.

2008-05-09T01:31:00.000-07:00

Un bronce titulado "Persona leyendo", del escultor sordociego de Viveiro (Lugo), José María Prieto, es la única de un artista gallego que forma parte del Museo Tiflológico de la ONCE en Madrid, que desde hoy puede verse en Ourense junto a otras 38 obras e instrumentos adecuados para uso de personas invidentes o con deficiencia visual.

El director de Cultura de la Organización Nacional de Ciegos de España (ONCE), Justo Reinoso, participó en la inauguración de la exposición y explicó que comenzó su recorrido hace años y estuvo hace tres en Galicia, pero nunca antes en Ourense.
Los objetivos de la muestra son, según Reinoso, explicar a la sociedad en qué gastamos el dinero y contribuir con pequeñas actuaciones, como ésta, a normalizar la integración social y laboral de las personas ciegas, "proceso en el que España está muy por delante de otros países, incluso más desarrollados", agregó.
Reinoso acompañó a los asistentes en un recorrido por las obras expuestas e invitó al teniente alcalde Alexandre Sánchez Vidal y a la concejal de Cultura, Isabel Pérez, a colocarse sendos antifaces negros para comprobar la utilidad de una exposición que se puede ver y tocar, como indica su título.
Los representantes municipales tocaron y desmontaron una maqueta del palacio granadino de La Alhambra, una de las cinco que forman parte de la exposición de edificios representativos del patrimonio artístico, entre los que también está una reproducción a escala de El Escorial.
Después tocaron, guiados por representantes de la ONCE, la escultura en bronce que representa a una persona leyendo, obra del año 1993 del escultor de Viveiro (Lugo) José María Prieto, sordociego, único artista gallego presente en la exposición y en el Museo Tiflológico, según dijo a Efe la comisaria de la muestra, y que se dedica en exclusiva a la escultura en su taller de Covas -Viviero- desde 1980.
Los asistentes a la inauguración también comprobaron el funcionamiento de máquinas calculadoras, ábacos y otros instrumentos adecuados para el uso de personas ciegas y con deficiencias visuales, destinados a hacer cálculos, a escribir notas musicales y a la escritura mecanizada en el sistema "Braille".
El director de Cultura de la ONCE también aludió en su intervención, a la necesidad de acercar la cultura a los discapacitados y en ese sentido hizo un llamamiento a museos y entidades culturales para que faciliten ese acceso, como ya ocurre en el Museo Reina Sofía de Madrid donde existe un recorrido específico para ciegos y una adaptación del "Guernica" de Pablo Picasso para que puedan tocarlo.
Por su parte, el representante de la ONCE en el sur de Galicia, Arturo Parrado, explicó a Efe que en Galicia cuenta con 3.500 afiliados, de los que 1.720 son de la zona sur y de ellos, 300 de la provincia de Ourense.
También intervino el teniente alcalde Sánchez Vidal para señalar que a corto y medio plazo, el Ayuntamiento de Ourense tiene programada la inversión de 20 millones de euros para ejecución de obras "atendiendo a empresas especializadas en accesibilidad y en contacto permanente con la ONCE para la colocación de mostradores, adecuación de aceras y otros elementos urbanos".
La exposición "Ver y tocar" estará durante 15 días en el Liceo de Ourense.

Fuente: EFE

Nuevo récord en subasta para una obra de Monet: 41,4 millones.

2008-05-09T01:24:00.000-07:00

Una obra de Claude Monet fue vendida por 41,4 millones de dólares (26,7 millones de euros) el martes en Nueva York y logró un nuevo récord para un cuadro del pintor impresionista francés.

'El puente del ferrocarril en Argenteuil', una tela de 1873 descrita por la casa de subastas Christie como "verdaderamente excepcional", fue comprada vía telefónica por un interesado anónimo.
Sin embargo, otros dos cuadros de Monet así como obras de Vincent Van Gogh, Pierre Auguste Renoir y Henri Matisse no encontraron interesados, signo de un impacto de la crisis económica estadounidense sobre el mercado del arte.
Otro récord fue establecido para una obra del escultor francés Auguste Rodin, 'Eva, grande modelo - versión sin peñasco', que alcanzó 18,9 millones de dólares (12,2 millones de euros), también en una compra telefónica.

Fuente: AFP

Obras de Warhol y Lichtenstein se exhiben en San Juan.

2008-05-09T01:21:00.001-07:00

Obras de los artistas estadounidenses Andy Warhol y Roy Lichtenstein se exhibirán desde hoy y hasta el próximo 27 de agosto en San Juan en una exposición concedida por El Instituto Valenciano de Arte Moderno (IVAM).

Además de las piezas de Warhol y Lichtenstein se presentarán en la exposición "El Pop Art en la colección del IVAM" obras de artistas de Alemania, España, Estados Unidos, Francia e Inglaterra. informaron los organizadores de la exposición.
Destacan las piezas de Eduardo Arroyo, Alberto Greco, Richard Hamilton, Jasper Johns, Yves Klein, Claes Oldenburg, Sigmar Polke, Richard Prince, Robert Rauschenberg, Gerhard Richter, James Rosenquist, Cindy Sherman y los colectivos de Equipo Crónica y Equipo Realidad.
Entre las obras de Warhol que se exhibirán están "Serie Sopa Campbell's II", "Silla eléctrica", "Jane Fonda" y "Calaveras", mientras que de Lichtenstein se presentarán "Golpe de Sombrero I", "Estructura en cerámica 8", "Mujer: luz de sol, luz de luna" y "Reflejos sobre muchacha".
La exposición también incluirá charlas, documentales y películas, así como pinturas, esculturas, grabados y fotografías creadas a partir de 1949, antes de que el movimiento "Pop Art" recibiera su nombre en Inglaterra durante la década de 1950.

Fuente: EFE

"Las tres velas" de Sorolla es vendido por 4,5 millones de dólares en Nueva York.

2008-05-09T01:15:00.001-07:00

El óleo "Las Tres Velas", que realizó el pintor valenciano Joaquín Sorolla en 1903 y durante casi un siglo estuvo fuera del alcance del público, se vendió hoy por 4,5 millones de dólares, incluidas comisiones, en una subasta de la casa Sotheby's.

El lienzo muestra a tres mujeres de paseo por una playa y con tres veleros al fondo, e ilustra la maestría con que Sorolla (1863-1923) representaba los colores y la luz en un entorno marino.
"Estamos muy felices con el precio que ha alcanzado", declaró a Efe Emmanuel DiDonna, experto de Sotheby's y director de la venta de hoy en la sede neoyorquina de esa casa de subastas.
El cuadro formaba parte de la subasta estelar de primavera de Arte Impresionista y Moderno, que alcanzó unas ventas totales por valor de 235,3 millones de dólares.
La pintura salía con un precio estimado de entre 3 millones y 4 millones de dólares, pero un coleccionista privado, a quien el experto no quiso identificar, estuvo dispuesto a cumplir con las expectativas más optimistas de la parte vendedora y se lo adjudicó finalmente por 4.521.000 dólares.
El cuadro se había vendido a un coleccionista estadounidense por 3,8 millones de dólares en noviembre de 2004, en otra subasta celebrada en la sede de Sothebys en Londres y fue en aquel momento el segundo precio más alto pagado en subasta por una obra del artista español.
Esta era la segunda oportunidad en que la obra estaba al alcance de los coleccionistas interesados en el arte de Sorolla.
La pintura ha tenido una azarosa trayectoria desde que fue exhibida en público por última vez en Berlin en 1904, pero los expertos de Sotheby's aseguraron que la pintura, "en general, está en muy buenas condiciones".
El lienzo lo había adquirido aquel año el banquero Max Steinthal, quien cayó en desgracia ante los nazis por su origen judío.
La mujer de Steinthal, Fanny, pudo evitar la incautación de la colección de arte de la familia transfiriendo la propiedad a uno de sus yernos, que no era judío, pero este no pudo evitar que las autoridades de la antigua República Democrática Alemana se apropiaran después de las obras, según la casa de subastas.
La pintura de Sorolla y otra obras de arte de la familia Steinthal salieron de nuevo a la luz después de permanecer en un sótano del Museo Gemaldegalerie de Dresden durante cincuenta años y sobrevivir a las inundaciones que causó el río Elba en el verano de 2002.
Dos años después y una vez realizadas la necesarias comprobaciones, las obras fueron devueltas a los herederos del matrimonio alemán Steinthal que, en el caso de "Las tres velas", la sacaron ese mismo año al mercado.

Fuente: EFE

Un retrato de Heath Ledger gana un premio de arte australiano.

2008-05-09T01:05:00.001-07:00

Un retrato de un Heath Ledger melancólico, pintado poco antes del fallecimiento del actor australiano, fue votado el jueves como la obra más popular en el principal galardón para retratistas de Australia.

Ledger, de 28 años, conocido por su papel de vaquero homosexual en "Brokeback Mountain", de 2005, murió el 22 de enero en Nueva York a causa de una sobredosis accidental de fármacos.
El artista, Vincent Fantauzzo, de 29 años, fue amigo de Ledger durante muchos años y pintó el retrato a fines del año pasado en Perth, la ciudad natal del actor.
"Quería que fuera el trato con uno mismo, tu propia conciencia y tus pensamientos", dijo Fantauzzo.
La obra muestra a Ledger con el torso desnudo contra un fondo negro mirando directamente desde el lienzo y otras dos imágenes del actor a los lados le susurran en los oídos.
La pintura de Fantauzzo fue finalista en el premio Archibald 2008, el principal galardón australiano para retratos, pero el máximo galardón fue otorgado a un autorretrato de una artista y sus dos hijos.
Sin embargo, la galería de arte de New South Wales anunció el jueves que el retrato de Ledger había ganado el premio del público, decidido por los votos de las personas que vieron la exposición de la galería Archibald.
Más de 32.000 personas votaron por la pintura, que atrajo un público récord a la muestra.
Fantauzzo ha rechazado ofertas de compra de la pintura y dijo que había hablado con la familia de Ledger, que decidió que el retrato sea donado a la galería de New South Wales en Sidney.
Ledger protagonizó 18 películas en Australia y Hollywood, y aparecerá como el "Joker" en el nuevo filme de Batman, "Dark Knight", que será estrenado en julio.

Fuente: REUTERS

Subastarán una obra de Francis Bacon para que le esperan un récord.

2008-03-26T13:52:00.000-07:00

Una obra del pintor irlandés Francis Bacon será subastada en mayo en Nueva York, donde podría alcanzar la suma récord de 70 millones de dólares, anunció el lunes la casa de subastas Sotheby's.

'Tríptico, 1976', descrita por Sotheby's como una "obra maestra del siglo XX" rica en simbolismo sobre la mitología griega, será vendida el 14 de mayo.
"Es indudablemente el Bacon más importante que esté en manos privadas. Ha estado en la misma colección desde que fue comprado" hace 30 años, dijo Tobias Meyer, responsable de arte contemporáneo de Sotheby's, en un comunicado.
El tríptico fue la pieza central de una exposición de Bacon en la Galería Claude Bernard de París en 1977, considerada la presentación más importante de nuevas obras en la década de 1970. Su actual propietario la compró en esa época.
Los tres paneles reflejan la lúcida imaginación de Bacon, que se apoya en una representación alegórica del mito de Prometeo, encadenado en el Monte Cáucaso para que cada día un ágila le devorara el hígado.
Los especialistas afirman que este trabajo es un símbolo de los demonios interiores del artista.
El actual récord por una tela de Bacon fue logrado el año pasado en Nueva York con la venta por 52,7 millones de dólares de su 'Study from Innocent X', pintado en 1962.
Francis Bacon nació en Dublín en 1909 y falleció en 1992 en Madrid.

Fuente: AFP

Subastan en Londres un Watteau desaparecido durante dos siglos.

2008-03-26T13:50:00.001-07:00

Una escena galante al óleo del pintor rococó francés Jean-Antoine Watteau (1684-1721) que se consideraba desaparecida desde hacía casi dos siglos será subastada por Christie's en Londres.

El paradero de "La Surprise" (La Sorpresa) constituía un auténtico misterio, y sólo se sabía de su existencia por una copia que se conserva en la colección real del Buckingham Palace londinense.
Christie's confía en que, cuando salga a subasta el próximo 8 de julio, se paguen por él de 3 a 5 millones de libras (aproximadamente de 6 a 10 millones de dólares), lo que constituiría un récord para ese artista.
Watteau, pintor al que se atribuye la invención del género conocido como "fiestas galantes", pintó "La Surprise" en 1718.
El cuadro, que muestra a una pareja fundida en un abrazo apasionado mientras a su lado un músico toca un instrumento de cuerda, fue identificado como de Watteau por un experto de Christie's durante una valoración rutinaria en una residencia campestre.
El propietario, que quiere permanecer en el anonimato, no tenía idea de la importancia del cuadro cuando solicitó el peritaje de otra obra que él creía del maestro holandés Gerrit Dou y que resultó ser sólo de su escuela.
Durante la inspección, sin embargo, los expertos de Christie's vieron una pintura a la que el dueño no daba prácticamente importancia, pero que les llamó inmediatamente la atención y resultó ser la desaparecida obra de Watteau.
"La Surprise" perteneció a un consejero del rey de Francia y amigo íntimo del artista llamado Nicolas Henin, y es posible que se pintase expresamente para él junto a "L'Accord parfait", que se conserva actualmente en el Los Ángeles Museum of Art.
El conocido coleccionista francés Pierre-Jean Mariette escribió en 1746 de esa obra que era "uno de los cuadros más hermosos" de Watteau.
A la muerte de Watteau, "La Surprise" y "L'Accord parfait" pasaron a ser propiedad del biógrafo del artista Jean de Julienne, y el primero de ellos reaparecería algún tiempo después en la célebre colección de Ange-Laurent de la Live de Jully.
Durante la Revolución francesa se perdió, sin embargo, su rastro hasta que a mediados del mediados del siglo XIX "La Surprise" reapareció en un peritaje de 1848 encargado por lady Murray, que lo legó a la familia de su actual propietario.

Fuente: EFE

Imágenes de varios genios de la fotografía del siglo XX a subasta en Nueva York.

2008-03-26T13:43:00.000-07:00

La casa Christie's programó cinco subastas de fotografía para el próximo mes en Nueva York, en las que se venderán obras de artistas como Diane Arbus, Irving Penn, Henri Cartier-Bresson, Robert Mapplethorpe, Dorothea Lange o el mexicano Manuel Álvarez Bravo.

La venta de todos los lotes, que constituyen "un valioso recorrido por la fotografía del siglo XX" y con los que Christie's espera recaudar entre 9,5 y 14,8 millones de dólares, se realizará el 10 y 11 de abril, dijo hoy a Efe la portavoz de la casa de subastas, Milena Sales.
De la colección de Bruce y Nancy Berman saldrá un lote de 51 imágenes de la fotógrafa norteamericana Diane Arbus, entre las que destaca "Boy with a straw hat waiting to march in pro-war parade", que data de 1967 y se le calcula un precio de 25.000 a 35.000 dólares, así como "Girl in a watch cap" (1965), que se podría vender por entre 20.000 y 30.000 dólares.
Otra de las subastas estará dedicada a una serie de maestros de la fotografía desde comienzos del siglo XX hasta el presente, formado "por un refinado grupo de obras" de algunos de los más destacados artistas, señala Christie's.
Destacan dos "obras maestras" de Irving Penn que demuestran "la amplitud y alcance de su producción artística desde los lados opuestos de su espectro de trabajo".
Por un lado, "la icónica cubierta de Vogue en blanco y negro", con un precio previsto de entre 200.000 y 300.000 dólares, y por otro una imagen de "Niños en Cuzco", de 250.000 a 350.000.
Una de las representativas calas de Mapplethorpe se venderá en torno a los 100.000 dólares y "Hyeres", una delicada imagen con un ciclista y una escalera del gran Cartier-Bresson, por unos 90.000.
No menos importante es el "Retrato de lo eterno", una preciosa imagen que juega con los fuertes contrastes de luz y el claroscuro, de Manuel Álvarez Bravo, que se espera se venda por entre 60.000 y 80.000 dólares.
La colección del alemán Gert Elfering también ofrecerá importantes imágenes con 140 lotes que podrían recaudar entre 2 y 3 millones de dólares.
Una fotografía en blanco y negro de Carla Bruni desnuda, del suizo Michel Comte y con un precio de entre 3.000 y 4.000 dólares (de 1.900 a 2.500 euros), forma parte de esos lotes, en los que también hay retratos de Kate Moss, Gisele y Christy Turlington cargados igualmente de erotismo y sensualidad.
También resalta en esta colección un retrato de Brigitte Bardot que se podría vender por entre 80.000 y 120.000 dólares.
Otra interesante venta es la de las fotografías naturalistas de Ansel Adams, con 122 imágenes que incluyen algunas de las obras más importantes de la carrera de este fotógrafo con un precio global de 3 a 5 millones de dólares.
Destacan algunas copias en tamaño mural, como "Clearing Winter Storm", realizada en Yosemite y que se podría vender por entre 250.000 y 350.000 dólares o una pictórica imagen titulada "Frozen Lake and Cliffs", por la que habrá que pagar entre 90.000 y 120.000 dólares.
Entre las fotografías que Christie's subastará en esos dos días también habrá retratos de conocidos artistas y compositores, como Miles Davis, Pablo Picasso o Igor Stravinsky.
Un valioso catálogo de libros de fotografía formará igualmente parte de esta "Semana de la Fotografía".

Fuente: EFE

Una exposición inédita con 160 obras del español Pablo Palazuelo es inaugurada en Brasil.

2008-03-26T13:37:00.000-07:00

Una inédita exposición con 160 obras del pintor y escultor español Pablo Palazuelo fue inaugurada hoy en la Pinacoteca de la ciudad brasileña de Sao Paulo bajo el título "Palazuelo-Proceso de trabajo".

La muestra que abrirá sus puertas al público este miércoles y se extenderá hasta el 25 de mayo en el histórico edifico de la capital paulista está a cargo de la Sociedad Estatal para la Acción Cultural Exterior (Seacex) con el respaldo del Gobierno español y el Centro Cultural de España en Brasil.
Considerado como una de las figuras claves del arte español de la segunda mitad del siglo XX, Palazuelo (1915-2007) ganó en 2004 el premio "Velázquez", el más importante otorgado por el país ibérico en las artes plásticas.
La exposición reúne 160 acuarelas y pinturas que recorren la trayectoria del artista, caracterizado por su naturaleza abstracto-geométrica, con destaque para los dibujos que muestran el proceso de trabajo artístico.
Bajo la curaduría de Manuel Borja-Villel, director del Museo Nacional Centro de Arte "Reina Sofía" de Madrid, y de Teresa Grandas, la muestra presenta por primera vez en Brasil la primera retrospectiva de la obra del artista, fallecido el año pasado en la capital española.
La colección ya pasó, en 2006, por el Museo d'Art Contemporani de Barcelona (Macba) y el año anterior visitó el Museo Guggenheim de Bilbao.
Este año, la muestra se realizó en el Museo de Arte Moderno de Bogotá, en Colombia.
Palazuelo era graduado en arquitectura del Royal Institute of British Architects de Oxford, en Inglaterra, y fue inspirado por el nexo del pensamiento esotérico del artista suizo Paul Klee, pero sin dejar de lado la racionalidad matemática.

Fuente: EFE

Exposición de Lucas Cranach, propagandista de Lutero y pintor de sinuosos desnudos femeninos.

2008-03-05T05:20:00.001-08:00

Lucas Cranach el Viejo (1472-1553), contemporáneo de Durero, propagandista de Martín Lutero y pintor al mismo tiempo de sinuosos desnudos de heroínas bíblicas o mitológicas, es objeto de una gran exposición que comienza este sábado en la Royal Academy of Arts londinense.

Semanas antes de su inauguración, la exposición armó un cierto revuelo cuando el Metro londinense decidió no admitir como cartel anunciador en sus túneles uno de sus desnudos femeninos más famosos, que muestra a una Venus de felina sonrisa cubierta sólo con una gasa tan transparente como provocativa.
Cranach fue un artista de enorme éxito material. Ocupó durante varios años el cargo de burgomaestre de Wittenberg, ciudad íntimamente vinculada a la reforma del fraile agustino -en su castillo clavó Lutero sus 95 tesis contra el negocio de las indulgencias- y corte de Federico III el Sabio, príncipe elector de Sajonia.
Sus pinturas e imágenes tuvieron una enorme demanda entre los ricos coleccionistas alemanes y su estudio, convertido casi en factoría, produjo numerosas réplicas, entre ellas de sus fascinantes desnudos femeninos.
Destacan éstos por un elegante y entre ingenuo y taimado erotismo que aún hoy, época de saturación sexual, sigue sorprendiendo por la forma, entre disimulada y coqueta con que esas heroínas bíblicas miran muchas veces al espectador.
Pintor enormemente versátil, Cranach pintó en su etapa de Viena, ciudad donde comienza a saberse algo de su vida, excelentes retratos de humanistas y otros personajes relacionados con su nueva universidad.
De esa época son también obras devocionales como "La Crucifixión", en las que destaca su maestría como paisajista, o su espectacular "Martirio de Santa Catalina" (hacia 1505), obra que presagia su actividad en Wittenberg como pintor de cámara de Federico el Sabio.
Gran cultivador del retrato, Lucas Cranach pintó varios de su amigo Martín Lutero, de los que se hicieron también numerosas reproducciones que se difundieron rápidamente por toda Europa, contribuyendo a la difusión de la Reforma protestante.
Sus grabados para la primera edición del Nuevo Testamento, traducida por el propio Lutero en 1522 y considerada una obra fundamental desde el punto de vista no sólo religioso sino del alemán moderno, alcanzaron también enorme popularidad.
Su amistad con aquel monje excomulgado por el Papa León X y su colaboración con el también teólogo reformista Felipe Melanchton no impidió a Cranach, sin embargo, atender los pedidos del rival de ambos, el arzobispo de Maguncia y cardenal Alberto de Hohenzollern.
Cranach retrató al famoso cardenal, aunque no del natural sino copiándolo del famoso grabado de Alberto Durero, y representándolo como San Jerónimo en su estudio, rodeado de animales.
También se deben a sus pinceles piezas de retablo para la catedral de Maguncia y diversas tablas devocionales para su arzobispo así como para otros mecenas católicos.
Cranach, llamado así por la ciudad alemana donde nació (Kronach), supo satisfacer en todo momento los deseos de sus patronos, y así pintó también lo mismo escenas bíblicas o de martirios de santos que espectaculares partidas de caza, a la que tan aficionados eran sus benefactores.
También dibujó con su taller centros de mesa para banquetes, escudos heráldicos y todo tipo de enseñas, e hizo también los grabados del lujoso catálogo de la colección de reliquias del príncipe elector Federico.
Su holgada posición de pintor de cámara de Federico terminó con la derrota que infligió a éste Carlos I de España y V de Alemania en 1547, año en que Cranach se trasladó primero a Augsburgo y luego a Weimar, donde moriría a la edad de 81 años.
La exposición de la Royal Academy, organizada conjuntamente con el museo Städel, de Fráncfort, y que estará abierta hasta el 8 de junio, permite al visitante hacerse una idea muy completa de la extraordinaria maestría y versatilidad de un pintor cuya influencia llega hasta Picasso, Modigliani y, actualmente, el estadounidense John Currin.

Fuente: EFE

Una exposición recrea en Valencia la actividad creativa del visionario Joseph Beuys.

2008-03-04T03:01:00.000-08:00

La actividad creativa del visionario artista alemán Josep Beuys, uno de los más influyentes del siglo XX, pero también el más controvertido de la posguerra, se puede recorrer en una exposición en el Instituto Valenciano de Arte Moderno (IVAM) que reúne una serie de piezas seriadas, conocidas como múltiples.

La muestra "Los múltiples", que desde hoy jueves hasta el 25 de mayo permanecerá abierta en este museo, agrupa un total de 115 obras de Beuys en las que se incluyen objetos y materiales de toda índole, como fotografías, grabados y obras impresas en distintos soportes y técnicas.
Al mismo tiempo, el visitante puede contemplar grabaciones sonoras y películas, en las que se puede desvelar sus inquietudes y las bases filosóficas de su pensamiento artístico, social y político.
La exposición, organizada por el Kunstmuseum de Bonn en colaboración con el IVAM, es la más importante de las múltiples que se ha celebrado en España de este artista alemán, según han explicado hoy en rueda de prensa los comisarios Pilar Ribal y Christoph Schreier.
En su intervención Christoph Schreier ha destacado la "compleja y difícil" personalidad de Beuys y su carácter de artista "revolucionario y subversivo", que recreó un arte involucrado con los problemas de la sociedad.
Ha dicho que Beuys fue el creador más representativo de los años cincuenta del arte alemán, el que más radicalizó sus propuestas creativas en diversos ámbitos de la creación plástica.
Por su parte, Pilar Ribal, ha señalado que Beuys asumió su papel de reformador social y su compromiso con lo social, lo que le llevó a militar en partidos políticos, como los verdes y destacar como promotor de la "democracia directa".
La directora del museo, Consuelo Ciscar, ha dicho que Beuys fue uno de los artistas alemanes más reconocidos, pero también uno de los más controvertidos, "que indudablemente ha servido de referente para las generaciones posteriores".
"Su independencia, su investigación interdisciplinar y sus reflexiones le llevaron a terrenos desconocidos que impactaron en la sociedad occidental y sirvieron de revulsivo para que el arte sintiera que podía caminar más allá de lo que las primeras vanguardias habían imaginado", ha señalado Ciscar.
La muestra "Joseph Beuys. Múltiples" abarca cinco ámbitos temáticos distintos, y agrupa distintas piezas seleccionadas entre los cerca de 555 que figuran en el museo Kunstmuseum de Bonn.
En el primer apartado el visitante puede contemplar piezas representativas de su mitología personal, como el traje de fieltro o el trineo que tuvieron una implicación fundamental en su salvamento al ser derribado su avión en la II Guerra Mundial.
El segundo se centra en una idea vital en el proyecto de Beuys como es la transformación de la energía como analogía de la capacidad de cambio y sanación de la sociedad, utilizando para ellos materiales cálidos como la grasa, la miel, la cera, el aceite o los metales.
Las obras que abarcan el tercer ámbito temático documentan acciones que Beuys realizó en el medio natural y que estaban directamente relacionadas con al emergencia de una conciencia ecológica y con su visión espiritual de la naturaleza.
El cuarto apartado se centra en la figura de Beuys como reformador social, siempre opuesto a las fuerzas políticas por medio de actividades intelectuales como escribir, enseñar o disertar.
En el quinto ámbito centrado en sus películas, Beuys actúa como actor o performer, y supone un valioso testimonio de su trabajo, de su vida y su obra.
La exposición se complementará con un ciclo de conferencias en torno a la obra y personalidad del artista alemán, el próximo mes de abril.

Fuente: EFE

Dos obras maestras de Goya, curadas de sus 'heridas de guerra'.

2008-03-04T02:59:00.001-08:00

Tres restauradores del Museo del Prado trabajan sin cesar para curar las 'heridas de guerra' de dos de los más célebres cuadros del pintor Francisco de Goya, 'La carga de los mamelucos' del 2 de mayo y 'Los fusilamientos del 3 de mayo', dañados durante la Guerra Civil española.

Se trata de la primera restauración de estas dos obras de Goya que ilustran el levantamiento popular de los madrileños contra las tropas francesas lideradas por Napoléon.
Los dos cuadros habían sido sometidos a reparaciones puntuales en estos años, pero "por primera vez" se les ha practicado un proceso completo de restauración, explicó a la AFP Manuela Mena, responsable de conservación de los cuadros del siglo XVIII de Goya.
Las dos obras estaban hasta ahora expuestas en la pinacoteca madrileña con sus 'heridas de guerra' a la vista.
Estos dos cuadros fueron restaurados con miras a la exposición 'Goya y los años de la guerra' que el Museo del Prado acogerá del 14 de abril al 13 de julio próximos, coincidiendo con las celebraciones por el bicentenario de la Guerra de la Independencia de España (1808-1814).
Cada año, dos millones de visitantes contemplan en el Prado estos dos cuadros célebres, pero pocos conocen la historia agitada de estas dos obras.
Estos cuadros resultaron dañados durante la Guerra Civil. A raíz de los bombardeos de la aviación alemana e italiana -aliada de las tropas franquistas- sobre el Museo del Prado, el gobierno de la Segunda República se vio obligado, en marzo de 1937, a trasladarlos a Valencia para protegerlos.
Durante el trayecto entre la capital y Valencia, una balconada se derrumbó sobre el camión que los transportaba, dañando los cuadros, indicó Mena.
La pintura más afectada fue la del '2 de mayo', que perdió pedazos de cabezas y de la arquitectura, explicó Mena. El cuadro del '3 de mayo', fue "sin duda el mejor colocado en el interior del camión" y "solamente" se fisuró.
"La decisión de la restauración remonta al año 2000 cuando se organizó un simposio internacional con especialistas de Goya", explicó Mena.
"Estabamos divididos entre los que no querían borrar esta huella del pasado y los que querían devolver a los cuadros la esencia que les quiso dar Goya", destacó.
Según Mena, estas cicatrices de guerra "destrozaban" la esencia de los dos cuadros, en particular el '2 de mayo'. "Sin los trozos que faltaban, no se entendía el movimiento hacia la derecha de los personajes que quiso darle Goya", añadió.
Tres restauradores están trabajando desde la primavera pasada para que la versión restaurada de las dos obras maestras esté lista en abril.
Trabajan a partir de fotografías de los cuadros tomadas antes de que fueran dañados, con el apoyo de un equipo técnico que ha hecho las investigaciones necesarias para que se acercaran lo más posible a la obra original de Goya, de cuya muerte, acaecida en Burdeos (suroeste de Francia), se cumplirán casi dos siglos el próximo 15 de abril.

Fuente: AFP

Una muestra recoge la evolución del arte alavés de finales del siglo XX.

2008-03-04T02:54:00.001-08:00

La Sala Fundación Caja Vital acoge la muestra "Dispositivos-Disposiciones", que recopila obras de distintas disciplinas artísticas producidas en Álava durante las dos últimas décadas del siglo XX, con el objetivo de provocar un análisis de una época caracterizada por los cambios políticos.

La exposición, que permanecerá abierta hasta el 17 de abril, está enmarcada dentro del proyecto de arte contemporáneo "Co(n)parada", promovido por la entidad.
A través de pinturas, esculturas, fotografías e instalaciones, pretende aproximar al público los antagonismos sociales reflejados en las corrientes artísticas más influyentes en el territorio en los ochenta y los noventa.
El objetivo de la muestra es provocar el debate en torno a la cultura de esa época, en la que el arte no escapó a la influencia de los cambios políticos y socio-económicos.
Así, la exposición recopila obras de Juncal Ballestín, Daniel Castillejo, Iñaki Cerrajería, Jorge Girbau, Fernando Illana o Prudencio Irazábal.
El director del proyecto "Co(n)parada", Fernando Illana, ha explicado en la presentación de la muestra que el punto de partida de las obras son los sucesos del 3 de marzo de 1976, en los que cinco obreros murieron al irrumpir los cuerpos de seguridad en una asamblea de trabajadores.
Según ha indicado, durante las décadas de las que provienen estas obras comenzó "una nueva manera de entender el arte y su relación con la sociedad".
También dentro de marco de "Co(n)parada", se realizarán otras dos actividades paralelas. Por un lado, el 28 de marzo, el artista vitoriano Juan Luis Moraza ofrecerá una conferencia titulada "Descomposición".
Junto con ésta, el zaragozano Fernando Sinaga impartirá un taller dirigido a creadores en activo y a alumnos de Arquitectura, Filosofía, Bellas Artes o Historia del Arte.
Con el título "Neocórtext. La visión alterada", este escultor tratará de transmitir un nuevo concepto de percepción basado en parámetros visuales y en los pensamientos inconscientes e imágenes mentales surgidas de manera involuntaria y que interfieren en la creación artística.
El taller se celebrará entre el 14 y el 18 de abril en la Sala Fundación Caja Vital.

Fuente: EFE

Los trazos vivos y abstractos del "Color Field" se instalan en el Smithsonian.

2008-03-04T02:52:00.001-08:00

Los trazos abstractos de las grandes figuras del movimiento estadounidense "Color Field" teñirán desde mañana las paredes del museo Smithsonian, en una muestra de vivos colores que, ajenos a las normas cromáticas, se mezclan entre sí.

A lo largo de 39 gigantescas obras, la exposición instalada en Washington DC recorre el significado e impacto de este movimiento abstracto, que nació en Estados Unidos a principios de los años cincuenta.
Bajo el nombre de "Color as Field: American Painting, 1950-1975", la muestra se podrá ver desde el viernes 29 de febrero al próximo 26 de mayo en el museo Smithsonian de Arte Americano.
Aparecido en los años posteriores al final de la II Guerra Mundial, el movimiento se caracteriza por la creación de una amplia gama cromática en titánicos lienzos crudos mediante cremas, manchas, pulverizaciones, y rebajamiento de las pinturas.
La comisaria de la muestra en Washington D.C., Joanna Marsh, destaca que "esta exposición presenta algunas de las pinturas más exquisitas del 'Color Field', algunas de las cuales pertenecen a colecciones privadas y pocas veces se han exhibido en ocasiones anteriores".
Además, "es una maravillosa oportunidad para ser testigo de la conversación que tuvo lugar en las décadas de los años cincuenta y sesenta entre las celebridades del movimiento, como Frankenthaler, Louis, Noland y Olitski", remarca Marsh.
Estructurada en tres secciones, "Color as Field: American Painting, 1950-1975" repasa los orígenes de este movimiento estadounidense, sus pioneros y los últimos artistas que ampliaron los límites de la pintura.
La exposición arranca de la mano de los expresionistas abstractos Mark Rothko y Barnett Newman, entre otros, conocidos por su predilección por la extensión de los colores puros.
Entre el legado de la primera etapa de la corriente destacan las pinturas al óleo "Number 18" (1951) de Rothko, "Horizon Light" (1949) de Newman o "Yellow Hymn" (1954) de Hans Hofmann.
El siguiente eslabón de la muestra se centra en los primeros artistas asociados propiamente con el movimiento -Frankenthaler, Louis, Noland y Olitski-.
De entre sus obras, la exposición presenta "Flood" (1967) de Frankenthaler, "Loam" (1958) de Louis, "Eathern Bound" (1960) de Noland o "Cleopatra Flesh" (1962) y "Julius and Friends" (1967) de Olitski.
La selección artística concluye con las últimas pinturas datadas entre mediados de 1960 y principios de 1970 de Jack Bush, Gene Davis, Friedel Dzubas, Sam Gilliam, Larry Poons y Frank Stella.
"Red Pink Cross" (1973) de Bush, "Green Web" (1967) de Gilliam, "Yellow and Brown Womb" (1972) de Poons o "Flin Flon IV" (1969) de Stella, representan las últimas tendencias de esta corriente estadounidense.
Tras su inauguración en Denver el paso otoño, "Color as Field: American Painting, 1950-1975" concluirá su recorrido en el Centro de Artes Visuales de Nashville (Tennessee), dónde se podrá visitar entre el próximo 20 de junio y el 21 de septiembre.
Paralelamente a la exposición, la Federación Americana de las Artes -organizadora de la exposición- ha editado un catálogo que recoge en 127 páginas un amplio detalle de esta corriente artística.
Dividido en ocho apartados, la publicación aborda tanto la trayectoria de los artistas más notorios del movimiento como la evolución de las obras dentro de la misma corriente y sus influencias artísticas.

Fuente: EFE

La Biblioteca Nacional expone desde hoy los grabados de Goya sobre la guerra.

2008-03-04T02:49:00.001-08:00

La Biblioteca Nacional alberga desde hoy, y hasta el próximo 25 de mayo, la exposición "Miradas sobre la Guerra de la Independencia", una muestra que incluye dibujos y grabados con los que Francisco de Goya expresó los horrores de este conflicto.

"Miradas sobre la guerra" muestra el horror de la violencia y el sufrimiento de la población durante la Guerra de la Independencia, así como las distintas interpretaciones que en su época se hicieron del conflicto.
El catedrático de Historia del Arte de la Universidad Complutense Valeriano Bozal ha sido el encargado de seleccionar los más de 150 dibujos, grabados, estampas, documentos, libelos y mapas que componen esta exposición, para la que ha contado, principalmente, con fondos de la Biblioteca Nacional, aunque también ha habido aportaciones de otros museos como el Prado, el British de Londres, el de Edimburgo o la Biblioteca Nacional francesa.
La exposición dedica su primera sala a los protagonistas de la guerra, con retratos de Fernando VII, Napoleón, José Bonaparte y Godoy, para después abordar los antecedentes de la guerra, con imágenes de la caída de Godoy y la proclamación de Fernando VII, antes de centrarse en los hechos de la contienda.
"Los desastres de la guerra" -la serie de grabados que realizó Goya- ocupan la parte central de la muestra, que no se detiene en 1814, con el final de la guerra, sino que avanza hasta el final del trienio liberal, en 1823, para analizar las consecuencias políticas del conflicto, una sección que recoge diversas páginas de la Constitución de Cádiz de 1812 y dibujos satíricos.
La exposición termina su recorrido con el regreso de Fernando VII y la vuelta al absolutismo, y exhibe el decreto del rey por el que anula la Constitución de Cádiz.

Fuente: EFE

Venden un luminoso retrato infantil pintado por Van Gogh poco antes del suicidio.

2008-03-04T02:47:00.000-08:00

Un luminoso retrato infantil pintado por Vincent Van Gogh (1853-1890), y cuyo radiante optimismo contrasta poderosamente con la inminente tragedia de su suicidio, se pondrá a la venta el próximo mes en la feria de arte de Maastricht (Holanda).

La obra, titulada "L' Enfant à l'orange", fue adquirida en 1916 a la familia del matrimonio suizo Arthur y Hedy Hahnloser, fundadores de la colección de arte "Villa Flora", de Winterthur (Suiza), y desde entonces ha pertenecido a la misma familia.
Ahora se ofrece por un precio que supera los 30 millones de dólares, según dijo a EFE una portavoz del marchante británico Dickinson, encargado de su venta.
La rubia criatura de aspecto angélico y radiante sonrisa es Raoul Levert, hijo de un carpintero local, que tenía entonces sólo dos años y al que Van Gogh pintó en el albergue Ravoux, de Auvers-sur-Oise, localidad próxima a la capital francesa.
La identidad del retratado fue confirmada por Adeline Ravoux, hija del dueño del albergue, que aparece junto al pequeño Raoul a la puerta de aquella residencia en una fotografía tomada en 1890.
Se cree que el carpintero, llamado Vincent Levert, hizo algunos de los marcos utilizados por el pintor para sus lienzos e incluso es posible que hiciera el del cuadro que representa a su hijo.
"L' Enfant à l'orange" es uno de varios retratos luminosos de niños que pintó Van Gogh en Auvers en los últimos meses de su vida.
La luminosa energía con que está pintado traduce una alegría de vivir que no parece en absoluto presagiar lo que iba a ocurrir poco después.
Aparentemente feliz de estar de nuevo en el norte de Francia, Van Gogh pintó febrilmente más de ochenta cuadros en poco más de dos meses, es decir a un ritmo superior a los dos cuadros al día.
"Las pinceladas me vienen como en un mecanismo de relojería, así que confiando en ello, me atrevo a pensar que encontraré el equilibrio en el norte", escribió Vincent a su hermano Theo.
Poco antes de iniciar ese último viaje de su vida, Van Gogh había anunciado su intención de volver a pintar campesinos y paisajes.
El artista dejó St. Rémy, donde había estado un año recluido en un hospital para enfermos mentales, y pasó algunos días en París junto a su hermano, su cuñada y el hijo pequeño de ambos.
Éste, llamado Vincent como el pintor, del que era además ahijado, se convirtió inmediatamente en una fuente de alegría e inspiración para el artista, que en Auvers comenzó a pintar retratos de niños de aspecto feliz y mejillas sonrosadas.
En Auvers, Van Gogh iba a estar al cuidado de Paul Gachet, un doctor especializado en homeopatía y coleccionista de arte que le había recomendado a Theo el pintor Camille Pissarro y a quien aquél inmortalizó en un famoso retrato.
Las cartas que escribió Van Gogh desde Auvers reflejan su inmensa alegría de poder disfrutar finalmente de libertad tras su aislamiento en Saint-Remy.
Nada más llegar allí, Van Gogh se puso a trabajar: "Hace un tiempo estupendo. Y me siento tan bien. Me acuesto a las nueve aunque suelo levantarme a las cinco (...) Y espero que dure esta sensación que tengo de dominar mucho más los pinceles que cuando fui a Arles", escribió a Theo.
El 5 de junio de aquel año, Vincent envió a su hermana Wilhelmina una carta en la que habla de su pasión por el "retrato, el retrato moderno":"Me gustaría pintar retratos que después de un siglo fueran como apariciones para la gente que viviera entonces".
Los niños rechonchos y las mujeres de aspecto saludable que pintó Van Gogh en sus últimos meses en Auvers se han interpretado como un intento gráfico de convencer a su hermano y a su cuñada de que debían llevarse al campo al pequeño Vincent en lugar de seguir viviendo todos ellos en el aire contaminado de París.
Tras el suicidio del artista con un arma de fuego, "L'Enfant à L'Orange" junto a otros cuadros suyos hoy famosos como "La Iglesia de Auvers" o "Lirios", además de su paleta y sus pinceles, se colocaron en el cuarto del albergue Ravoux donde se veló su cadáver.

Fuente: EFE

Cien años de la pincelada metafísica de Balthus.

2008-03-04T02:40:00.001-08:00

El pintor Balthus habría sido centenario, hoy, 29 de febrero, ese día que aparece y desaparece cada cuatro años del calendario y que, como sugirió su fiel amigo el poeta Rainer Maria Rilke, le incitó a pensar que en el "crac" que se produce entre la noche del 28 de febrero y el 1 de marzo se hallaba su inspiración, su nacimiento.

La pincelada de Balthus estampó finas veladuras de pigmentos a la usanza de Delacroix sobre las telas de los lienzos, tratadas con "gesso" -como los maestros italianos Piero della Francesca y Masaccio de los que bebió, copió e imitó-, para llegar a la belleza, a la esencia del alma, al interior, al silencio de lo que perdura y de lo que es esencia en el ser humano.
Balthus -cuyo nombre era Baltasar Klossowski de Rola (1908-2001)- fue autodidacta, pero, como él indica en sus "Memorias", desde su más tierna infancia nació y creció en una familia linajuda de origen polaco con un ambiente totalmente favorable para desarrollar su talento artístico.
Su padre, Erich Klossowski, era un historiador y crítico de arte, y su madre, Elizabeth Dorotea Spiro, era pintora y tras su separación, en 1919, se hizo amante del poeta alemán Rainer Maria Rilke, quien propuso al joven Balthus, de 12 años, la edición de su libro "Mitsou. Historia de un gato", en la que con unos trazos sencillos de tinta negra se trata el tema de la pérdida de un gato que había encontrado un niño.
Esta primeriza influencia de una novela china le hizo al autor de "Las Elegías de Duino" creer que el pequeño Balthus albergaba una sensibilidad refinada, propia de unos pocos elegidos, y entabló una amistad irrompible con él, manteniendo una correspondencia que está recopilada bajo el título "Cartas a un joven pintor".
Así, el conde Balthus, a pesar del surgimiento de los movimientos de vanguardia, cultivó en pleno siglo XX su estilo, rezó ante sus cuadros, acarició sus telas y trabajó teniendo en cuenta las enseñanzas de los pintores renacentistas.
"La mayoría de los que se dedican al llamado arte contemporáneo son unos imbéciles", afirmaba el artista, que admiró a los españoles Picasso, Miró y Tapiès y mantuvo amistad con relevantes personalidades como el escultor y pintor suizo Alberto Giacometti, el fotógrafo francés Henri Cartier-Bresson, los escritores Andrè Gide y Antonin Artaud y el cineasta italiano Federico Fellini.
Su máxima era "pintar como se reza", y así era: antes de comenzar una nueva obra, Balthus rezaba y contemplaba la disposición de los colores, la lectura a través de la composición y sus diagonales, meditaba observándola, incluso cuando en el ocaso de sus días -cuando apenas veía y no podía leer- sus pupilas captaban la luz para pintar "bajo el signo de lo espiritual".
Esta necesidad de la pintura como verdad y forma de "acceder al misterio de Dios" en sus retratos y en sus pinturas de niñas en poses inocentes, desnudas o sensuales, generó controversia en una parte de la sociedad, lo que le llevó a recibir calificativos de su obra de toda clase, desde erótica hasta pederasta.
Su punto de vista convergía con el del escritor Lewis Carroll con su "Alicia en el País de las Maravillas", a la hora de "plasmar el encanto de la infancia", ya que como decía Balthus se interesaba en la "lenta transformación del estado de ángel al estado de niña", no en el aspecto más material, superficial y erótico, sino en el paso etéreo del ser, de su transformación.
Tal vez, hoy, en pleno siglo XXI, en el que en cierta medida hay una contradicción entre la enseñanza académica y el mercado del arte, cabe recordar al artista contemporáneo una frase de Balthus: "Desde pequeño me enseñaron a admirar el pasado y respetarlo como un medio para avanzar uno mismo".
Este artista -que fue maestro de la composición y que su pincelada fue tan refinada que la piel de las niñas se deja sentir en el silencio de los espacios retratados en los lienzos, que capturan el tiempo- es memorable más allá de su natalicio.
Así, quien no conozca su obra, contémplela. Como le dijo Balthus en un telegrama al crítico de arte inglés John Russell con motivo de una retrospectiva en la Tate Gallery de Londres: "Empiece así: Balthus es un pintor del que no se sabe nada. Ahora podemos mirar sus cuadros".
Para la pintura suprema de este maestro sobran las palabras.

Fuente: EFE

Filadelfia celebra a Frida Kahlo con una gran exposición.

2008-03-04T02:37:00.000-08:00

Más de 40 pinturas y un centenar de fotografías de Frida Kahlo invitan al público estadounidense a acercarse a la vida y obra de esta fallecida pintora mexicana en una exposición que celebra el centenario de su nacimiento en el Museo de Arte de Filadelfia.

La muestra, que se extenderá hasta el 18 de mayo en esta ciudad del estado de Pennsylvania (este), combina pinturas de Kahlo jamás exhibidas en Estados Unidos como el famoso óleo 'Las dos Fridas' (1939), con fotografías de la artista y su entorno.
"Realmente queríamos tener 'Las dos Fridas' porque nunca había sido mostrado en Estados Unidos antes", resaltó Michael Taylor, curador de arte moderno del Museo, en entrevista con AFP.
"Recibimos el 95% de los trabajos que queríamos" para la exposición, señaló. "Parece una muestra grande, pero es también lo mejor de su trabajo", se felicitó Taylor.
A través de una decena de salas, el recorrido propone conocer la obra pictórica y aspectos de la vida de Kahlo a través de fotografías en blanco y negro en las que se reconocen "los cambios que experimentó" a lo largo de su existencia y también "la construcción de su identidad", explicó el curador.
Un 'Autorretrato con monos' de 1943 da la bienvenida al universo cargado de colores y significados en clave de Kahlo, a la cual también se observa junto a su marido, el muralista mexicano Diego Rivera, en 'Frida y Diego' de 1931.
Hechas las presentaciones para el público estadounidense, que asiste a la mayor exposición de Frida Kahlo organizada en los últimos 15 años en Estados Unidos, la invitación es a entrar en la vida personal de la artista a través de fotos colgadas de los muros del museo preservadas en álbumes familiares.
Frida Kahlo sola o con Diego Rivera, Diego Rivera pintando, Frida Kahlo con su familia, la artista en su Casa Azul de Coyoacán, en Ciudad de México; imágenes de la pareja en Nueva York o París se mezclan con personajes universales que pasaron por sus vidas como León Trotsky o André Bretón.
La muestra tiene varios puntos altos, con obras mundialmente famosas como 'La columna rota', de 1944, en la que Kahlo refleja el sufrimiento que padeció a lo largo de su vida por las heridas causadas por un accidente de tráfico en 1925.
También, en momentos en que la inmigración ilegal es un tema sensible en suelo norteamericano, la exhibición destaca el 'Autorretrato en la frontera entre México y los Estados Unidos', de 1932.
Kahlo aparece allí en un vestido rosado con una pequeña bandera mexicana en sus manos, dividiendo en dos el cuadro que a uno y otro lado deja en equilibrio paisajes y objetos que representan a las dos culturas a lo largo de la frontera entre los dos países.
La exposición está acompañada por textos explicativos en inglés y en español.
"Voy muy poco a museos pero ésta era una ocasión especial", dijo a AFP David Romo, mexicano de 35 años oriundo del Distrito Federal, quien para ver la muestra viajó especialmente desde Nueva Jersey en donde reside y trabaja en el sector de la construcción.
Para Ricardo Dackstean, jubilado de 73 años residente en Filadelfia, aunque hay algunos aspectos de la vida de Khalo "que son ignorados" en la muestra, se trata de una "interesante exposición". "Muchos estadounidenses no estaban familiarizados con su trabajo", destacó.
La última de las pinturas de la selección aparece sola al final de una sala. 'El abrazo de amor del universo, la tierra (México), Diego, yo y el señor Xólotl', de 1949, impresiona por su fuerza.
"Creo que es una de las más fuertes imágenes" de Frida Kahlo, explica el curador. "Realmente queríamos tener una pintura fuerte al final. Se sabe (así) que ella fue una gran pintora hasta el final mismo" de su vida, dijo.

Fuente: AFP

Trece equipos interdisciplinares concurrirán a la restauración del Pórtico de la Gloria.

2008-03-04T02:32:00.000-08:00

Trece equipos interdisciplinares optarán a la adjudicación del concurso para la ejecución de las primeras fases de los proyectos de conservación y restauración del Pórtico de la Gloria y de las pinturas murales de la Capilla Mayor de la catedral de Santiago de Compostela.

Los equipos elegidos tienen sus sedes en Galicia, el resto de España, Italia y Francia, y han sido seleccionados entre cuarenta empresas especializadas de toda Europa.
Estos trabajos de restauración y conservación en la catedral compostelana serán financiados con 3 millones de euros por la Fundación Pedro Barrié de la Maza.
Para este proceso de selección, la Comisión de Seguimiento (órgano gestor del Programa Catedral de Santiago de Compostela, integrado por representantes del Cabildo catedralicio, el Arzobispado y la Fundación Barrié) ha contado con el asesoramiento técnico de la Dirección Xeral de Patrimonio de la Consellería de Cultura y del Instituto de Patrimonio Histórico Español (IPHE).
Para desempeñar la dirección técnica de ambos proyectos la Comisión de Seguimiento ha designado a la restauradora Concha Cirujano, del IPHE.
Cirujano ha sido responsable de la dirección de numerosos proyectos de restauración de relevancia, entre ellos los acometidos en las portadas de la catedral de Sevilla o el claustro de San Jerónimo el Real en Madrid. También ha sido ponente para la restauración de la Fuente de los Leones de la Alhambra de Granada.
Durante la duración de los trabajos, la Comisión estará asesorada por un comité científico integrado por prestigiosos expertos, entre ellos representantes del Instituto de Patrimonio Histórico Español y del International Council on Monuments and Sites (ICOMOS).
Una vez esté instalado un sofisticado andamio visitable en el Pórtico de la Gloria, ya aprobado por la Dirección Xeral de Patrimonio, la Fundación Barrié organizará visitas guiadas para pequeños grupos en torno a la huella del Maestro Mateo en la Catedral.
Estas visitas incluirán una parada inédita sobre el andamio a nivel de tímpano del Pórtico de la Gloria, en lo que será una oportunidad única para conocer desde una perspectiva diferente a la habitual la pieza más emblemática del conjunto catedralicio.
La intervención sobre el Pórtico de la Gloria y en la Capilla Mayor se realizará en fases diferenciadas que permitan la puesta a punto de ambos conjuntos para al Año Santo de 2010.

Fuente: EFE

El arte de Gerardo Rueda llega por partida triple a Nueva York.

2008-03-04T02:25:00.000-08:00

La pintura y la escultura del fallecido artista Gerardo Rueda, considerado uno de los más relevantes pintores españoles de la segunda mitad del siglo XX, protagonizan desde hoy tres exposiciones en Nueva York.

La obra de Rueda, artista capital del modernismo español de la segunda mitad del siglo XX que murió en 1996, estará presente en la Gran Manzana desde hoy hasta el próximo 30 de abril, gracias a tres exposiciones que muestran, mediante pinturas, esculturas y maquetas, la importancia del creador madrileño.
Bajo los títulos de "Gerardo Rueda: Maquetas de esculturas", "Gerardo Rueda: Construcciones 1945-1996" y "Gerardo Rueda: modernista español", el público neoyorquino puede descubrir la importancia de uno de los principales exponentes del conocido "grupo de Cuenca", ciudad en la que creó el Museo de Arte Abstracto Español.
El Queen Sofia Spanish Institute y el Centro para Graduados de la Universidad de la Ciudad de Nueva York (CUNY) unieron sus fuerzas con la Fundación Gerardo Rueda y el Instituto Valenciano de Arte Moderno (IVAM) para instalar unas exposiciones que pretenden fomentar la presencia del arte de Rueda en la ciudad de los rascacielos, donde su obra se ha expuesto en contadas ocasiones.
"Rueda expuso en el Museo de Arte Moderno (MoMA) de Nueva York en los años sesenta junto a un grupo de artistas españoles, pero su primera muestra en solitario en la ciudad fue en 2002, seis años después de su muerte", explicó hoy a Efe Barbara Rose, comisaria de las tres exposiciones neoyorquinas, durante la apertura de la que acoge maquetas del artista en la sede del Queen Sofía Institute.
Esa exposición recoge "una decena de maquetas que Rueda ideó para esculturas públicas monumentales", según dijo Rose, a quien le hubiera gustado que algunas de ellas se instalaran en Park Avenue, aunque "al menos, se podrán ver en Dallas (Texas) y también en el Paseo del Prado de Madrid".
"Es emocionante que tres exposiciones coincidan en el tiempo en Nueva York ya que es un respaldo a la labor que José Luis Rueda, hijo del pintor, realiza con la fundación para fomentar la obra de su padre", dijo a Efe Antonio Chamizo, colaborador del artista durante veinticinco años.
Según Chamizo, las obras que se exponen en la Gran Manzana, "sobre todo las esculturas", son "las que tienen más peso dentro de la obra de Rueda, ya que algunas de estas esculturas se han llegado a realizar en tamaño monumental".
"A Gerardo, le hubiera gustado contar con tres exposiciones en Nueva York. Era un hombre muy normal, sencillo, pero que, a veces, le subía la adrenalina. Creo que está, en presente, encantado", aseveró el colaborador de Rueda.
Con motivo de la inauguración de la muestra del Queen Sofía, el psiquiatra español Manuel Trujillo, que lleva cuatro décadas radicado en Nueva York presentó el libro "Gerardo Rueda: La mágica imaginación de un genio", en el que analiza la afición de Rueda por el coleccionismo.
"Se trata de un libro sobre la imaginación de Gerardo Rueda. Además de su gran contribución a la escultura y a la pintura, el artista ofrecía una faceta muy entrañable: la de coleccionista, que lo llevó a recoger unos 2.000 objetos de lo más variado", explicó a Efe Trujillo.
Los objetivos del autor, que se considera "amigo póstumo" de este artista conocido por un estilo en el combinaba algo tan típico como el bodegón español con el minimalismo norteamericano, fueron, "primero, descubrir cuáles eran los fundamentos psicológicos de su pintura y escultura y, después, descifrar de dónde procedía ese interés coleccionista".
"Rueda se debatía entre dos tendencias de su personalidad: lo que se podría llamar la tendencia apolónica, que lo llevaba a buscar la perfección de la forma, y, en su madurez, la dionísica y participativa", dijo el autor, para quien el artista consiguió "el equilibrio óptimo entre ambas en su afición por el coleccionismo".
Según Trujillo, "en la madurez de Rueda ya aparece la obra pura contrastada con objetos que recogía de los sitios más peregrinos, como latas oxidadas del desierto de Egipto".
"Gerardo Rueda: Maquetas de esculturas" estará abierta al público hasta el próximo 30 de abril, mientras que "Gerardo Rueda: Construcciones 1945-1996" cerrará sus puertas el día 11 y "Gerardo Rueda: modernista español" lo hará el 14 del mismo mes.

Fuente: EFE

Una exposición en Sevilla confirma que Santa Rufina fue pintada por Velázquez.

2008-03-04T02:14:00.001-08:00

El "Centro de Investigación Diego Velázquez" ha inaugurado hoy una exposición temporal sobre el pintor sevillano en la que se confirma su autoría en el lienzo Santa Rufina, que actualmente pertenece a la Fundación Focus-Abengoa.

Junto a la exposición, "En torno a Santa Rufina: Velázquez de lo íntimo a lo cortesano", un libro, del mismo título y elaborado, entre otros, por los expertos Benito Navarrete Prieto y Carmen Garrido -ambos presentes en el acto inaugural-, recorren la historia de este lienzo desde que se localizara en la colección de la Casa de Alba a finales del siglo XVIII.
La muestra se compone de cuatro lienzos que van desde lo íntimo representado a través de las obras Santa Rufina o Una Sibila (1630-31) hasta lo cortesano por medio del retrato de La Infanta doña María reina de Hungría (1630) y La imposición de la casulla de San Ildefonso (1622-23).
El itinerario de la exposición empieza con una serie de cuadros explicativos que demuestran las coincidencias existentes entre el lienzo de Santa Rufina y otras obras del pintor hispalense para después permitir al visitante entrar en sala donde están expuestos los cuatro lienzos.
En los paneles se explican la descarga de los pinceles, la comparación de la tipología de las figuras humanas, la composición de rostros, los aspectos técnicos, el trabajo con el pincel y la comparación de tocados y de cabello que emplea el pintor en el lienzo de Santa Rufina con otras obras suyas de diferentes períodos.
La muestra, que incluye dos cuadros cedidos por el Museo del Prado y otro por el Ayuntamiento de Sevilla, permanecerá abierta todos los días de 10.00 a 14.00 horas y de 16.00 a 20.00 horas hasta el 4 de mayo en la Plaza de los Venerables.

Fuente: EFE

'El grito' y 'Madonna' de Munch se expondrán de nuevo en mayo.

2008-03-04T02:12:00.001-08:00

Los cuadros 'El grito' y 'Madonna', las obras maestras del pintor noruego Edvard Munch dañadas tras su robo en el año 2004, volverán a ser expuestas en el museo Munch de Oslo a partir del próximo mes de mayo, una vez concluida su restauración, anunció este lunes el museo en un comunicado.

La restauración "está terminando" y los cuadros formarán parte de la exposición de este verano, del 23 de mayo al 26 de septiembre. El proceso de restauración ha sido "largo y exigente", según el museo, el cual precisó a la AFP que, en la esquina izquierda de 'El grito', será "ligeramente distinguible una huella de humedad".
'El grito' y 'Madonna' fueron robados el 22 de agosto de 2004 en un ataque espectacular a mano armada perpetrado en pleno día por unos hombres encapuchados. Se encontraron dos años más tarde, en circunstancias que siguen siendo misteriosas.
Estaban desportillados, arañados, perforados y con restos de humedad. 'El grito', uno de los cuadros más conocidos del mundo, representa un aterrorizado rostro fantasmagórico con la boca y los ojos muy abiertos sobre un fondo de colores vivos, lo que hace de él un símbolo de la angustia humana.
'Madonna' representa a una mujer de cabellos largos y negros con el torso desnudo. Ambas obras fueron pintadas en varios ejemplares, aunque las versiones en posesión del museo de Oslo se consideran las más conseguidas. Precursor del expresionismo, Munch vivió entre 1863 y 1944.

Fuente: AFP

El MoMA realiza su primera gran exposición sobre el uso del color en el arte.

2008-03-03T01:01:00.000-08:00

La influencia del color en el arte de los últimos sesenta años y la manera en que lo utilizaron artistas como Andy Warhol, Frank Stella o Damien Hirst forman parte de una exposición que hoy se abre en el Museo de Arte Moderno (MoMA) de Nueva York.

"Paleta de Colores: Reinventando el color, de 1950 a hoy" es el título que la prestigiosa institución de la Gran Manzana ha dado a una muestra en la que aparecen los trabajos de una cuarentena de artistas de la segunda mitad del pasado siglo y que se podrá visitar hasta el 12 de mayo.
"Se celebra una paradoja: la exuberante belleza que se produce cuando los artistas asignan un color a decisiones o a un sistema arbitrario", dijeron los organizadores.
Entre los artistas que se aventuraron a utilizar el color en sus obras y a colocarlo en un lugar central están Andy Warhol, Frank Stella, Ellsworth Kelly, Gerhard Richter, Sherrie Levine y Damien Hirst, entre otros, con obras presentes en esta exposición.
Los expertos del MoMA dijeron, mediante un comunicado de prensa, que desde la segunda mitad del pasado siglo hasta ahora, la manera en que algunos de esos artistas tuvieron de contemplar aspectos espirituales se volcaron sobre el color, dando lugar a "obras de arte producidas al por mayor y productos comerciales estandarizados".
Así "Paleta de colores" es la primera gran exhibición que se dedica a un aspecto del arte considerado como esencial, agregaron.
Además de exponer las obras de esos artistas que tanto jugaron con el color, el MoMA ha abierto un espacio interactivo para que niños y adultos puedan experimentar con los colores, mediante enormes pizarras magnéticas, juegos y otras actividades.

Fuente: EFE

Una exposición muestra vínculos y fusión entre las culturas española y andina en Valencia.

2008-02-27T01:06:00.001-08:00

El Centro del Carmen de Valencia ofrecerá entre mañana y el próximo 13 de abril una exposición de 150 piezas que muestra la vinculación entre la cultura mediterránea y la cultura andina, así como la fusión entre ambas y su transformación en América.

La muestra, que lleva por título "Del Mediterráneo a los Andes", quiere dar a conocer "la impronta que se llevó desde España hasta los países andinos" y cómo éstos la asumieron y la transformaron para contribuir, en opinión del director territorial de la Obra Social de la Caja del Mediterráneo (CAM), Vicente Botella, "a formar sus señas de identidad".
A la presentación de la exposición han asistido también el secretario autonómico de Cultura, Rafael Miró, y el comisario de la exposición, Félix Jiménez, quien ha destacado la "igualdad" con que se ha planteado esta iniciativa.
Jiménez ha señalado que la exposición consta de cinco partes, de las cuales las dos primeras se remontan a la época previa a la colonización, tanto del mundo mediterráneo como del andino, mientras que la tercera, denominada "El viaje a los Andes", recorre los descubrimientos más emblemáticos de los países americanos.
La cuarta parte, donde se han incluido 150 objetos de cerámica, textil y joyería, pretende descubrir "los cambios que supuso la aportación de la cultura mediterránea en la vida cotidiana de estos países".
La exposición se completa con un apartado dedicado al mundo ideológico con una amplia colección de elementos litúrgicos, donde destaca la Virgen de la Espera como representación de la fusión entre ambas culturas.
En este sentido, Botella ha resaltado la importancia social de mostrar este proceso, que a su juicio "roza la parte solidaria", para comprenderlo y entenderlo, algo que también ha destacado el comisario de la exposición por el "papel integrador de la muestra".
La exposición ha sido organizada por la Obra Social de la CAM y ha contado con la colaboración de la Generalitat y el Consorcio de Museos de la Comunitat Valenciana, así como por colecciones privadas iberoamericanas y los museos del Traje y Arqueológico de Alicante, entre otras instituciones culturales.

Fuente: EFE

La Casa Cordón acoge las obras de arte barroco de artistas representativos del Siglo XVII y XVIII.

2008-02-26T12:14:00.000-08:00

La Casa del Cordón de Burgos acoge desde hoy y hasta el 4 de mayo la exposición "Espíritu barroco. Colección Granados", que reúne 59 pinturas y esculturas de algunos de los artistas españoles más representativos del siglo XVII y parte del XVIII.

Según ha explicado uno de los comisarios de la muestra, Javier del Campo, se trata de la exposición más ambiciosa realizada hasta ahora de la colección privada de Miguel Granados Pérez, que reúne obras de la denominada "cultura antigua española" que abarca desde finales del gótico hasta parte del siglo XVIII.
En la Casa del Cordón pueden verse en esta muestra obras de artistas tan relevantes como Zurbarán, Murillo, Claudio Coello, Mateo Cerezo, Francisco Pacheco, José de Mora o Alonso Cano, entre otros.
Además se exhibe el conjunto de esculturas de Pedro Mena y una colección de bodegones de los artistas más importantes en esta especialidad pictórica de la época, como son, entre otros, Sebastián Martínez Domedel, Juseppe Leonardo, Felipe Diriksen.
Según el comisario de la muestra, Miguel Granados es un coleccionista "nada habitual" se trata de un "gran experto" que selecciona mucho las obras que adquiere.
Miguel Granados ha explicado que su colección privada, que guarda en su palacete del siglo XVII, no reúne obras de arte más moderno y vanguardista "porque en la vida hay que seleccionar y no se puede abarca todo".
Ha sido explícito al afirmar, en la presentación de la exposición de Burgos, que en su opinión "el arte más genuino español es el que pertenece al Siglo de Oro" y ha agregado que su colección es "intencionada" porque reúne piezas de todas las escuelas y pintores.
Según los responsables de Caja de Burgos, entidad que organiza la exposición, es la muestra más "ambiciosa" de las nunca realizadas hasta ahora de esta colección privada, que casi no ha sido mostrada al público salvo exposiciones parciales y préstamos y cesiones determinadas.
La muestra, según del Campo, propone un recorrido por la pintura y la escultura española durante el período de vigencia del barroco en España.
Está dividida en cuatro capítulos y pretende simbolizar, de un modo didáctico, la realidad del hombre durante uno de los períodos más emblemáticos y creativos de la cultura y el arte español.
Los responsables de Caja de Burgos han destacado, como una de las aportaciones más importantes para facilitar el acceso del arte a todos los ciudadanos, la puesta en servicio de un grupo de "audioguías", para que puedan también recibir explicaciones en las visitas guiadas los discapacitados auditivos.
Con motivo de esta exposición Caja de Burgos organiza visitas guiadas, un ciclo de cine y talleres didácticos para escolares.
Se trata de la exposición número 54 que Caja de Burgos organiza en su centro expositivo de la Casa del Cordón, un lugar que, según Miguel Granados, es tan extraordinario que ha sido una de las causas por las que ha decidido ceder parte de su colección para esta iniciativa cultural.

Fuente: EFE

Los "secretos" del Santo Oficio, expuestos en Roma

2008-02-26T12:06:00.000-08:00

Una década después de la apertura oficial de los archivos del Santo Oficio del Vaticano, numerosos documentos raros y preciosos son exhibidos por primera vez al público en una exposición organizada en Roma con el fin de develar los "secretos" de la temida época conocida como la Inquisición.

Bajo el título 'Raros y preciosos', la muestra abierta al público este jueves hasta el 14 de marzo en el céntrico Vittoriano, permite descubrir el ambiente religioso, cultural, artístico, literario y político en el que surgió el tribunal eclesiástico, instituido en el siglo XII para acabar con la herejía.
Entre los documentos expuestos, muchos de ellos frágiles, escritos con tintas vegetales, figura el sobrecogedor índice del archivo del tribunal, el misal de un santo del siglo XVII que creía ser la reencarnación de Cristo, así como las primeras plantas de los barrios judíos de Italia y los decretos con los que la Iglesia ordenaba censurar libros.
Inaugurada con ocasión de un seminario en Roma sobre la historia y los archivos de la Inquisición, la exposición exhibe sobre todo documentos únicos e inéditos y evita presentar los célebres instrumentos de tortura con los que la Inquisición y el Santo Oficio pasaron a la historia.
"Gozaba de muchas competencias, en principio todo tenía que ser revisado por el Santo Oficio", explicó a la prensa Marco Pizzo, entre los curadores de la exposición junto con Alejandro Cifres, director del Archivo de la Congregación para la Doctrina de la Fe, ex Santo Oficio.
Para dar a conocer otra visión de ese momento histórico, los curadores se sirvieron de los documentos guardados por siglos en el Vaticano y que tan sólo desde hace una década pueden ser consultados por historiadores y estudiosos.
"Se descubre una imagen del Santo Oficio muy diferente a la que pasó a la historia. Su tarea no era sólo reprimir y censurar sino que abordaba otros ámbitos", sostiene Pizzo.
Entre las curiosidades exhibidas se encuentra el modelo del Santo Oficio con el que se ordena realizar el retrato de Pío V y las anotaciones de las censuras a los textos del célebre escritor italiano de inicios del Renacimiento, Ludovico Ariosto, autor del célebre poema 'Orlando furioso'.

Fuente: AFP.

Óleo atribuido Modigliani se depositará en el Museo de BB.AA tras estudio y restauración.

2008-02-26T11:57:00.000-08:00

Un cuadro atribuido a Amedeo Modigliuani, pintor y escultor italiano integrante de la Escuela de París, quedará depositado temporalmente en el Museo de Bellas Artes de Valencia después de que sea sometido a un proceso de análisis,expertización y restauración.

Los trabajos lo realizarán expertos del Instituto Valenciano de Conservación y Restauración de Bienes Culturales (IVACOR) quienes los someterá a diversas pruebas radiológicas y otros análisis químicos para determinar la composición de sus pigmentos.
El óleo, que se titula "La patronne", cuyo autor podría ser Modigiani, un creador plástico cuya vida estuvo marcada por una mezcla de drogas, alcohol y mujeres, fue ejecutado probablemente entre 1917 y 1919, y forma parte desde mediados de los años 30 de una colección particular cuyos propietarios quieren permanecer en el anónimo
En una rueda de prensa, la consellera de Cultura, Trinidad Miró,a la que acompañaba la directora del IVACOR, Carmen Pérez, y la restauradora Greta García, ha valorado la actividad desarrollada por el IVACOR en el análisis y expertización a la que someterá esta obra de arte.
Trinidad Miró ha indicado a los medios que "es un motivo de orgullo que se haya confiado en los expertos del IVACOR para esta restauración".
La consellera ha explicado que esta obra ha permanecido hasta la fecha inédita y nunca se ha exhibido públicamente.
Fue adquirida por un coleccionista de origen francés, amigo personal del gran pintor japonés Foujita, figura clave de las vanguardias parisinas, ha indicado Miró.
La titular del departamento de Cultura indicado que la obra se ha cedido en depósito al Instituto Valenciano de Restauración y Conservación de Bienes Culturales.
Permanecerá custodiada en el Museo de Bellas Artes de Valencia, donde el personal del Instituto de Restauración y Conservación de Bienes Culturales procederá a un análisis exhaustivo de la pintura.
Por su parte, la conservadora Greta García, experta en Modigliani, ha señalado que es muy difícil conocer la autenticidad de este tipo de obras, y para ello debe ser sometida a rigurosos estudios, que incluyen análisis radiológicos de rayos X y también químicos, para determinar la composición de pintura que se utilizó entonces.
Ha reconocido la experta que "Modigliani es uno de los pintores de la Escuela de París cuyas obras han sido más falsificadas.
Ha dicho que las pistas para conocer su autenticidad son técnicas y en este caso concreto se centra en la investigación del blanco de titanio, un compuesto muy empleado en los primeros años del siglo XX en París.
En relación al barniz que cubre la superficie pintada, Greta García ha reconocido que no era muy normal su empleo, y ha comentado que "posiblemente fue barnizado en años posteriores a su ejecución".
Greta García ha indicado que una vez analizado y expertizado se iniciara un proceso de restauración del cuadro que permanecerá por un tiempo indefinido en el Museo de Bellas Artes de San Carlos.
Finalmente, ha intervenido la directora del IVACOR, Carmen Pérez, quien ha agradecido a los propietarios del cuadro su gesto de depositarlo en el Museo de Bellas Artes de San Carlos, lo que es señal del prestigio que se tiene de los restauradores valencianos en el exterior.
Amedeo Clemente Modigliani nació en Livorno, en 1884. Se formó artísticamente en su ciudad natal y en 1906 se trasladó a París, donde transcurrió la mayor parte de su vida y creó las obras más importantes.

Fuente: EFE

La vida y cultura de Pompeya y Herculano, al descubierto, en una muestra en el Museo de Arte Romano de Mérida.

2008-02-26T11:23:00.000-08:00

Bajo el título 'Pompeya y Heculano a la sombre del Vesubio', el Museo Nacional de Arte Romano de Mérida acoge una muestra arqueológica que desvela los rasgos que caracterizaban la vida cotidiana en ambas ciudades antes de la erupción del Vesubio, en el año 79, cuyo despertar sepultó ambas poblaciones bajo un manto de lava y ceniza.

La muestra cuenta con una cuidada selección de piezas procedentes del Museo Arqueológico de Nápoles, entre los que se pueden ver todo tipo de utensilios y enseres empleados en las tareas diarias, así como joyas de plata y oro, esculturas en bronce y mármol, además de pinturas murales de aquella época e incluso la copia en yeso de tres víctimas de la erupción de dicho volcán.
Además, la exposición se complementa con obras realizadas por artistas en los siglos XVIII y XIX, fecha en la que se realizaron las excavaciones y se sacaron a la luz los tesoros sepultados por la acción del Vesubio.
En declaraciones a Europa Press Televisión, el conservador del Museo de Arte Romano donde permanecerá la exposición hasta el mes de abril, Rafael Sabio, expuso que gracias a que dichas ciudades "quedaron detenidas en el tiempo", ahora se pueden "mostrar mejor determinados aspectos de la sociedad romana" a través de los restos obtenidos.
Asimismo, apuntó que los cuadros y las acuarelas, presentes en la exposición, fueron pintados en el siglo XIX y enfocan" aspectos de la cuidad, según iban surgiendo de las cenizas a lo largo de ese siglo".
PIEZAS DESTACADAS
Respecto a las piezas más sobresalientes de esta colección, el conservador destacó "la presencia de dos importantes frescos" de la antigüedad, considerados como "muy notables", así como las esculturas originales elaboradas en mármol y en bronce.
También subrayó un sección cuya temática está dedicada al mundo femenino, donde aparecen vitrinas con bustos de mujer y sus joyas o los monumentos funerarios dedicados a las féminas, que desvelan, según explicó Sabio, "un aspecto diferente de la ciudad, como podía ser el papel de la mujer" por aquel entonces.
Entre los utensilios se recogen jarras, platos y otros recipientes de vidrio y terracota. De hecho, la muestra alberga una completa colección de cerámica donde sobresale un objeto denominado 'glirario' y que servía para que los romanos almacenaran los lirones que, al parecer, era uno de los manjares de su gastronomía.
Otro objeto curioso del recorrido es un instrumento musical, denominado Tintinabulo, que incorpora cinco campanas de bronce y se empleaba en las celebraciones religiosas que tenían lugar en Pompeya.
IMPORTANCIA GASTRONOMÍA
También resulta sorprendente una estufa de bronce de doble utilidad ya que también se utilizaba para cocinar. Entre las esculturas hay que destacar el 'Niño con Oca' y 'Apolo'.
Las personas que se encontraban visitando el museo de Mérida señalaron que la muestra les ha resultado "una sorpresa muy agradable" y que la misma es "muy representativa" de lo que se puede ver al visitar la ciudad de Pompeya.
La exposición ha sido organizada por el Ministerio de Cultura, la Embajada de Italia y el Museo Nacional de Arte Romano de Mérida en colaboración con Caja Duero. Ha estado en Madrid y de Mérida se trasladará a Valencia.

Fuente: EUROPA PRESS

Reivindican a la pintora española Remedios Varo "para que siga el camino de Kahlo".

2008-02-26T11:21:00.001-08:00

La investigadora canaria Elena Morales reivindicará el 28 de febrero en Madrid y posteriormente en México a la pintora surrealista Remedios Varo, cuya obra se ignora en España pese a que nació en Gerona en 1908, y de la que espera "que se ponga de moda y siga el camino de Frida Kahlo".

Elena Morales anuncia, en una entrevista a Efe, que tiene previsto presentar el jueves en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía su libro "Los universos mágicos de Remedios Varo e Isabel Allende. Fantasmas y Espíritus", en el que expone "multitud de coincidencias" entre los mundos creativos de la pintora catalana y la célebre autora chilena.
Posteriormente, en una fecha aún no concretada, se desplazará a México, país al que viajó la pintora tras la ocupación nazi de Francia -donde residía- en la Segunda Guerra Mundial, y donde falleció en 1963.
La presentación correrá a cargo del profesor titular de la Universidad Autónoma de Tlaxcala Alfredo Pavón y se celebrará en el Museo de Arte Moderno de México.
Para Elena Morales, que es novelista y doctora en Bellas Artes por la Universidad de La Laguna, es "inconcebible" que en España, su tierra natal, no se haya organizado ninguna celebración para conmemorar el primer centenario del natalicio de Varo, en diciembre de este año.
Varo sí es conocida en México, donde le dan "todo el realce que merece" porque es una de las artistas más importantes por su mundo creativo "totalmente personal", que la hace merecedora de ostentar la misma fama que tiene en todo el mundo la escritora chilena Isabel Allende, añade.
La pintora se rodeó de intelectuales y artistas en Barcelona y París, entre ellos el canario Oscar Domínguez o Leonora Carrington, y se la considera entre las mayores aportaciones españolas al surrealismo.
Posteriormente su obra recoge la influencia de su paso por Venezuela y México en aspectos procedentes de las culturas precolombinas y de artistas como Diego Rivera, Frida Kahlo y José Clemente Orozco.
El interés de Elena Morales por la obra de Varo se remonta a 1988, cuando asistió a una retrospectiva de la pintora en Madrid.
Ocho años después leyó "La casa de los espíritus" de Isabel Allende, una novela "que me recordó muchísimo al universo de Varo. Al estudiar más a fondo las obras de estas dos creadoras constaté, progresivamente, muchas más conexiones".
Por ello Morales decidió abordar en un ensayo "la sorprendente conexión" entre la literatura de Allende y las pinturas de la española, dos creadoras de diferentes épocas y países que jamás llegaron a encontrarse.
Estas coincidencias han sido admitidas por la propia Isabel Allende, quien en una carta a Elena Morales se confesó "muy impresionada" por los paralelismos entre las pinturas de Varo y sus textos", que ha releído "bajo una nueva luz".
"Los cuadros me revelan dimensiones ocultas de mi propia escritura. Sin duda hay una asombrosa conexión, una alquimia entre Remedios y yo, que desafía distancias y tiempos", añade Allende en la misiva.
Para Elena Morales, aunque en ocasiones el enfoque difiere, son muchas las temáticas que comparten Varo y Allende, como la familia y la tradición, las mujeres, la supeditación a las fuerzas cósmicas, los sueños y la magia, la violencia y la política, los personajes creativos, los sucesos psicológicos, los espíritus, la soledad, la ciencia, los viajes o el amor.
Morales confiesa entusiasmada que viajar a México "es mi sueño" porque es un país "alucinante" y está deseando hacer el mismo recorrido que Remedios Varo, además de estar en el Museo de Arte Moderno, donde está depositada la obra de la pintora catalana tras ser donada por Walter Gruen, su compañero sentimental desde 1952 hasta el final de su vida.

Fuente: EFE

Toulouse dedica 5 exposiciones al pintor español Antonio Saura.

2008-02-26T11:16:00.001-08:00

(Marina, la hija de Antonio Saura, posa ante un retrato de su padre en la exposición que se le dedica en el Museo des Abattoirs, el pasado viernes en la ciudad francesa de Toulouse).

El museo de arte contemporáneo francés Abattoirs de Toulouse inauguró el pasado viernes la primera de cinco exposiciones consagradas al artista español Antonio Saura con ocasión del décimo aniversario de su muerte.

Este artista polifacético nacido en Huesca (Aragón, noreste) en 1930, hermano del director de cine Carlos Saura, ejerció de pintor, dibujante, grabador, escritor y militante contra el franquismo y conoció rápidamente el éxito, antes incluso de instalarse en París en 1967.
Los títulos de la cinco exposiciones revelan la variedad de fuentes de inspiración de Saura: "Tauromaquia" (hasta el 6 de abril), "Erótica" (del 11 de abril al 22 de junio), "Transformaciones y superposiciones" (del 30 de junio al 30 de agosto), "Saura ilustrador" (del 26 de septiembre al 30 de noviembre) y, para cerrar el ciclo, "Pinocho" (del 5 de diciembre al 1 de febrero).
"Nuestra iniciativa es original. En vez de la enésima retrospectiva dedicada a la impertinencia apasionada del autor, hemos preferido provocar la curiosidad del público por las múltiples y renovadas búsquedas del artista", explicó Alain Mousseigne, director de los Abattoirs, el museo de la localidad del sudoeste francés.
La serie de cinco exposiciones lleva el nombre de "2008, un año Saura", y se ha montado recurriendo a los archivos de la fundación de Ginebra que lleva el nombre del artista.
Los temas favoritos de Saura están muy presentes: las multitudes, las crucifixiones, los curas, las damas y los "retratos imaginarios".
"Se trata de una antología original, muy importante, que propone aspectos poco conocidos de la obra de mi padre, como su trabajo de ilustrador", explicó Marina Saura.
La primera exposición de la serie, "Tauromaquia", está integrada por 33 pinturas de Antonio Saura y 46 fotografías de su amigo Jean Bescos. Ciertas obras son combinadas. Por ejemplo, Saura pintó sobre planchas de contacto en blanco y negro de Bescos.
Al margen de las exposiciones, el 15 de mayo se publicarán tres textos: "Contra Guernica", un panfleto que escribió en los 90, "Tauromaquia", con 34 textos de Marcel Cohen sobre las superposiciones de Saura y Bescos, y "Erótica", un ensayo del crítico de arte Jacques Henric sobre los textos y obras del pintor.

Fuente: AFP

La Pedrera muestra secuelas del horror de Dachau a través de la mirada de Zoran Music.

2008-02-26T11:07:00.000-08:00

El pintor esloveno Zoran Music pasó un año en el campo de concentración de Dachau, lugar donde no sólo esbozó a escondidas cientos de dibujos con el horror del holocausto, sino que marcó el total de su obra posterior, de la que desde mañana y hasta el 18 de mayo se podrá ver una muestra en La Pedrera.

"Zoran Music. De Dachau a Venecia" es el título de esta exposición, la primera retrospectiva dedicada al pintor tras su muerte en 2005, y que sirve para conocer la trayectoria de un artista casi desconocido para el gran público, quizás, en parte, por haberse mantenido al margen de las grandes corrientes pictóricas del siglo XX.
Son 130 obras -50 de ellas nunca exhibidas antes- recogidas de forma cronológica, en un recorrido que se inicia precisamente con los dibujos realizados en 1945 en Dachau -donde fue recluido tras ser detenido por la Gestapo en Venecia por su colaboración con los grupos partisanos- y para los que utilizó material que sacaba de donde podía, del taller de arquitectos deportados o de la enfermería en la que estuvo ingresado.
Estos dibujos hechos a tinta, lápiz, incluso tiza, muestran montañas de cadáveres, cargados en carretas, cuerpos de ahorcados, seres desnudos que inevitablemente recuerdan las series de grabados de "Los Desastres de la Guerra" o los "Disparates" de Goya, pintor al que Music había "copiado" directamente en el Prado, en el año que pasó en España, durante la II República.
Tras la liberación de Dachau por los americanos, Music, nacido en 1909 en Gorizia (entonces imperio austrohúngaro, hoy Eslovenia), vuelve a Venecia, pero aunque intenta retomar "poco a poco" su inspiración temática previa a la guerra -paisajes, caballos, mujeres o dálmatas- su manera de ver la vida ha cambiado, y como él mismo reconoce "la muerte había transformado la experiencia de la vida".
En la década de los cincuenta, el artista tiene la "tentación" de la abstracción a su paso por París, pero este camino no es el suyo, y es en los setenta, tras superar lo que parece un "fenómeno de amnesia", según palabras del comisario de la exposición, Jean Clair, cuando Music regresa con fuerza a las imágenes del pasado, de nuevo el horror del campo de concentración.
"No somos los últimos" conforman una serie de estremecedores lienzos sobre la muerte y el exterminio masivo, pero ahora con la crudeza del gran formato, nada que ver con los diminutos papeles sobre los que dibujaba en la cama de la enfermería de Dachau.
Clair, uno de los máximos expertos en la obra del artista, asegura que Music no fue un pintor "moderno" en el sentido estricto de la palabra pero que ello no resta ni un ápice a la modernidad de su obra, que tuvo en las gamas de ocres y en los pigmentos naturales sus principales armas de expresión.
En sus últimas épocas pictóricas, también presentes en la muestra, Music, además de volver a pintar Venecia, ahora llena de brumas, mostrar los interiores de San Marcos y volcarse en el dibujo, refleja una vez más la influencia de la pintura española en su obra, esencialmente en retratos y autorretratos en donde la sombra de Velázquez está presente.
El director de la Fundación Caixa de Catalunya, Alex Susanna, ha apuntado que al igual que la obra literaria de Primo Levi o de Jorge Semprún -uno de cuyos textos aparece en el catálogo- supone la memoria escrita del "desamparo existencial" que se produjo en la cultura tras la Segunda Guerra Mundial y el holocausto, la obra de Music cumple el mismo papel en las artes plásticas.
"Dachau fue su verdadera escuela, una experiencia traumática regurgitada artísticamente 25 años después, tras un período de bloqueo", ha señalado Susanna, para quien la exposición de Music es una opción arriesgada sobre un pintor poco conocido, aunque ha señalado que la intención de la Fundación fue hacer la retrospectiva en vida del pintor, pero su débil salud se lo impidió.
Además de la colaboración de la viuda de Music, la pintora veneciana Ida Barbarigo, para la exposición se ha dispuesto de fondos procedentes de varios museos, el centro Georges Pompidou, el Kunstmuseum de Basilea, el Reina Sofía de Madrid, pero también de colecciones privadas, que han aportado principalmente los dibujos hechos en el campo de concentración.

Fuente: EFE

La National Gallery prepara una exposición sobre los divisionistas italianos

2008-02-26T07:41:00.001-08:00

La National Gallery de Londres prepara una exposición sobre el movimiento artístico de vanguardia conocido en Italia por el nombre de "divionisti" o "divisionistas".

Menos conocidos e influyentes que los puntillistas franceses, los "divisionistas", sin embargo, tenían en común con ésos un profundo interés por el estudio de las modernas teorías científicas del color.
Pensaban los divisionistas que los filamentos de color "dividido" aplicados al lienzo se fusionarían en la retina del espectador que mirase sus cuadros desde la distancia apropiada y proporcionarían a sus obras la máxima luminosidad.
Según el pintor Vittore Grubicy de Dragon (1890-1920), que puede considerarse el apóstol del divisionismo, además de proporcionar una técnica y un lenguaje nuevos, las modernas teorías del color abrían las puertas a una nueva estética, apropiada para el tratamiento de temas también nuevos y aspectos inéditos de la naturaleza
Como explica Simonetta Fraquelli, comisaria de la exposición, que se celebrará del 18 de junio al 7 de septiembre, los "divionistas" no constituyeron, sin embargo, un grupo ni publicaron tampoco ningún manifiesto como los futuristas, algunos de los cuales por cierto, como Balla o Boccioni, fueron antes divisionistas.
Por otro lado, si los puntillistas como Seurat o sobre todo Signac estuvieron próximos al anarquismo y el futurismo se ha identificado con el fascismo de Mussolini, los divisionistas más destacados como Giovanni Segantini, Angelo Morbelli y Emilio Longoni adoptaron ideas socialistas y vieron en el arte un instrumento de transformación social en un contexto particularmente agitado.
A finales del siglo XIX, el todavía incipiente Estado italiano- la unificación no se había producido hasta 1871- se enfrentaba a una grave crisis económica. Eran en efecto años de incertidumbre política y de alborotos sociales.
Con la llegada masiva de miles de trabajadores a las ciudades industriales del norte, muchos divisionistas decidieron darle la espalda a la fría modernidad de ciudades como Turín o Milán para refugiarse en el campo y en la montaña.
Ése es el caso del más conocido de todos ellos, Giovanni Segantini (1858-1899), que encontró en la soledad de los Alpes suizos motivo de inspiración de algunas de sus obras más destacadas, pero también de Giuseppe Pellizza, que regresó a su finca de Volpedo, donde se convirtió en agente de transformación social.
En su obra, "Il Quarto Stato", que iba a utilizarse por cierto para el cartel anunciador de la película épica "Novecento", de Bernardo Bertolucci, Pellizza da Volpedo pintó a sus trabajadores avanzando de frente como una masa compacta hacia la luz de la justicia social.
Angelo Morbelli volvió por su parte al Piamonte y en sus cuadros defendió la causa de las mujeres que trabajaban en los arrozales al igual que antes había documentado la vida de los ancianos y abandonados en la gran urbe milanesa.
La exposición de la National Gallery documentará, junto a esa temática social, otros aspectos importantes del "divionismo" como su interés por el simbolismo, patente en obras como "El Ángel de la Vida", de Segantini, o "Maternidad" de Gaetano Previati, así como su transición al futurismo, movimiento que emergió orgánicamente de aquél.

Fuente: EFE

El arte funerario mexicano hace historia en El Cairo.

2008-01-22T13:03:00.001-08:00

El arte funerario mexicano de las culturas mixteca y zapoteca hizo hoy historia en El Cairo, pues el famoso Museo Egipcio le prestó una de sus salas para exhibir por vez primera en sus cien años piezas arqueológicas de otras culturas.

Para tal ocasión se dieron cita las tres cabezas más importantes del mundo cultural egipcio: el ministro, Faruq Hosni, el secretario general del Consejo Supremo de Antigüedades, Zahi Hawass, y la directora del Museo Egipcio, Wafa Sadiq.
La exposición se llama "Vestidos como dioses" porque así es como se representaban los hombres y mujeres de aquellas culturas precolombinas, adornados con recargados tocados, collares, cascabeles, cinturones y representaciones de sus animales más respetados y temidos.
Frida Montesdeoca, una de las comisarias de la exposición, explicó a Efe que el objetivo de esta muestra es ilustrar "una parte del legado mexicano menos conocido que el maya o el azteca y que sin embargo sigue muy presente en la región de Oaxaca, en sus trajes y hasta en sus peinados".
Montesdeoca resaltó el hecho de que muchas de las 58 esculturas funerarias fueron usadas como urnas para guardar cenizas de los ilustres cadáveres, exactamente igual que los vasos canopios de la civilización faraónica tan abundantes en este museo.
Otros paralelismos con la cultura faraónica se encuentran en el hecho de que los muertos fueran enterrados con vituallas para su viaje al más allá, o que los animales más venerados, como el jaguar o las rapaces, fueran profusamente representados para dar fuerza al difunto en su lucha supraterrenal.
El embajador mexicano en El Cairo, Jaime Nualart, dijo en su discurso de apertura que se sentía orgulloso de inaugurar esta exposición y unir así "a dos naciones tan orgullosas de su pasado" como México y Egipto.
"Los dioses del inframundo se reúnen hoy en El Cairo", recordó, pero insistió en que en la cultura mexicana, incluso en la actual, la muerte no tiene el sentido trágico y lúgubre que se le asocia en Occidente.
Nualart destacó el hecho de que en estos momentos se exhibe en México -ha estado en Monterrey, donde ha recibido 400.000 visitantes, y en breve viajará a la capital- otra exposición que hermana las culturas egipcia y mexicana prehispánica, llamada "Isis y la serpiente emplumada".
"La exposición de México festeja la vida, y la de El Cairo la muerte", comentó Nualart a Efe.
El ministro de Cultura Faruq Hosni, que tras cortar la cinta inaugural de la muestra se paseó durante casi una hora por la sala, se dijo admirado por la calidad de las piezas, y similar opinión expresaron casi todos los invitados.
La directora del museo, Wafa Sadiq, se mostró "honrada por poder exhibir una muestra tan rica de una cultura tan rica", y confirmó que nunca su museo había acogido artefactos arqueológicos no egipcios, y que todo lo más en su sala de exposiciones temporales se habían exhibido réplicas de piezas de otras culturas.
"Vestidos como dioses" ha estado tres meses exhibida en Nueva Delhi y se quedará en El Cairo hasta finales de febrero, desde donde viajará a Alejandría y luego pondrá rumbo a Grecia, completando así un periplo por tres capitales con un carácter cultural muy acentuado.
La muestra de la capital egipcia ha sido financiada por la compañía Cemex y el ministerio de Exteriores mexicano, recordó el embajador, que en este año 2008, cuando se cumplen 50 años del establecimiento de relaciones diplomáticas entre Egipto y México, tiene previsto un año de intensa actividad cultural mexicana en el país árabe.

Fuente: EFE

Un Cristo atribuido a Martínez Montañés recupera la policromía tras catorce meses de trabajo.

2008-01-22T12:58:00.001-08:00

El Instituto Andaluz de Patrimonio Histórico (IAPH) de la Consejería de Cultura ha terminado la restauración del Cristo de los Desamparados de la iglesia conventual del Santo Ángel de Sevilla, atribuido a Juan Martínez Montañés y que ha recuperado su policromía original tras catorce meses de trabajo.

En este antiguo convento carmelita, la consejera de Cultura, Rosa Torres, ha presentado hoy la intervención hecha por el IAPH, que es "de la satisfacción de todos", una vez devuelto este crucificado con su "recobrado aspecto" al templo donde se venera y que ha definido como "una de las esculturas más sobresalientes" del barroco andaluz.
Tras elogiar a los profesionales del IAPH por sus trabajos "reconocidos nacional e internacionalmente", ha dicho que, aunque la autoría no se ha determinado "de forma concluyente", "no hay dudas, y sí muchas evidencias, de que es una obra de gran calidad artística y uno de los exponentes de la imaginería basada en la Crucifixión".
Ha destacado que con este trabajo, en el que han participado doce técnicos de ese organismo andaluz, con 14.000 euros de inversión, se ha comprobado que "las características técnicas de la obra son muy semejantes a la del gran Cristo de la Clemencia de la Catedral de Sevilla, realizado en 1603 por Martínez Montañés" (1568-1649).
Torres ha insistido en que este Cristo de los Desemparados "se atribuye con muchos elementos de razón a Martínez Montañés" y que el estudio realizado permite, según los técnicos, "reivindicarlo como una de las grandes esculturas de la historia del arte de Andalucía" y "uno de los ejemplos más insignes de la mejor escuela sevillana".
Ha precisado que, tras su análisis estilístico, se ven "claros grafismos de la producción" del maestro de Alcalá la Real (Jaén), si bien presenta "algunas características a nivel compositivo y técnico que difieren en parte de otras imágenes suyas del mismo tema".
La imagen, propiedad desde su origen hasta hoy del convento de los carmelitas descalzos de Sevilla, fundado en 1587, se relaciona documentalmente con Martínez Montañés por una cédula judicial fechada en 1623, donde se menciona el contrato del artista para realizar un Cristo con destino al convento carmelita sevillano.
El Crucificado representa el instante inmediatamente anterior a la muerte de Cristo y su restauración, según la consejera, ha puesto de manifiesto "de forma más evidente el dramatismo del rostro, destacando la tensión de la boca y rasgos faciales con los signos de la defunción", además de la "excelente calidad de su policromía, que representa con gran virtuosismo los tonos de la piel y las marcas de la pasión de Cristo".
"Ha merecido la pena", según el prior de la iglesia conventual del Santo Ángel, Juan de Dios Dobado, que ha agradecido a la Junta que con su intervención pueda "contemplarse esta imagen como hace casi 390 años, cuando Martínez Montañés entregó esta joya, una de sus obras más bellas, a la Comunidad Carmelita", así como "el cariño y la profesionalidad" con que la han tratado los técnicos del IAPH.
La restauración en sí ha incluido catorce análisis, tres radiográficos y cinco documentos técnicos, y se centró primero en los estudios previos necesarios como el radiológico, un examen con iluminación ultravioleta y otro de la capa polícroma mediante lupa binocular, así como el análisis de caracterización de materiales constitutivos.
Las principales alteraciones de la imagen afectaban a la capa polícroma, por la suciedad que estaba extendida por toda su superficie, aunque sus daños más graves eran fruto de las sucesivas intervenciones sufridas en su historia, como el repolicromado sobre el sudario que había alterado la iconografía, las capas de barniz aplicadas en su superficie o la acumulación de humo y polvo.
Todas estas actuaciones habían ocultado el cromatismo de la obra haciendo inapreciable su naturalidad y verosimilitud.
Además, presentaba otras alteraciones de menor trascendencia, como pequeñas pérdidas de adhesión en el soporte y la capa pictórica que han sido repuestas, así como la pérdida de parte de la corona de espinas, que se ha reconstruido para recuperar el equilibrio compositivo de la imagen, mientras que también se han mejorado sus condiciones expositivas en la Capilla Sacramental donde se venera.

Fuente: EFE

Los herreros del arte español exponen en la ciudad china de Tianjin.

2008-01-20T07:49:00.000-08:00

Esculturas de Julio González, Martín Chirino, Andreu Alfaro y Miquel Navarro han viajado a la ciudad de Tianjin, en el norte de China, donde la muestra presentada hoy revela a los espectadores orientales las obras maestras de la forja española en hierro.

La exposición "La Alquimia de los Herreros", en el Museo de Tianjin, está formada por unas 70 obras del Instituto Valenciano de Arte Moderno (IVAM), principal organizador junto a la Sociedad Estatal para la Acción Cultural Exterior (SEACEX) y la Sociedad General de Autores y Editores (SGAE).
La directora del IVAM, Consuelo Ciscar, y el crítico de arte Ángel Kalenberg son los comisarios de la exposición, que mañana, sábado, será inaugurada por el embajador de España en China, Carlos Blasco, y al día siguiente abrirá sus puertas al público hasta el día 25 de febrero.
El director de Gestión Interna del IVAM, Joan Bria, presentó la exposición en una rueda de prensa, en la que destacó a Julio González (1876-1942) como "padre" del uso de hierro en la escultura universal y gran influencia para los otros tres artistas de la muestra.
Las ideas de González, que "crearon nuevos valores constructivos y expresivos" según Bria, dieron paso al lenguaje abstracto y poético de Chirino (1925), la linealidad y los dibujos en el espacio de Alfaro (1929) y las obras de Navarro (1945), que en el centro de la exposición muestra una de sus "ciudades" modulares y repetitivas.
Alfaro destacó a Efe que la muestra de Tianjin es un claro ejemplo de la filosofía del IVAM de "exportar e importar cultura, algo necesario para una sociedad".
Necesidad que en los últimos años parece apuntar claramente al cada vez menos desconocido arte contemporáneo de Oriente: en 2007, el instituto de arte valenciano acogió una muestra de 18 creadores chinos, y en 2008 habrá al menos tres muestras más de arte de este país, con la posibilidad de una cuarta, según apuntó Bria a Efe.
Entre ellas, la llamada "55 días en Valencia", enfocada especialmente a fotografía y escultura chinas, y otra procedente de la Tate Gallery de Liverpool, con obras de otros 18 artistas del gigante asiático.
"La Alquimia de los Herreros" comenzó a exponerse en 2006 en la metrópoli de Shanghai, y desde entonces ha viajado por las ciudades chinas de Hangzhou y Nankín, así como a Hanoi, la capital de Vietnam.
Chen Zhuo, el director del Museo de Tianjin, destacó que es la primera vez que el edificio alberga una colección de arte contemporáneo.
Hasta ahora, el edificio (una moderna estructura construida hace tres años y con planta de luna creciente) se había consagrado a obras tradicionales y la historia de esa ciudad, principal puerto del norte de China.
Tras la muestra de Tianjin, la exposición viajará a Singapur y Pekín.

Fuente: EFE

El Museo Metropolitano de Nueva York expone tres jarrones griegos de 2.500 años

2008-01-20T05:57:00.000-08:00

Tres jarrones griegos de más de 2.500 años de antigüedad y que muestran algunos de los enigmas más destacados de la cultura griega se expondrán a partir de esta semana en el Museo Metropolitano de Nueva York, que acaba de adquirir su primera gran obra de arte africano contemporáneo.

El prestigioso museo neoyorquino informó hoy de que las tres piezas griegas son un préstamo acordado con el Gobierno de Italia, a cambio de un jarrón griego denominado "Euphronios krater", de 2.500 años de antigüedad, que hasta ahora se consideraba uno de los tesoros más valiosos de la colección del Metropolitano.
La pieza más destacada de esas tres adquisiciones temporales es una vasija del siglo IV A.C., atribuida al maestro Phyton, que muestra a Edipo resolviendo el famoso enigma de la esfinge, que pregunta cuál es el animal que tiene cuatro patas por la mañana, dos al mediodía y tres por la noche, así como su respuesta, el hombre, porque durante su evolución gatea, anda y finalmente utiliza bastón.
Otra de las piezas es una copa que representa la asamblea de los dioses del Monte Olimpo, dedicada a los hijos de Zeus, Cástor y Pollux, y que está firmada en torno a los años 515-510 A.C. por el alfarero Euxitheos y el pintor Oltos.
El préstamo también incluye un jarrón de terracota en forma de cabeza femenina realizado por Charinos en Atenas entre finales del siglo VI y principios del V A.C.
Las nuevas piezas complementan a las copas de Laconia que se exponen actualmente en la galería de arte griego y romano del museo, y que también fueron cedidas por Italia en noviembre de 2006.
Junto a esas tres antiguas piezas griegas el museo neoyorquino también informó hoy de su primera adquisición relevante de arte escultórico africano contemporáneo.
"Entre el cielo y la tierra", del artista ghanés El Anatsui, es un tapiz, de dos por tres metros, esculpido principalmente con tapones de botellas de licores hilvanadas con hilo de aluminio y cobre.
Afincado en Nigeria, donde vive y da clases, el artista ghanés de 64 años es uno de los más reconocidos de su continente y asegura que la pieza adquirida por el museo representa la vida contemporánea, dividida entre la realidad terrenal y la versión cibernética del cielo que permite la alta tecnología.

Fuente: EFE

La ciudad húngara de Szeged muestra obras de Picasso y la vanguardia pictórica.

2008-01-20T05:48:00.001-08:00

El Centro Cultural Regional (Reök) de Szeged, en el sur de Hungría, anunció hoy la inauguración el próximo 1 de marzo de una muestra bajo el título de "Picasso y sus contemporáneos".

La exposición, que estará abierta al público hasta el 13 de mayo, recogerá el arte de Pablo Picasso y otros 69 artistas en más de 100 obras, de las cuales unas 40 pertenecen al padre del cubismo.
Según el Reök, la muestra "representará la época artística más excitante del siglo XX", recogiendo la obra de la vanguardia de aquellas décadas.
Junto a los 40 dibujos, litografías y grabados de Picasso se podrán contemplar obras de Joan Miró, Henry Moore, Roy Lichtenstein, Robert Rauschenberg, Victor Vasarely y Andy Warhol, entre muchos otros.
De todas formas los organizadores adelantaron que la muestra se complementará con otras "obras especiales" de Picasso que serán presentadas ante la prensa posteriormente, a pesar de que no precisaron cuáles serán.
Una gran parte de las obras expuestas forman parte de la colección "Hommage á Picasso", del historiador del arte alemán Wieland Schmied, con obras de los más destacados artistas de la época, que rindieron homenaje al pintor de esta manera.
Adelantando el interés que tendrá la exposición los organizadores decidieron iniciar la venta de entradas desde hoy.

Fuente: EFE

La 'Mona Lisa' era la esposa de un comerciante florentino.

2008-01-20T05:45:00.000-08:00

Unas anotaciones en el margen de un libro confirman que la Mona Lisa del cuadro de Leonardo da Vinci era Lisa del Giocondo, la esposa del comerciante florentino Francesco del Giocondo, anunció este martes el director de la universidad alemana de Heidelberg, Veit Probst.

Se trata de unas notas escritas en 1503 por un funcionario de Florencia, Agostino Vespucci, en los márgenes de un incunable conservado en la biblioteca de esa universidad alemana que confirman la identidad de la modelo del cuadro.
Las notas fueron descubiertas por el investigador Armin Schlechter y "confirman definitivamente" la tesis de la identidad de la Mona Lisa que apuntaban a Lisa del Giocondo, afirmó en un comunicado la biblioteca de la universidad alemana.
El italiano Giorgio Vasari (1511-1574) era "hasta entonces la única fuente en dar un nombre" a la modelo, el de Lisa del Giocondo, en un libro aparecido en 1550, mientras que "Leonardo da Vinci no mencionaba a la Mona Lisa" en sus documentos, recordó el comunicado.
El cuadro, pintado por el maestro renacentista italiano entre 1503 y 1506, está expuesto en el museo del Louvre de París y es, probablemente, el más famoso del mundo.

Fuente: AFP

Filadelfia presenta una exposición de Frida Kahlo y Juan Soriano.

2008-01-20T05:41:00.001-08:00

El Museo de Arte de Filadelfia (este estadounidense) presentará del 20 de febrero al 18 de mayo una exposición de más de 40 obras de la artista mexicana Frida Kahlo junto a pinturas de su compatriota recién fallecido Juan Soriano, informaron el martes los organizadores.

"Estamos a punto de celebrar en Filadelfia los cien años de Frida Kahlo", se felicitó Anne d'Harnoncourt, directora del Museo de Arte, al presentar a la prensa en Washington la exposición, presentada en Minneapolis (norte) de octubre a noviembre y que irá al museo de Arte Moderno de San Francisco (oeste) a partir de junio.
La exposición, que celebra el nacimiento en 1907 de la artista mexicana, fallecida en 1954, incluye más de 40 de sus obras, entre ellas numerosos autorretratos como 'La columna rota', 'Autorretrato con mono', o el que dedicó a León Trotsky en 1937.
En momentos en que la seguridad en la frontera con México constituye uno los temas polémicos de la campaña para las elecciones presidenciales de noviembre en Estados Unidos, una de las obras de Kahlo que será presentada en Filadelfia toma una importancia significativa.
Se trata de 'Autorretrato en la frontera', una obra que pintó cuando se encontraba en Detroit (norte), durante una estancia desagradable en dicha ciudad industrial en la que se colocó sobre la frontera que separa a los dos países agarrando una bandera mexicana y un cigarrillo.
En dicho autorretrato, Kahlo aparece con un vestido rosado, separando a México con el sol, la luna y una pirámide, de los Estados Unidos grises de la industrialización.
"El arte es lo mejor para hacer conexiones", declaró d'Harnoncourt, al ser consultada sobre las relaciones entres ambos países. Por su parte, el embajador mexicano en Washington, Arturo Sarukhán, dijo que "la cultura es la mejor carta de introducción de nuestro país en el exterior".
Esta exposición incluye algunas obras de Kahlo que nunca habían sido presentadas en Estados Unidos, al recoger pinturas de más de 30 colecciones de Estados Unidos, México, Francia y Japón.
Está acompañada por un centenar de fotos de la colección personal de la artista, entre ellas algunas tomadas por su padre Guillermo Kahlo, que era un fotógrafo profesional, y otras en la que aparece en compañía de su esposo Diego Rivera, Trotsky y amigos como el escritor surrealista francés André Breton.
Los organizadores de la exposición de Filadelfia decidieron añadir otra de Soriano (1920-2006) para tratar de dar a conocer a este artista modernista en Estados Unidos.
"Es excitante presentarlo a un público tan amplio en este país", se felicitó d'Harnoncourt, quien dijo que contaba con que los habitantes de la costa este, desde Washington hasta Boston, pasando por Nueva York, viajen a Filadelfia esta primavera para ver la exposición.

Fuente: AFP

La colección Estorick de arte de las vanguardias italianas celebra diez años.

2008-01-20T05:38:00.001-08:00

La colección Estorick, de Londres, especializada en las vanguardias italianas, celebra sus diez años con una exposición que reúne obras de Giacomo Balla, Carrá, Modigliani, Morandi, Russolo, Severini y Sironi, entre otros.

Como explicó el director de la galería Tate, Nicholas Serota, se trata de "una de las colecciones de arte italiano de comienzos del siglo XX más importantes del mundo".
"La colección, dijo Serota al inaugurarse la exposición, debe su origen a la visión y el juicio extraordinarios de Eric Estorick, que supo valorar la importancia del arte cuando apenas se le prestaba atención".
Eric Estorick (1913-1993) fue un sociólogo neoyorquino, hijo de inmigrantes judíos de Rusia, que comenzó a coleccionar obras de arte del futurismo y otros movimientos italianos de vanguardia cuando vino a vivir al Reino Unido tras la Segunda Guerra Mundial.
Durante su luna de miel en Suiza con Salomé Dessau, con la que se había comprometido a bordo del transatlántico Queen Elizabeth, Estorick conoció a un profesor de terapia artística llamado Arturo Bryks, quien le habló del libro "Pittura, Scultura Futuriste" (1914), de Umberto Boccioni.
Aquel libro marcó un punto de inflexión en su vida ya que despertó su pasión por el arte italiano.
Antes de regresar a Inglaterra, los Estorick viajaron con Bryks a Milán, donde visitaron el estudio del artista Mario Sironi, en el que compraron tantos dibujos y cuadros como cabían en su automóvil "Packard Convertible".
El arte de Sironi (1885-1961) tuvo una importancia fundamental en el desarrollo de la colección de Estorick, como ocurrió también con otro artista, Massimo Campigli, a quien conoció también a través de Bryks y del que llegó a poseer en cierto momento más de ochenta obras.
En los años cuarenta y cincuenta del siglo pasado, Estorick llevó a cabo numerosas transacciones artísticas además de organizar una serie de exposiciones en Estados Unidos, Canadá, Gran Bretaña y otros países europeos.
En 1960, Estorick, convertido ya en un marchante a tiempo completo, inauguró en Londres la galería Grosvenor, que prosperó sobre todo gracias a sus contactos americanos.
Estorick asesoró al multimillonario Paul Getty a finales de los cincuenta y logró vender obras a actores o directores de Hollywood como Lauren Bacall, Tony Curtis, Burt Lancaster, Edward G. Robinso o Charles Vidor.
La galería Grosvenor cerró su espacio de cara al público en 1974, pero volvió a abrir en 1993, el año de la muerte de Eric Estorick, con una exposición de obras sobre el papel de Sironi, a la que siguieron otras de artistas tan conocidos como Alexander Calder, André Derain, Henri Matisse, Henry Moore o Marc Chagall.
Aunque en 1961 se subastaron en Milán muchas de las obras italianas de Estorick, éste conservó las obras maestras de la colección, de las que algunas fueron prestadas a la galería Tate.
En 1979, el Gobierno de Roma se interesó por la compra de la colección de arte italiano de Estorick, pero éste rechazó la oferta.
Poco después de la muerte de su esposa, Estorick y sus dos hijos crearon la fundación que lleva su nombre, a la que donaron las obras italianas que seguían en su poder, y que se financió gracias entre otras cosas a la venta de un raro bodegón cubista de Marc Chagall y un paisaje de Murnau de Wassily Kandinsky.
Desde que se inauguró la colección Estorick se han adquirido nuevas obras, entre ellas un retrato de Carlo Fontana por Giacomo Balla, anterior a la militancia de este último en el movimiento futurista.

Fuente: EFE

Gregorio Fernández en una magna y única exposición de 34 esculturas policromadas

2008-01-20T05:19:00.001-08:00

Una exposición, magna y única según sus promotores, reúne una selección de 34 piezas de escultura policromada de Gregorio Fernández (1576-1636) pertenecientes a las distintas etapas del imaginero gallego, algunas de ellas exhibidas por primera vez.
La muestra, titulada "La gubia del barroco" e inaugurada hoy en Valladolid, incluye piezas de diverso tamaño, desde conjuntos procesionales hasta tallas cedidas para la ocasión por treinta instituciones, entre ellas, el Museo Nacional de Escultura, la catedral de Valladolid, cofradías, iglesias, colegiatas y monasterios de clausura.
Uno de los dos comisarios de la exposición, Andrés Álvarez, ha detallado, en rueda de prensa, que la muestra recoge "obras de todas las etapas del artista", que se inició "con un manierismo tardío para pasar después a un pleno barroco".
El presidente de la Junta de Cofradías de Semana Santa de Valladolid, José Miguel Román, ha destacado que algunas de las piezas "se pueden ver pocas veces por la clausura de los conventos".
Gregorio Fernández es "uno de los más grandes imagineros de todos los tiempos", ha considerado Román quien ha señalado que la exposición permite realizar un "recorrido intenso" por la iconografía de Gregorio Fernández.
La exposición presenta los rasgos principales de la obra de Gregorio Fernández, caracterizada por el delicado y ajustado tratamiento anatómico de las figuras cinceladas, a cuyos rostros y cuerpos imprimió una gran expresividad en forma de gestos contenidos y postizos en uñas, cabeza, ojos y regueros de sangre con los que acentuaba el drama de la pasión y muerte del redentor.
Dos sedes, localizadas en la secularizada iglesia de La Pasión y en la iglesia penitencial de la Vera Cruz, albergan esta selección de obras entre las que sobresalen los dos pasos o conjuntos conocidos como "La coronación de espinas" y "El descendimiento", que desfilan en las procesiones de la Semana Santa de Valladolid.
Otras de las principales esculturas expuestas del artista gallego, que se instaló en Valladolid con la llegada de la Corte en 1601 y vivió en esta ciudad hasta su muerte, son tres de sus cristos yacentes más emblemáticos y el Ecce Homo (1620) que saca en procesión la Cofradía de la Vera Cruz de Valladolid.
El fondo expositivo se complementa con dos lienzos de Diego Valentín Díaz, uno de los principales colaboradores de Gregorio Fernández en el policromado de las imágenes, y con varios documentos de la época entre los que figura la partida de defunción del célebre imaginero homenajeado, así como su lápida mortuoria.
El carácter didáctico de la muestra tiene en el paso de "La borriquilla", del siglo XVI, elaborado a base de cartón y cola, por considerarse uno de los antecedentes del tallado en madera policromada.
Entre las piezas también se encuentran algunas realizadas por los seguidores de su obra, representados por Andrés Solanes, con el paso de "La Oración del Huerto", y Luis Fernández de la Vega, con la obra "San José con el Niño".
Además, se puede ver material relacionado con la talla en madera como gubias, formones, una lija de piel de tiburón y utensilios para dorar las imágenes, "herramientas de la época que artistas como Gregorio Fernández utilizaban para realizar su obra", ha explicado el comisario de la muestra.
Muchas de las obras que reúne la exposición, financiada por Caja Duero en colaboración con el Ayuntamiento de Valladolid y la Junta de Castilla y León y que se puede ver desde hoy y hasta el próximo 24 de febrero, han sido rehabilitadas y limpiadas para esta ocasión, según ha señalado Román.
La inauguración de esta muestra precede a la celebración de un congreso, entre el 7 y 9 de febrero, sobre el contexto cultural, político y religioso en el que vivió Fernández, uno de los principales imagineros de la época, de origen gallego y que puso taller en Valladolid al hilo de la Corte.

Fuente: EFE

Ekainberri se inaugurará en verano tras siete años de aperturas aplazadas.

2008-01-20T05:12:00.001-08:00

Ekainberri, la réplica de la cueva de Ekain, ha sumado varios retrasos en los últimos siete años, pero parece que el próximo verano será la fecha definitiva de su apertura para mostrar al público en el valle guipuzcoano de Sastarrain una de las mejores colecciones de arte rupestre de Europa.

La directora de Patrimonio de la Diputación de Guipúzcoa, Pilar Azurmendi, ha explicado a Efe que la entrega de la totalidad de los "paneles artísticos", los que reproducen las paredes de la gruta con más de 70 pinturas, se ha alargado hasta noviembre de 2007, lo que ha hecho imposible que la réplica pudiera ser inaugurada a finales del pasado año o en enero de 2008, como había previsto el anterior equipo de gobierno foral.
La Fundación Ekain ha convocado ya el concurso para la contratación del servicio de gestión del edificio Ekainberri, situado a menos de medio kilómetro de la cueva original, descubierta en 1969 y cerrada desde entonces para evitar expolios y su deterioro por el turismo masivo.
Pilar Azurmendi ha señalado que la construcción está "casi terminada" y que se están acabando de colocar los paneles interiores de la cueva.
Ha indicado que las más adelantadas son las paredes de la gruta que no llevan pinturas, a falta de algún ajuste, y que está más retrasado pero a buena marcha el trabajo de colocación de las realizadas por la empresa francesa Z.K. Productions, que dirige el escenógrafo Renaud Sanson, autor también de la reproducción de la cueva de Lascaux.
Sanson ha empleado técnicas muy avanzadas para reproducir en siete paneles las paredes de roca de la cueva en la que sus moradores pintaron hace 14.000 años cerca de 70 representaciones, la mayoría de ellas figuras de animales, como caballos, bisontes, cabras (grabados) o ciervos.
Azurmendi ha dicho que Ekainberri, en cuya construcción las instituciones han invertido cerca de 8,5 millones de euros, estará concluida en tres o cuatro meses y la previsión es que pueda abrirse en verano.

Fuente: EFE

Florencia estudia el desplazamiento del David de Miguel Ángel.

2008-01-20T05:06:00.001-08:00

Las autoridades de Florencia, en el centro de Italia y conocida por su rico patrimonio artístico, examinan la posibilidad de desplazar la estatua del David de Miguel Ángel, una de los emblemas de la ciudad, a un nuevo museo, anunció este jueves el alcalde.

"Estamos estudiando la idea de desplazar la estatua original del David de Miguel Ángel, que se encuentra actualmente en la Galería de la Academia, en pleno centro, al futuro Parque de la Música, un proyecto en construcción que se concluirá en el 2010", explicó el alcalde, Leonardo Domenici, en el curso de una rueda de prensa.
La idea de desplazar una de las obras maestras del gran artista del Renacimiento generó polémicas en toda Italia.
La estatua de Miguel Ángel, realizada en mármol blanco y de cuatro metros de altura, se expone desde hace 135 años dentro de un museo ubicado a pocos metros de la catedral para evitar que se deteriore.
La obra, que estuvo durante más de tres siglos al aire libre delante de la entrada del Palacio Viejo, donde se encuentra una copia, fue colocada en 1504 por el mismo Miguel Ángel.
"Se trata de una idea para el futuro", comentó el alcade, que presentó a la prensa los proyectos de la administración para descongestionar el centro de la ciudad, que sufre la invasión permanente de turistas.
Tres líneas de tranvía, de las cuales una pasará cerca de la imponente catedral de Santa María del Fiore, entre los lugares más visitados, forman parte del proyecto.
Unos 11 millones de turistas visitan al año Florencia, conocida mundialmente por haber sido el origen, gracias a la familia Medici, del Renacimiento a finales del siglo XIV.

Fuente: AFP

El Morgan rinde homenaje a Irving Penn con una exposición de retratos de artistas.

2008-01-20T04:51:00.001-08:00

Los retratos en blanco y negro de más de sesenta artistas y escritores del pasado siglo realizados por el legendario fotógrafo Irving Penn y que reflejan los rostros de Pablo Picasso, Salvador Dalí o Georgia O' Keeffe, se exhiben desde hoy en el Museo y Biblioteca Morgan de la Gran Manzana.

Esta colección de 67 retratos fotográficos, que forma parte de las más recientes adquisiciones de fondos de la prestigiosa institución cultural neoyorquina, se podrán visitar hasta el próximo 13 de abril en una exhibición que se ha titulado "Encuentros cercanos: Los retratos de artistas y escritores de Irving Penn".
Se trata, además, de la primera vez en los más de ochenta años de historia del Morgan en que se presenta una muestra dedicada en exclusiva a la fotografía moderna, con muchas de esas instantáneas realizadas mediante la técnica de desarrollar una imagen a partir de una emulsión de gelatina y sales de plata sobre papel.
Son los rostros de algunas de las mentes más creativas que dieron el arte y las letras del siglo XX, como los pintores españoles Pablo Picasso, Joan Miró y Salvador Dalí, y otros artistas y escritores como T. S. Eliot, Truman Capote, Arthur Miller, Tennessee Williams, Woody Allen, Ingmar Bergman o Janis Joplin.
"Esta muestra presenta los retratos hechos por Penn a lo largo de sus sesenta años de carrera", explicaron fuentes del museo sobre una exposición que empieza en 1944 con una foto del pintor Giorgio de Chirico y termina en 2006 con la de otro, Jasper Johns.
Con esta colección, adquirida en 2007 y que incluye 35 fotos donadas por el mismo artista, el Morgan rinde homenaje a uno de los grandes fotógrafos contemporáneos y a un estadounidense que capturó como pocos la esencia cultural de Nueva York en la época de postguerra, cuando Penn comenzó a trabajar para la prestigiosa revista Vogue, bajo la dirección de Alexander Liberman.
Irving Penn, que vive en Manhattan, nació en Plainfield, en la vecina Nueva Jersey, en 1917 y tomó su primera fotografía en color para la portada de Vogue del 1 de octubre de 1943.
Sus composiciones, según los expertos, contribuyeron de manera definitiva a la imagen de ese medio, además de imponer un estilo de fotografiar en estudio que creó escuela.
"Sus incisivos retratos ilustran un periodo de esta ciudad y de su historia cultural muy rico y definitivo", explicó el director del museo, Charles Pierce, además de subrayar que muchos de esos personajes son "iconos artísticos y literarios de quienes también hay muchos dibujos, manuscritos o libros en los fondos del Morgan".
Para el comisario de "Encuentros cercanos", Peter Barberie, "cada uno de los trabajos expuestos es el reflejo intenso de la relación entre Penn y su retratado", al tiempo que valoró su habilidad para captar a sus personajes de manera diferente a la que ellos mismos se presentaban ante el mundo.
En ese aspecto, añadió, Penn "negoció duro con cada uno de los que se pararon ante su cámara y, casi siempre, les ganó".
Más de una tercera parte de la muestra se concentra en las fotos que Penn tomó en la década de los cuarenta, en plena evolución de su estilo.
En 1947 empezó a fotografiar sentados y en espacios minimalistas a artistas como Dalí, una personalidad habituada a tener el control de su imagen.
"Dalí siempre dominaba a los fotógrafos que trabajaban con él. Y aquí es él el dominado. Sentado, con un traje precioso, en un espacio vacío, con fragmentos ajados de alfombra detrás, y todo lo que Dalí pudo hacer fue sentarse y mirar al fotógrafo", dijo a Efe el comisario de la exposición.
Un año después, Penn construyó en su estudio un pequeño espacio de paredes móviles que utilizaba para dar un ambiente más intimista a sus retratos en blanco y negro, y allí captó la personalidad de Truman Capote, Marcel Duchamp o Georgia O'Keeffe.
Sus retratos de una década después muestran una evolución en su estilo, acercándose más al personaje para acentuar su personalidad, y a menudo fotografió en un plano corto, en el que todo el espacio se llena con un rostro.
Precisamente, uno de esos famosos retratos es la instantánea que Penn tomó de Picasso en 1957 en Cannes (Francia), en la que se ve su rostro ladeado entre sombras, con sombrero y embozado en su abrigo, centrando la intensa mirada de uno de los ojos del artista.
Barberie explicó que ese retrato abre la exposición "por varias razones (...) Picasso está considerado por una inmensa mayoría como el artista más importante del siglo XX, y su retrato por Irving Penn es de unas dimensiones espectaculares".
"Fue uno de los más difíciles a los que se enfrentó Penn: Se le puede ver casi escondido detrás de una de sus famosas chaquetas y llevando uno de esos sombreros que tanto le gustaban. Dudo que Picasso facilitara el trabajo a Penn en esa sesión. Creo que fue casi una lucha entre los dos talentos, y no sé quién ganó", agregó.

Fuente: EFE

"La venus del espejo" cuelga ya de las paredes del Museo del Prado.

2007-11-13T03:24:00.000-08:00

"La Venus del espejo", una de las obras más emblemáticas de Velázquez que se conservan fuera de España, ha sido colgada esta tarde en las paredes del Museo del Prado, donde formará parte de la exposición que la pinacoteca dedicará este mes al maestro sevillano".

La obra, que pertenece a la National Gallery de Londres, ha seguido el protocolo habitual en este tipo de traslados, han explicado a Efe fuentes del Prado, y podrá ser contemplada por los visitantes del museo a partir del próximo día 20 en la exposición "Las Fábulas de Velázquez".
La muestra está incluida en el programa de actos de celebración de la inauguración de la mayor ampliación de la historia del museo y ha sido organizada para conmemorar los 188 años de vida de la pinacoteca.
"La Venus del espejo", óleo sobre lienzo de 122,5 por 177 centímetros, es uno de los grandes atractivos de la exposición, en la que se profundizará en la faceta del maestro sevillano como pintor de historia a través de 28 obras pintadas por él y 24 de otros artistas.
Exhibida por última vez en el Museo del Prado en 1990, con motivo de la antológica dedicada a Velázquez, se trata de la única obra que se conserva del maestro sevillano en la que aparece una mujer desnuda, aunque se sabe que pintó alguna más.
La autoría del cuadro es indiscutible, pero sobre su fecha de ejecución existen diferentes teorías.
La pintura aparece inventariada en el año 1651 entre los bienes de Gaspar Méndez de Haro, sobrino del Conde Duque de Olivares, lo que hace suponer que debería ser anterior a 1648, año en que Velázquez emprendió su segundo viaje a Italia, del que no regresó antes de la fecha del citado inventario.
Otra posibilidad es que pintara la obra en Italia durante los dos años en los que residió allí y luego fuera enviada a España antes de su regreso.
La Venus estuvo desde 1688 a 1802 en poder de la Casa de Alba, donde llegó después del matrimonio del Duque de Alba con Cristina de Haro y Guzmán, hija del marqués del Carpio, del que heredó el cuadro.
La pintura fue incautada, de 1802 a 1808, por Manuel Godoy a la muerte de la duquesa Cayetana de Alba. En 1808 el cuadro fue adquirido por G.A.Wallis para W. Buchanan, de Londres, que lo tuvo hasta 1813.
Posteriormente pasó a manos de George Yates, quien poco después lo vendió a J.B.S.Morrit (Yorkshire) por 500 libras. En 1905 fue vendido a la casa Agnew and Son, de Londres y en 1906 lo adquirió la National Gallery por 45.000 libras.
En 1914, el lienzo fue acuchillado por una sufragista inglesa que le dio siete puñaladas que apenas sí se notan, y en la actualidad se exhibe protegido por un espejo.
Velázquez trata el tema de Venus ante el espejo de una manera muy diferente a los artistas venecianos, dando un sesgo personal y muy español al tema de la mujer tendida. La deidad, que en la pintura del sevillano se humaniza, está de espalda y su rostro, que se adivina en el espejo que sostiene el cupidillo, es el de una mujer de belleza palpable.

Fuente: EFE

Un museo alemán exhibe 70 obras de Picasso de "Los años 50" cedidas por España y Francia.

2007-11-13T03:21:00.001-08:00

La Moderne Galerie de Saarbrücken (oeste de Alemania) exhibe desde hoy y hasta el 24 de febrero una completa muestra de setenta obras del pintor español Pablo Picasso, cedidas por museos españoles, franceses y norteamericanos, que repasan su producción artística durante "Los años 50".

El director del museo, Ralph Melcher, señaló que se trata de una exposición única por el periodo temporal que abarca y el número de obras reunidas, y destacó que el arte de Picasso (1881-1973) es "sinónimo de modernidad".
"El impacto de su obra en el arte contemporáneo es incalculable y ha influido incluso en la moda o en la publicidad", señaló.
La muestra incluye obras como "Las palomas" (1957) cedida por del Museo Picasso de Barcelona y "Corrida de toros" (1959) de la Galerie Rosengart de Luzern.
Melcher destacó que la exhibición permite captar la "profundidad" de la mirada del artista, su "concepción" del arte y sus "impresiones" de la vida cotidiana que transmiten el "sentimiento" vital de la década de los cincuenta.
Explicó que esos años marcan un punto de inflexión en la producción de Picasso puesto que las cuestiones públicas y la política "rivalizan" con los temas privados e íntimos.
Además, considera este periodo "especialmente interesante" ya que permite vislumbrar el estilo tardío del artista que le proporcionó fama mundial.
Hasta el mes de febrero, el museo acogerá proyectos pedagógicos, ponencias y mesas redondas sobre la figura del artista e incluso el Ballet Regional de Sarre interpretará en cinco ocasiones el espectáculo "Picasso en movimiento".

Fuente: EFE

El Guernica se revisa semanalmente y se limpia una vez al año.

2007-11-13T03:16:00.000-08:00

El estado del Guernica se revisa una vez a la semana y, como mínimo, una vez al año se realiza una limpieza superficial para la retirada del polvo, ha informado hoy el Museo Reina Sofía.

Asimismo, cada diez años aproximadamente se hace necesaria una limpieza del reverso de la obra de Picasso, señala en un comunicado el museo, que ha reconocido que así ocurrió entre el 22 y el 29 mayo de 2006, según el protocolo con el que trabaja el departamento de Restauración la pinacoteca.
Los trabajos, aprobados por el Patronato del Museo, consistieron en descolgar el Guernica, montarlo sobre un soporte móvil para poder separar la obra del muro y, posteriormente, limpiar el polvo acumulado entre el bastidor y el reverso del soporte.
También se recogieron muestras de residuos para su posterior análisis, se tomaron fotografías, se realizó una placa radiográfica de la totalidad de la obra y se procedió a la modernización del sistema de anclaje.
El Museo Reina Sofía ha explicado estos trabajos, llevados a cabo en uno de los cuadros más emblemáticos de Picasso, ante una información publicada hoy por el diario "ABC" en referencia a la operación llevada a cabo en 2006.
La pinacoteca ha insistido en que en el movimiento del Guernica, la obra "no corrió peligro alguno en ningún momento y en absoluto se produjeron irregularidades en su manipulación".
Según la nota, "se aprovechó el cierre temporal de las salas para el montaje de la exposición 'Picasso, Tradición y Vanguardia' para efectuar dichos trabajos, que estuvieron en todo momento dirigidos por el Departamento de Restauración del Museo", cuyo director es Jorge García Gómez-Tejedor.
El trabajo concluyó "con éxito", según la pinacoteca, que en los momentos de los hechos tenía como directora a Ana Martínez de Aguilar, y "ha permitido la mejora de las condiciones de la obra y su entorno, optimizando el control de las condiciones expositivas y medioambientales".
Tanto el director del departamento de Restauración del Reina Sofía, Jorge García Gómez-Tejedor, como su antecesora, Pilar Sedano, mantienen la opinión de desaconsejar el traslado de la obra Guernica a otro museo, dado el "delicado, complejo, pero estable, estado de conservación" del cuadro, añade la nota.

Fuente: EFE

Los maestros modernos del dibujo se reunirán en el museo Thyssen-Bornemisza.

2007-11-13T03:09:00.000-08:00

Una selección de 71 obras sobre papel de algunos de los nombres más destacados del arte de los siglos XIX y XX, entre los que se encuentran Goya, Toulousse-Lautrec, Van Gogh, Gauguin, Picasso, Miró, Freud o Warhol, podrán contemplarse en la exposición que el Museo Thyssen-Bornemisza dedica a los "Maestros Modernos del Dibujo".

La muestra, de la que es comisario el conservador jefe del museo Guillermo Solana, abrirá sus puertas del 27 de noviembre al 17 de febrero y está formada por la piezas procedentes de una colección privada española, la Colección Abelló, que se muestra al público por primera vez en un conjunto tan amplio.
Considerado desde el Renacimiento como una reflexión previa a la creación de la obra de arte, el dibujo no fue valorado como un medio artístico en sí mismo hasta la liberación de las artes en el siglo XIX y la búsqueda por parte del artista de la especificidad del medio con el que trabajaba. Esta búsqueda es el punto de partida de la exposición, que trata de ahondar en las líneas esenciales de las vanguardias artísticas a través del dibujo.
Las obras presentes en la muestra permitirán seguir la evolución del dibujo a lo largo de los siglos XIX y XX, partiendo de Goya y terminando con un artista vivo, el británico Lucian Freud. Un completo recorrido que presta especial atención al último tercio del siglo XIX y primera mitad del XX, momento culminante de las vanguardias, desde el Impresionismo al Surrealismo.
Especial importancia tendrán los artistas españoles, debido a la indiscutible importancia internacional que alcanzaron creadores como Pablo Picasso, Juan Gris, Julio González, Óscar Domínguez, Salvador Dalí o Joan Miró.
Guillermo Solana ha planteado un recorrido que arrancará con un magnífico retrato a lápiz que Goya realiza de su mujer, Josefa Bayeu, en 1805. El pintor aragonés es el más claro precursor del arte moderno, sobre todo en lo que a su obra gráfica se refiere, con la que alcanzó notoriedad internacional en vida.
Una de las piezas más destacadas es el pastel de Degas "Después del baño o Bañista secándose", que se exhibirá junto a "Joven arreglándose el pelo" de Matisse.
Maestros del Impresionismo y del Expresionismo, como Pissarro, Bonnard, Nolde, Munch, Kandinsky o Van Gogh, estarán presentes en una muestra que tendrá uno de sus atractivos en un conjunto de obra sobre papel de Pablo Picasso. También se colgarán dibujos de otros representantes de la corriente cubista y de sus derivaciones: desde Juan Gris o María Blanchard, hasta Pablo Gargallo y Torres García.
Otro de los grandes movimientos de la vanguardia del siglo XX, el Surrealismo, estará representado, entre otros, por los españoles Joan Miró, Salvador Dalí y Óscar Domínguez junto a André Masson o René Magritte.
Como punto final del recorrido, una pequeña representación del arte de la segunda mitad del siglo XX, con Balthus, Lucian Freud y Andy Warhol, junto a los dibujos de Miró con los que cerrará la exposición.

Fuente: EFE

Los Príncipes de Asturias visitarán en Pekín la muestra 'Arte y caballería en España. La Real Armería de Madrid'.

2007-11-13T02:41:00.000-08:00

(Plaza de Tiananmen)

Príncipes de Asturias visitarán el próximo 16 de noviembre la exposición 'Arte y caballería en España. La Real Armería de Madrid' en The Palace Museum de Pekín. La muestra, que ha sido organizada por la Sociedad Estatal para la Acción Cultural Exterior (SEACEX) y Patrimonio Nacional, ha llevado por primera vez a Asia una selección de obras maestras de la Real Armería de Madrid.
Comisariada por Álvaro Soler, conservador de la Real Armería del Palacio Real, la muestra ha reunido una selección de 150 piezas de esta colección, que está considerada una de las más importantes del mundo en su género. El objetivo de la exposición es mostrar al público chino una visión lo más completa de esta manifestación artística, testigo del mundo caballeresco como componente importante de la mentalidad española y europea.
Esta muestra es la última gran exposición del amplio programa promovido por SEACEX con motivo de la celebración del Año de España en China.
En la inauguración, los Príncipes de Asturias, estarán acompañados por José Antonio Bordallo, Gerente de Patrimonio Nacional; Pilar González, Gerente de la SEACEX; Rafael Spottorno, Director de la Fundación Caja Madrid -patrocinadora de la exposición- y Álvaro Soler, comisario de la exposición.
La muestra cuenta con la colaboración del Ministerio de Asuntos Exteriores y de Cooperación, Ministerio de Cultura, Dirección General de Asuntos Exteriores. Ministerio de Cultura de la República Popular China, Instituto Cervantes y Embajada de España en Pekín.

Fuente: EUROPA PRESS

Expertos mundiales reflexionan sobre las "miradas sobre España" desde la literatura y las artes.

2007-11-13T02:34:00.001-08:00

Más de 50 especialistas de Universidades y organismos de todo el mundo participan desde hoy y hasta el viernes en el Congreso Internacional Miradas sobre España, organizado por el Centro Cultural Bancaja y que completa la oferta cultural con motivo de la exposición "Visiones de España" de Joaquín Sorolla.

El Congreso, dirigido por los comisarios de la exposición de Sorolla, Facundo Tomás y Felipe Garín, servirá para reflexionar, a través de conferencias y mesas redondas, sobre los enfoques con los que se ha visto a España desde la literatura y las artes, según han informado hoy fuentes de la organización.
El catedrático de Literatura Española de la Universitat de València Joan Oleza ha abierto el congreso con la ponencia "De adentro hacia fuera y acerca de todo. La mirada autobiográfica", a la que ha seguido una mesa redonda sobre la imagen de España durante la época del Romanticismo.
Para finalizar la primera jornada de este congreso varios expertos han analizado la visión de España desde el mundo hispanoamericano.
Mañana se debatirá sobre la influencia de figuras españolas universales de la literatura como Ramiro de Maeztu, Blas de Otero y Vicente Blasco Ibañez en la construcción de la imagen de España.

Fuente: EFE

Un biombo de Gaudí creado para La Pedrera se vende en 1,38 millones dólares.

2007-11-13T02:24:00.001-08:00

Un biombo realizado en madera de roble y cristal coloreado en rosa por el artista español Antoni Gaudí para decorar a principios del siglo pasado la parroquia La Pedrera (España), se subastó hoy en Nueva York por 1,385 millones de dólares.

La pieza, creada en 1909 para la Casa Milá de Barcelona, forma parte de la colección del estadounidense Allan Stone, fue valorada por la firma de subastas entre 1,5 y 2 millones de dólares, y aunque se vendió ligeramente por debajo, un portavoz de la firma subrayó que aún así, "es un récord de venta mundial para el artista".
Asimismo señaló que ese biombo es "una de las obras de arquitectura más influyentes y representativas del artista".
Ese biombo fue una de las piezas mostradas en la exposición "Barcelona y Modernismo: de Gaudí a Dalí", que el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York celebró este año, y se diseñó inicialmente para la Casa Milá, también llamada La Pedrera, situada en el centro de Barcelona y Patrimonio Mundial desde 1984.
El plano sobre el que Gaudí basó esta casa se centra en dos patios interiores alrededor de los que se desarrollan las plantas de la casa para que penetre en ella el máximo de luz natural posible.
La pieza subastada en Manhattan "es un buen ejemplo de la personalidad de la casa por su juego de contrastes entre elementos opacos y traslúcidos. Los paneles esculpidos en madera de roble contrastan con los cristales teñidos de rosa", señaló Christie's.
Para los expertos de la casa de subastas "más que un objeto funcional, Gaudí crea una escultura, y más que una escultura, este biombo puede ser considerado una obra de arte abstracto, orgánico, que se adelante a los motivos y líneas surrealistas que tendrán lugar en las próximas décadas".
Esta venta forma parte de las subastas que las grandes firmas internacionales de ese mercado realizan cada año en su último trimestres.
Christies's sacará también mañana a la venta piezas importantes de arte contemporáneo, como la escultura "Blue Diamond" (Diamante Azul) realizada en 2005 por Jeff Koons, que se ha valorado entre 12 y 20 millones de dólares.
Esa misma firma intentará vender también mañana el famoso cuadro "Colored Liz", que Andy Warhol pintó en 1963 de la actriz Elizabeth Taylor, considerado como un icono del pop-art, y cuyo precio se ha estimado entre 25 y 35 millones de dólares.
Sotheby's sacará también el 14 de noviembre a subasta otra de las fabulosas esculturas de Koons, la titulada "Hanging Heart (Corazón colgante)", que es un gigantesco corazón de cristal de color magenta y oro, y por el que podrían llegar a pagarse entre 15 y 20 millones de dólares.
El fabuloso corazón, que pesa 1.560 kilos, es una de las obras más conocidas de Koons, que tardó diez años en concebir y terminar, y que forma parte de una colección de cinco piezas de color.

Fuente: EFE

Bilbao acoge la mayor muestra de arte de EEUU expuesta en Europa.

2007-10-22T13:51:00.001-07:00

Unas 200 obras de unos 120 artistas acoge el museo Guggenheim de Bilbao en 'Art in the USA: 300 años de innovación', la mayor muestra de arte estadounidense expuesta hasta el momento en Europa.
Inaugurada el 11 de octubre, ocho días antes del décimo aniversario del museo, la exposición estará en Bilbao hasta finales de abril, después de haber pasado por Pekín, Shanghai y Moscú, pero ampliada con unas 75 obras más.
Se trata de un "primer análisis histórico del arte estadounidense" y ofrece "una visión extraordinaria del desarrollo cultural e histórico de nuestra nación", desde comienzos del siglo XVIII hasta hoy, explica el director de la Solomon Guggenheim Foundation y comisario de la exposición, Thomas Krens.
La muestra, compuesta de muchas obras que nunca habían salido de Estados Unidos y dividida en seis períodos, comienza revelando la parte menos conocida en Europa del arte norteamericano, que abarca los siglos XVIII y XIX. La pintura rígida y 'naif' del período colonial que quiere imitar a la británica incluye retratos de personajes públicos como 'George Washington', de Gilbert Stuart, y una curiosa 'Galería del Louvre', de Samuel Morse, el inventor del telégrafo.
A comienzos del XIX, George Catlin retrata a los indios americanos, pero dominan los paisajes, como los de George Inness. Al final de ese siglo y comienzos del XX, los contactos con el exterior y los períodos que muchos pintores pasan en Europa hace que sean más conocidos algunos impresionistas como John Singer Sargent, McNeill Whistler y Mary Cassatt.
En el período de entreguerras conviven el realismo social con el regionalismo (Benton, Hartley, Hopper, Georgia O'Keeffe). Y, tras la Segunda Guerra Mundial, el expresionismo abstracto da figuras internacionales como Pollock, Rothko y De Kooning. Y tras el arte pop de los 60 (Warhol, Lichtenstein, Rosenquist), el de los últimos 20 años, con Keith Haring, Basquiat, Julian Schnabel y Jeff Koons.
Fuente: AFP.

Primera retrospectiva Klimt en EE.UU. se exhibe en Nueva York hasta junio 2008.

2007-10-22T13:43:00.001-07:00

La primera retrospectiva en Estados Unidos sobre la obra del pintor Gustav Klimt, incluyendo el retrato de Adele Bloch-Bauer, considerado el cuadro por el que más se ha pagado en el mundo, se podrá visitar en Nueva York hasta el próximo 30 de junio.

Titulada "Gustav Klimt: las colecciones de Ronald Lauder y Serge Sabarsky", la muestra se expone desde esta semana en la Neue Galerie de Manhattan y consta de ocho pinturas y más de 120 dibujos del artista austríaco que se ha logrado reunir por primera vez.
La exposición une así las colecciones de Lauder y Sabarsky, cofundadores de la Neue Galerie, sobre las obras de Klimt (1867-1918), creador del movimiento de art nouveau en Austria y símbolo de la llamada "destrucción creadora" que entonces dominaba el panorama artístico vienés.
"Los trabajos de Klimt representan la quintaesencia del fin de siglo en Viena: su riqueza, su sensualidad y su capacidad de innovación", dijo la directora de la Neue Galerie, Renée Price.
Para Lauder, heredero del imperio de los cosméticos Estée Lauder y propietario del célebre retrato de Adele Bloch-Bauer, el pintor austríaco "es de suma importancia en el desarrollo del arte moderno, y parte central de la colección y la misión de este museo".
Lauder adquirió hace apenas un año el cuadro, un óleo de 138 por 138 centímetros conocido como "la Adele de oro", por los tonos predominantemente dorados con que Klimt reflejó a la sensual esposa de un empresario judío, Ferdinand Bloch-Bauer, y de la que entonces se dijo que fue amante del artista.
Ese cuadro, por el que se pagaron 135 millones de dólares, es pieza central de esta sala de exposiciones, primer destino fuera de Austria para quienes quieran admirar los trabajos "de un artista tan complejo y particular", dijo Price.
Los organizadores de la muestra han incluido también, como uno de sus grandes atractivos, la reconstrucción del salón de recepción del segundo estudio del artista vienés con sus propios muebles.
Esa recreación de una parte del estudio del pintor modernista está basada en los planos originales de la residencia y en las fotografías de 1912 que perduran sobre el estudio vienés que Klimt ocupó desde 1892 durante dos décadas.
Los muebles son los originales diseñados por Josef Hoffmann, y han sido prestados por la colección Ernst Ploil de la capital austríaca.
Además de esas pinturas y dibujos y del particular estudio recreado tan fielmente, los organizadores han incluido en la exposición algunos objetos que pertenecieron al autor de pinturas tan conocidas como "El beso" o "Dánae".
Entre los efectos personales de Klimt, la Neue Galerie ha incluido unos gemelos de camisa y un sello, ambos diseñados por el arquitecto Josef Hoffmann, así como una bata de pintar del artista, la única que se conserva.
La recreación de ese ambiente modernista vienés del estudio y la muestra se completa con la música de fondo elegida para la ocasión, que incluye piezas de los autores más admirados por Klimt, como Beethoven, Brahms o Schubert.
Con esta retrospectiva se acerca al público estadounidense el trabajo de un gran pintor apenas conocido en este país durante la primera parte del pasado siglo y cuya reputación entre admiradores y coleccionistas comenzó a partir de los años sesenta, para ser hoy día un artista de culto.
La exhibición contiene además una muestra de dibujos realizados por estudiantes vieneses de entre 10 y 14 años inspirados en la famosa "Adele de oro", y presentes aquí bajo el título de "Adele llega a América".
Para completarla los organizadores han publicado un catálogo ilustrado, con ensayos de Marian Bisanz-Prakken, Emily Braun, Alessandra Comini, Ronald Lauder, Sophie Lillie, Tobias Natter y Renée Price, entre otros.
En esa publicación aparece además una entrevista con Maria Altmann, sobrina de Adele Bloch-Bauer y anterior propietaria de la obra, por la que pleiteó en los tribunales con el Gobierno austríaco para recuperar un tesoro artístico confiscado durante la ocupación nazi.

Fuente: EFE

El Museo del Prado es el lugar elegido para exponer en Madrid los murales de Sorolla.

2007-10-22T13:37:00.000-07:00

El Museo del Prado es el lugar elegido para exponer en Madrid, en mayo de 2009, los murales que Joaquín Sorolla pintó para la Hispanic Society de Nueva York y que se mostrarán por primera vez en España el próximo mes de noviembre, en el Centro Cultural Bancaja de Valencia.

Así lo confirmó a EFE el gerente de la Fundación Bancaja, Miguel Ángel Utrillas, quien explicó que la posibilidad de exponer en España los catorce murales que forman la obra "Visiones de España" es "única e irrepetible" puesto que las pinturas no habían salido antes de la institución, que ya ha manifestado la intención de que tras su llegada de España permanezcan siempre allí.
Joaquín Sorolla retrató entre el 1912 y el 1919 su visión particular de España en catorce grandes lienzos de 3'5 metros de alto y sesenta metros de ancho en total, en las que están representadas las fiestas y actividades típicas de las diferentes regiones.
La obra fue encargada a Sorolla por el fundador de la Hispanic Society de Nueva York, Archer Milton Huntington, quien creó la Fundación para difundir la cultura española y latinoamericana, de las que era un apasionado.
La colección será inaugurada en Valencia el próximo 7 de noviembre por los Príncipes de Asturias, y en marzo, cuando se clausure en esta ciudad, iniciará un recorrido por diferentes capitales españolas para exponerse en el Museo de Bellas Artes de Sevilla, en Málaga, en el Museo Nacional d'Art de Catalunya de Barcelona, y en el Museo de Bellas Artes de Bilbao.
Utrillas explicó que desde la Fundación pretenden que la muestra vuelva a Valencia, la tierra natal de Sorolla, tras de exponerse en El Prado, museo en el que el pintor siempre deseó ver sus obras.
Entre las obras de Sorolla de esta exposición se encuentran "Las grupas" (Valencia), "El palmeral" (Elche), "La fiesta del pan" (Castilla), "Semana Santa: Los Nazarenos" (Sevilla), "El encierro" (Andalucía), "Los toreros" (Sevilla) o "La Pesca del Atún" de Ayamonte (Huelva)
Bancaja ha en este proyecto más de dos millones de euros, ya que además del pagar la cesión, se ha hecho cargo de la restauración de los cuadros y del traslado de los mismos, que llegaron a Valencia en aviones fletados para la ocasión.

Fuente: EFE

Monumental mural de Siqueiros será restaurado a la vista del público.

2007-10-22T13:30:00.001-07:00

El monumental mural "Ejercicio plástico", del artista mexicano David Alfaro Siqueiros, será restaurado a la vista del público a escasos metros de la sede del gobierno argentino, informa hoy la prensa local.

Sólo falta definir quién solventará los seguros para trasladar la obra desde los contenedores de las afueras de Buenos Aires donde se encuentra hasta el sitio donde será limpiado y recuperado por expertos argentinos y mexicanos, señaló al diario La Nación Magdalena Faillace, funcionaria de la Cancillería de Argentina.
El espacio donde será restaurado se halla a las espaldas de la Casa Rosada, sede del gobierno argentino, y perteneció a un antiguo edificio aduanero.
"La multinacional Techint asumirá el acondicionamiento de los contenedores y la empresa Delmiro Méndez se hará cargo del traslado", explicó Faillace, embajadora para los Asuntos de la Mujer de la Cancillería.
La obra, pintada sobre siete paneles, está en custodia de un juez pues la pelean judicialmente en Argentina dos particulares enfrentados por una deuda.
Según La Nación, todo parece indicar que el gobierno argentino asumirá la garantía de los seguros, en virtud de que el Parlamento aún no aprobó la ley para expropiar el mural pintado en 1933.
La obra de Siqueiros fue declarada "bien de interés histórico artístico nacional" por el Ejecutivo argentino en 2003 y es considerada por México como "monumento artístico de la nación".
El mural "Ejercicio plástico" fue pintado en la finca del periodista Natalio Botana, director del diario Crítica, con ayuda de los artistas argentinos Lino Spilimbergo, Antonio Berni y Juan Carlos Castagnino y con el escenógrafo uruguayo Enrique Lázaro.
En 1989, el restaurador Héctor Mendizábal, a través de la firma Seville, compró la finca para desmontar los siete paneles que comprenden el mural y así exhibirlo al público, pero la empresa quebró y el restaurador se enfrentó a una serie de demandas iniciadas por sus ex socios, quienes le reclamaban la propiedad de la obra.
A éstas se les sumó la presentada por la empresa uruguaya Dencanor, que compró el mural a Seville en 1994 por 824.000 dólares y quien ahora reclama la posesión.

Fuente: EFE

Una colección europea de tapices del Barroco se expone en el Metropolitan de Nueva York.

2007-10-18T07:44:00.001-07:00

Una fabulosa colección de tapices procedentes de diez países y confeccionados entre 1590 y 1720 a petición de reyes, papas y aristócratas de toda Europa, se puede contemplar desde hoy y hasta el 6 de enero en el Museo Metropolitan de Nueva York.

Bajo el título "Tapicería en el Barroco: Hilos de Esplendor", el prestigioso museo neoyorquino ha organizado esta exhibición de 40 tapices que cuenta con la colaboración de instituciones de otros países poseedores de espléndidas piezas, como el Patrimonio Nacional de España.
La exhibición, que en parte se podrá visitar durante la primavera de 2008 en Madrid, según dijeron los organizadores, es también "la primera muestra global de la tapicería europea de alta calidad del siglo XVII y demuestra su importancia como una arte figurativo" de la época.
Desde la Edad Media al siglo XVIII, las cortes europeas mostraban gran generosidad a la hora de encargar a los artistas más a la moda los tapices con los que decoraban sus mansiones, pero que también eran "instrumento de propaganda", consideran los expertos del Metropolitan.
"En esta muestra puede verse la tapicería más importante del Barroco desde que Luis XIV se paseaba por las galerías de Versalles", dijo hoy el director del Metropolitan, Philippe de Montebello, que ve en ella "una experiencia visual sin igual para una audiencia moderna".
En esta muestra, que sigue a la realizada por la institución sobre los tapices del Renacimiento en 2002, se puede observar la evolución estilística de un arte al que contribuyeron los mayores artistas de la época como Peter Paul Rubens, Jacob Jordaens, Simon Vouet, Charles LeBrun, Pietro da Cortona o Giovanni Romanelli.
Además de los 40 tapices, se exhiben 25 diseños y dibujos, la mitad de ellos proceden de la escuela flamenca, como los Triunfos de la Iglesia, diseñado por Rubens, o los de Jordaens para los Austrias.
Precisamente esa tapicería de Rubens tuvo como destino el convento de las Descalzas Reales en Madrid.
La muestra incluye raras piezas como el dosel de un trono hecho para el rey de Dinamarca en 1584, las elaboradas en 1620 en la localidad inglesa de Mortlake para Carlos I de Inglaterra o los hechos por la fábrica francesa de Gobelinos para Luis XIV.
"Para la mayor parte de los ricos del siglo XVII, la tapicería era el principal instrumento de la decoración figurativa y de la propaganda, aunque ello apenas se menciona en los libros de historia", explicó el comisario de la exposición, Thomas Campbell.
Agregó que los "tapices del Barroco proporcionan equilibrio a esa visión miope del pasado".
La muestra consta de nueve secciones que recorren la evolución de los centros europeos que se dedicaban a la industria del tapiz desde 1580 hasta 1720, y en ella se recoge cómo la guerra de 1570-1580 en los Países Bajos hizo que muchos de sus artesanos tapiceros dejasen el país para marchar a otros lugares europeos.
Igualmente se muestra el renacer de esa industria en Bruselas, a partir de principios de 1600, de la mano de los archiduques Alberto e Isabel, y los diseños que Rubens pintó en óleos para la colección de la Casa Real española, y que luego se reproducían en lana y seda.
El declive de la escuela de Bruselas llevó al auge de la de París y de artistas como Antoine Caron, Henri Lerambert y Simon Vouet, y al de Mortlake, para volver de nuevo a Bruselas, y seguir en Florencia con los encargos de los Medici a los artesanos Lodovico Cardi y Lorenzo Lippi.
Otra sección de la muestra se concentra en la fábrica francesa de los Gobelinos, para acabar con los tapices elaborados para el duque de Marlborough.
Además de esa fabulosa colección de tapices, el Metropolitan ha abierto también esta semana otra exposición, "Regalos para los dioses: imágenes de los templos egipcios", en la que se pueden ver 70 estatuas y estatuillas elaboradas con metales preciosos y cobre que datan de hace dos milenios.

Fuente: EFE

Las esculturas de Antonio Canova se exponen en la villa Borghese.

2007-10-18T07:37:00.000-07:00

La villa Borghese de Roma expone a partir de este jueves unas cincuenta obras del escultor italiano Antonio Canova, maestro en la escultura del mármol blanco y uno de los principales representantes del neoclasicismo italiano.

La exposición está organizada en torno a la obra más conocida de Canova (1757-1822), 'Paulina Borghese como Venus de la Victoria', propiedad de la villa Borghese, que Canova definió como "la villa más hermosa del mundo".
En la escultura, Paulina Bonaparte, hermana de Napoléon casada con el príncipe Camilo Borghese, figura con un aire lánguido en un lecho de mármol blanco, cuyos pliegues están tan finamente tallados que parecen auténtico tejido.
"Canova tenía una relación muy especial" con Roma, destacó el ministro italiano de Cultura, Francesco Rutelli, quien rindió homenaje "a los cinceles y la pluma" del artista, que "lo condujeron a la inmortalidad".
Antonio Canova trabajó para Papas y reyes de todo el mundo, y está considerado como uno de los mejores escultores neoclásicos.
Unas cincuenta esculturas, inspiradas de la mitología griega y latina, así como algunos cuadros y dibujos permanecerán expuestos hasta el 3 de febrero próximo en la villa Borghese, sede de una de las principales colecciones de arte de Italia.

Fuente: AFP

"El Pensador" de Rodin, expuesto al aire libre por primera vez en España.

2007-10-17T08:26:00.001-07:00

"El Pensador", una de las obras cumbre de Auguste Rodin, comparte desde hoy la calle con los viandantes por primera vez en España al haber sido instalada junto a otras seis piezas del escultor francés en la calle Larios, la vía más emblemática del casco histórico de Málaga.

Las siete obras proceden del Museo Rodin de París y permanecerán expuestas hasta el próximo 12 de diciembre en la capital malagueña, desde donde viajarán a Granada y Valladolid, en una muestra organizada por la Fundación "La Caixa".
Rodin (1840-1917), considerado en su época como el gran innovador de la escultura, concibió estas piezas para que permanecieran al aire libre, porque siempre tuvo el empeño de que sus obras "estuvieran al alcance de todo el mundo y no hubiera barreras entre el arte y los ciudadanos", ha afirmado hoy la comisaria de la exposición, Helene Marraud, del Museo Rodin.
"Todas las esculturas necesitan espacio, y especialmente, las monumentales, que no están concebidas para estar encerradas entre cuatro paredes", ha subrayado Marraud.
En el caso de "El Pensador" que da la bienvenida a los peatones a la entrada de la calle Larios, se trata de una figura de 650 kilogramos de peso, aumentada respecto a la que modeló Rodin, algo habitual en las creaciones del artista francés.
"La mayoría de las obras de Rodin han sido modificadas en el tamaño o se le han añadido elementos como los brazos, porque él nunca consideraba que una obra fuese definitiva", ha apuntado la comisaria.
Esta figura, inicialmente concebida para formar parte del grupo escultórico "La puerta del infierno", se instaló ante el Panteón de París hasta 1922, cuando se trasladó hasta su actual ubicación en el Museo Rodin.
Antes de Málaga, se había podido contemplar en la plaza de Tiananmen, en Pekín, en 1994, y en Roma este año con motivo del quincuagésimo aniversario del Tratado que originó la Unión Europea.
Completan la exposición seis estudios preparatorios del "Monumento a los burgueses de Calais", encargado a Rodin por esta ciudad francesa para conmemorar un hecho histórico ocurrido en 1347 durante la Guerra de los Cien Años.
El rey Eduardo III de Inglaterra sitió el puerto de Calais y prometió que sería indulgente si seis notables de la misma se entregaban ante él en camisa, con la cabeza y los pies desnudos y con una cuerda al cuello, y le entregaban las llaves de la ciudad.
Pese a que iban a ser ejecutados, finalmente se les perdonó la vida, pero la ciudad quiso a finales del siglo XIX reconocer el gesto de los burgueses y encargó el monumento a Rodin.
Se da la circunstancia de que éste modeló inicialmente las figuras desnudas, y a continuación las vistió con túnicas reales que empapó en escayola y añadió a las esculturas, ha explicado Marraud.
Por su parte, el secretario general de la Fundación "La Caixa", Luis Reverter, ha recordado que Rodin diseñó inicialmente sus obras para que fueran colocadas "encima de un gran pedestal", pero después cambió de opinión y quiso "acercarlas a la gente", algo que no consiguió hasta después de su muerte y que vuelve a lograr ahora con esta exposición en Málaga.

Fuente: EFE.

Exposición de Minerales y Fósiles reunirá colección de 49 venus neolíticas

2007-10-17T08:10:00.001-07:00

Una colección de 49 venus neolíticas, esculturas dedicadas a la mujer encontradas en distintos
yacimientos europeos, será uno de los atractivos de la 30 edición de la Exposición Internacional de Minerales y Fósiles "Fosminer", que se celebrará en el Bilbao Exhibition Centre (BEC) del 19 al 21 de octubre.
Un total de 82 expositores participarán este año en "Fosminer", la feria dedicada a los fósiles y minerales más importante de las que se celebran en España, según dijo hoy al presentar el certamen el consejero delegado del BEC, José Miguel Corres, que resaltó también la "gran calidad" de las piezas que se podrán contemplar.
Los expositores, procedentes de España, Alemania, Marruecos, Polonia e Italia, mostrarán fósiles, minerales, gemas, meteoritos y otro tipo de piezas procedentes de yacimientos de todo el mundo.
El perfil de los asistentes engloba al público en general, expertos, coleccionistas, profesionales, comerciantes, investigadores, además de estudiantes y profesores de los distintos niveles de enseñanza, que acuden del País Vasco y de las comunidades autónomas limítrofes e incluso de otros países.
La exposición, a la que se podrá acceder de forma gratuita y en la que participarán la Fundación Atapuerca y la Asociación de Museos de Mineralogía y Paleontología, acercará al público visitante muestras de alto nivel y novedades importantes procedentes de todo el mundo.
Entre las novedades de esta edición se encuentra la colección titulada "La mujer en los albores de la Civilización", que se podrá contemplar por primera vez en España y que consta de las citadas 49 Venus Neolíticas.
Además, se instalará una réplica a tamaño natural de un león "Dientes de Sable" de 1,20 metros de alto por 2,30 de largo, procedente de California, que vivió durante el Pleistoceno, hace 1,8
millones de años, junto con una colección de 10 cráneos de este animal.
También serán expuestos 13 cráneos pertenecientes a grandes reptiles mesozoicos, una mandíbula de tiburón, un oso de las cavernas, una colección de meteoritos y se instalarán dos aulas temáticas distintas, una sobre el cambio climático y otra sobre la historia de la energía.

Fuente: EFE

Una subasta de arte contemporáneo supera los treinta millones de libras.

2007-10-17T08:06:00.001-07:00

Una subasta de arte contemporáneo y moderno, en la que se vendieron obras de Andy Warhol y Yue Minjun, ha superado los treinta millones de libras (42 millones de euros), la cifra más alta alcanzada en una puja de otoño de este arte.

Según informó hoy la casa "Sotheby's", las ventas de anoche en su sede de Londres alcanzaron 34.865.300 libras (unos 49.857.379 euros/70.692.882 dólares), cifra tres veces más alta que la subasta de otoño del 2006, cuando la cantidad vendida llegó a 9,9 millones de libras (14,1 millones de euros/18,7 millones de dólares).
El responsable de las subastas de arte contemporáneo de Sotheby's, Francis Outred, dijo que los resultados de anoche demuestran que el mercado de hoy es más global.
El interés por artistas como Raqib Shaw y Yue Minjun pone de manifiesto que los coleccionistas internacionales tienen interés por trabajos de artistas de todo el mundo, añadió Outred.
La obra "Ejecución" de Yue Minjun alcanzó un precio de 2.932.500 libras, cifra muy superior al anterior récord por este artista, de 2.148.000 libras, y al de salida, de 1,5 y dos millones de libras.
La subasta de esa obra, por la que pujaron dos interesados por teléfono durante casi seis minutos, supone un récord para un trabajo de arte contemporáneo chino en una subasta, según Sotheby's.
"Ejecución" (1995) está inspirada por "Los fusilamientos del 3 de mayo", de Francisco de Goya, y "La ejecución del emperador Maximiliano", de Manet.
Una obra del indio Raqib Shaw, "The Garden of Earthly Delights III", se vendió por valor de 2.708.500 libras, muy superior al precio de salida, de entre 400.000 y 600.000 libras.
Con esa venta, se alcanzó un nuevo récord por una obra de este artista y también por una obra de arte indio en una subasta.
El trabajo de Shaw, un jardín de numerosos colores y que era la portada del libro dedicado a esta subasta de arte contemporáneo, es la obra más importante del artista que sale a la venta.
Cinco interesados pujaron por ella, lo que refleja la llegada del arte contemporáneo indio al mercado internacional.
La obra "Jackie" (1964) de Andy Warhol se vendió por 1.700.500 libras, frente al precio estimado de entre 300.000 y 400.000 libras, mientras que una pequeña obra de David Hockney, titulada "Swimming Pool" alcanzó 1.196.500 libras, cifra superior al precio de salida, de entre 450.000 y 550.000 libras.
La pintura de Hockney, que ha permanecido durante treinta años en manos de una colección privada, no había sido vista en público desde 1978, según la casa de subastas.
La obra "Untitled (Head)" de Jean-Michel Basquiat alcanzó 2.932.500 libras, frente al precio de salida estimado en 2,5 y 3,5 millones de libras, y fue adquirida por un comprador anónimo.
Esa obra es de 1981, año en el que el artista estadounidense de origen caribeño hizo la transición de la calle, donde se dedicaba a pintar grafiti, a las galerías del barrio neoyorquino Chelsea.
La obra de Francis Bacon "Studies of Isabel Rawsthorne", se vendió por 1.812.500 libras, precio que se ajustaba al estimado, que era de entre 1,5 y 2 millones de libras.

Fuente: EFE

El IVAM de Valencia, lleva al Museo de Bellas Artes de Hanoi dos exposiciones.

2007-10-17T07:47:00.000-07:00

El IVAM presenta en el Museo de Bellas Artes de Hanoi las muestras Miradas españolas sobre la experimentación en la colección fotográfica del IVAM y La Alquimia de los Herreros. Estas exposiciones podrán visitarse del 13 de octubre al 12 de diciembre de 2007. La primera de ellas, comisariada por Consuelo Císcar y José V. Monzó, es una selección fotográfica que reúne 40 obras de los autores españoles más representativos que forman parte de la Colección de Fotografía del IVAM. Desde los fotógrafos vinculados con las vanguardias históricas, hasta las últimas tendencias del arte contemporáneo, que han encontrado en la fotografía, la herramienta ideal para plasmar sus obras. Autores españoles como Gabriel Cualladó, Chema Madoz, Manuel Falces, o Enrique Carrazoni, Joan Foncuberta, Ouka Lele, entre otros, han realizado una obra experimental importante y donde podemos observar la gran amplitud de estilos con que han sido tratados los temas más diversos, desde el retrato, al bodegón o naturaleza muerta, así como el paisaje o el desnudo, desarrollando todo tipo de experimentaciones: tomas en picado y contrapicado, primeros planos, fotogramas y rayogramas, fotomontajes y collages, tomas múltiples, etc. Diferentes temas que otorgan a la Fotografía el carácter especifico de género, ya que es indistinto el modelo que se trate, pues siempre encontráremos muy presente el rasgo o la huella que ha posibilitado su existencia. La Dirección General de Relaciones Culturales y Científicas del Ministerio de Asuntos Exteriores y de Cooperación, a través de la Sociedad Estatal para la Acción Cultural Exterior, SEACEX, el Ministerio de Cultura, el Instituto Valenciano de Arte Moderno IVAM y el Museo de Bellas Artes de Hanoi, han organizado la exposición La Alquimia de los Herreros que recoge la obra de algunos de los artistas imprescindibles del arte español del siglo XX. Obras de Julio González, Martín Chirino, Miquel Navarro y Andreu Alfaro integran esta muestra que se inaugurará el próximo 12 de octubre en el Museo de Bellas Artes de Hanoi Comisariada por Consuelo Císcar y por Ángel Kalemberg, la exposición pone de manifiesto la importancia de la invención de la escultura en hierro en la obra de Julio González y la influencia que este artista ha proyectado sobre sucesivas generaciones de escultores españoles, como Martín Chirino, Andreu Alfaro y Miquel Navarro. La Alquimia de los Herreros muestra una selección de esculturas pertenecientes a la colección del IVAM, y que constituye una representación de los mejores trabajos de estos cuatro escultores. Además, ofrece una descripción de su estética personal y proyecta los puntos de conexión entre ellos. En la muestra se establece un diálogo entre las esculturas y dibujos realizados por estos cuatro artistas cuyas obras, reconocidas internacionalmente, son realzadas mediante esta presentación conjunta.

Fuente: Panorama.es

El género del retrato como protagonista del camino a la modernidad en una exposición.

2007-10-17T04:51:00.000-07:00

El género del retrato fue testigo y protagonista de una de las historias más interesantes del arte español del siglo XX, el camino hacia de la modernización, como se refleja en la exposición "El retrato moderno en España (1906-1936). Itinerarios y procesos".

Inaugurada hoy en las salas temporales de la Academia de Bellas Artes de San Fernando y organizada por esta institución en colaboración con la Fundación Santander, la muestra revisa el retrato, recuperándolo y reinterpretándolo bajo una nueva luz.
Después de que a finales del XIX dejara de ser un género que perteneciera exclusivamente a la elite, el retrato comparte protagonismo con el resto de la sociedad, en general amigos o familiares del pintor, pero también del individuo anónimo, cuya imagen conectaba mucho más con el público.
Cerca de sesenta obras, de las que veinte son "auténticas sorpresas" que no se han exhibido nunca a la mirada del público, plantean un recorrido transversal y de múltiples perspectivas por las principales fases del retrato hasta consolidarse como gran género moderno.
Las fechas que abarca la exposición han sido fijadas por los comisarios Adolfo Blanco Osborne y Javier Pérez Segura teniendo en cuenta el momento en que Eugenio D'Ors sienta las bases del novecentismo, y el comienzo de la Guerra Civil, que truncó los movimientos culturales.
"La lectura de la exposición no es lineal y no se trata de presentar un discurso cronológico", comentó Adolfo Blanco, que junto con Javier Pérez ha concebido la muestra en cuatro grandes bloques: el comienzo de la modernidad, la vanguardia más radical, los años veinte con el triunfo del realismo, y los años 30, caracterizados por la metafísica y la llegada del surrealismo.
"En los cincuenta y ocho retratos exhibidos se establecen cincuenta y ocho diálogos diferentes entre el espectador y la obra de arte", comentó Javier Pérez Segura, para quien la exposición invita al descubrimientos de las obras, a la contemplación estética y a la reflexión sobre la identidad del ser humano.
La primera selección, con obras firmadas por Manuel Benedito, Joaquín Sorolla, Julio Romero de Torres, Anglada Camarasa, Isidro Nonell o Joaquim Sunyer, propone un laberinto de tendencias, variadas y personales, con un itinerario por algunas de las poéticas que dominaban el género.
"Olga sentada", de Picasso, "La cantante" de Juan Gris, junto con obras de María Blanchard, Rafael Barradas, Francisco Iturrino, Benjamín Palencia o Daniel Vázquez Díaz, entre otros, representan una vanguardia más radical en el género. A menudo se constituyeron sobre las bases de un lenguaje híbrido, con presencia del fauvismo, cubismo, futurismo o expresionismo, sin abandonar la figuración.
El tercer apartado, con obras fechadas en su mayoría en los años veinte, reflejan el triunfo absoluto de los nuevos realismos, un lenguaje de expansión internacional que los pintores españoles-que mantenían un diálogo fluido con el arte europeo-entendieron con sensibilidad y fuerza. Ejemplo de ello son "Ana María" de Dalí, "Le Gosse", de José de Togores, "La Galana", de Gregorio Prieto, o los retratos de Ramón Gaya o Esteban Vicente.
La exposición, que estará abierta hasta el 2 de diciembre, finaliza con retratos de los años treinta, que muestran, por una parte, la llegada del surrealismo, con obras de Óscar Domínguez o Jesús Olasagasti, y por otra el dominio de los nuevos realismos con retratos de José Arrúe, Angeles Santos, Mariano de Cossío, Menchu Gal o Santiago Montes.
Para Javier Aguado, director de la Fundación Santander, la exposición aporta nuevas perspectivas de un periodo determinado de la pintura española y "analiza y estudia un valor como el retrato, no excesivamente reconocido. Además, los artistas presentes son de gran valía, pero en la actualidad muchos de ellos son casi desconocidos".

Fuente: EFE

Proxima exposición en el Museo Guggenheim de Bilbao. Rejilla: minimalismo y arte conceptual en los años 60 y 70.

2007-10-17T04:06:00.000-07:00

En 1991 y 1992 el Solomon R. Guggenheim Museum incorporó a su Colección alrededor de 350 obras del Minimalismo, Posminimalismo y Arte Conceptual, procedentes de la prestigiosa Colección Panza di Biumo. Además de convertirse en el punto de partida de la Colección de arte contemporáneo de los Museos Guggenheim, dan continuidad a la misión de reunir y promover el arte no-objetivo. Esta exposición ensalza el lenguaje visual de la pintura y escultura minimalistas a través de la investigación del uso monocromático del color y de la rejilla en obras de Carl Andre, Dan Flavin, Donald Judd, Robert Mangold, Agnes Martin, Robert Morris y Robert Ryman.

Fuente: Museo Guggenheim Bilbao.

Inaugurada en Londres una exposición prohibida para menores de edad.

2007-10-17T03:32:00.001-07:00

El Barbican de Londres, la ciudad donde todo, o casi todo, parece permitido, inaugura este viernes una provocativa exposición sobre la relación milenaria entre el arte y el sexo que estará enteramente prohibida para menores de 18 años.

Esculturas romanas, grabados eróticos japoneses, miniaturas indias e iraníes, obras de Rembrandt, Fragonard, Klimt y Picasso, un filme de Andy Warhol mostrando una felación, pinturas en seda chinas: más de 250 obras del mundo entero se exhiben en 'Seduced: el arte y el sexo desde la antigüedad hasta hoy'.
"Les invitamos al placer de ser seducidos por el arte que ha abordado a través de la historia temas sexuales", se lee en la entrada de la exhibición, que sus organizadores aseguran que busca "provocar, pero no chocar".
"Nunca antes en el mundo se había hecho algo así", aseguró Martin Kemp, uno de los conservadores de la muestra, que llevó cinco años de trabajo e implicó una organización "logística extraordinaria" debido a que las obras y objetos de arte vinieron de todas partes del mundo.
La exposición, que estará abierta hasta el 8 de enero, incluye desde esculturas romanas ejecutadas hace 2.000 años de bacanales y de ninfas acosadas por sátiros -un tema luego retomado por Picasso y Rodin, a fines del siglo XIX- hasta fotografías fetiches de Robert Maplethorpe y Nan Goldin.
La exhibición "es atrevida, pero no pornográfica", insistió Kemp. "Muestra cómo las diferentes culturas han expresado en el arte este tema básico de la humanidad: el sexo. En cambio, la pornografía es unidimensional, no explora las relaciones humanas", dijo.
El Barbican consiguió una pequeña hazaña: el Museo Metropolitano de Nueva York le cedió para esta exposición un explícito cuadro de Pablo Picasso, 'La Douleur (Scène Erotique)', del período azul del maestro malagueño.
Se trata de un óleo en el que el artista se retrata en pleno acto sexual y que el museo neoyorquino nunca se ha atrevido a colgar por ser tan explícito.
Otra hazaña fue conseguir que que el 'Gabinete Secreto' del Museo de Nápoles prestara frescos hallados en un burdel de Pompeya de parejas haciendo el amor, y que la galería Borghese de Roma cediera una de sus más grandiosas esculturas en mármol: 'Hermafrodita Durmiente'.
El Barbican exhibe asimismo acuarelas eróticas de Turner, Rodin, Klimt y Schiele, un óleo de Francis Bacon de dos hombres haciendo el amor en una silla y las famosa pinturas del artista estadounidense Jeff Koons haciendo el amor con su ex esposa, la ex estrella del porno italiana Cicciolina.
No podía faltar el filme de Warhol 'Blow job': 35 largos minutos de sexo oral, sólo visto en el rostro de un hombre, así como libros miniaturas de escenas eróticas.
El público puede también escuchar páginas de obras del marqués de Sade, de Vladimir Nabokov, el autor de 'Lolita', y textos de Kama Sutra, en una instalación sonora, titulada 'La voz del sexo'.
"Nuestra meta era presentar una exhibición que busca confrontar al público, pero queríamos que también fuera íntima: queríamos tratar el sexo como una emoción vinculada con la excitación de lo visual", explicó Marina Wallace, otra de las curadoras de la muestra, que forma parte de las festividades del 25 aniversario de este popular centro cultural londinense.
La otra curadora, Joanne Bernstein, resaltó que la exhibición muestra, en toda su diversidad, como los artistas del mundo entero han "representado el sexo, que es algo universal, fundamental", en todas las culturas.

Fuente: AFP.

La aduana brasileña no considera las fotos de Marylin Monroe como arte e impide una exposición.

2007-10-17T03:27:00.000-07:00

La aduana de la ciudad brasileña de Sao Paulo no consideró como arte una serie de fotografías de la fallecida modelo y actriz estadounidense Marylin Monroe e impidió así la apertura hoy de una exposición en Río de Janeiro, informaron medios locales.

Las 62 fotografías de la exposición "Marylin Monroe, el mito", que recorre diversas ciudades del mundo, fueron retenidas por fiscales de aduana del aeropuerto Cumbica de Guarulhos, que opera para Sao Paulo, reportó este martes el portal noticioso G1.
La exposición de las últimas fotos artísticas de la actriz, algunas al desnudo, realizada por el también estadounidense Bert Stern, debería ser inaugurada este martes en el Museo de Arte Moderno de Río de Janeiro.
El curador de la muestra, Geraldo Jordao Pereira, recordó que la exposición del material fotográfico realizado en Los Ángeles mes y medio antes de la prematura muerte de la actriz en 1962, pasó sin problemas ya por otros museos, como el Maillol, de París.
"Esa actitud es de un atraso que me llega a causar espanto. Los fiscales están exigiendo el pago de una tasa, pues no consideran las fotos como obra de arte, que pueden ser transportadas sin cobro de impuestos", apuntó Pereira.
Con la esperanza de liberar las fotografías en las próximas horas, Pereira aplazó para el próximo jueves la apertura de la exposición, de la que parte del recaudo de las entradas será destinado a 60 proyectos sociales en Río de Janeiro.
Las imágenes de la rubia actriz, sin maquillaje, desnuda y cubierta apenas con sábanas transparentes, se hicieron famosas por denotar las pecas de la diva y una cicatriz en el abdomen que quedó después de una cirugía en la vesícula.
Las fotos de Stern, realizadas durante tres días y tres noches, además de ser las últimas fueron las segundas de la actriz desnuda, después del famoso ensayo para la primera edición de la revista Playboy en la década del cincuenta.
Norma Jean Mortenson, como era su verdadero nombre, nació en 1926 y se convirtió en estrella de Hollywood al protagonizar películas como "Eva al desnudo", "Cómo casarse con un millonario" y "Los caballeros las prefieren rubias", entre otros.

Fuente: EFE

Reina Sofía y Caramanlis inauguran muestra sobre originales y copias El Greco.

2007-10-17T03:17:00.000-07:00

Pinturas originales de Doménikos Theotokópoulos, "El Greco", y las copias realizadas en el propio taller del artista en Toledo conforman la exposición inaugurada esta noche en el Museo de Arte Cicládico de Atenas por la Reina de España y el primer ministro griego, Costas Caramanlis.
Doña Sofía, en su segundo día de visita a Atenas, su ciudad natal, recorrió la exposición acompañada por el jefe del Gobierno heleno, quien destacó la figura de "El Greco" como lazo de unión entre Grecia y España.
En la inauguración también intervino el secretario de Estado de Asuntos Exteriores de España, Bernardino León, quien afirmó que Theotokópoulos representa "a dos mundos pero a una sola cultura" que proyectó hacia el exterior.
"El Greco y su taller" exhibe más de cincuenta pinturas, originales y copias, así como documentos relacionados con el pintor cretense y con su hijo Jorge Manuel y sus discípulos, en especial, Luis Tristán.
La Reina dedicó unos minutos al retrato de San Ildefonso, arzobispo de Toledo, cuyo original, procedente del Monasterio de El Escorial (Madrid), es exhibido junto a sus dos copias, una
depositada en el Museo de Santa Cruz de Toledo y la otra el Museo del Prado de Madrid.
También se interesó por la reproducción incompleta de "El entierro del Señor de Orgaz", una obra aportada por el Museo del Prado, que imita al original que se encuentra en Toledo, y que
algunos atribuyen al propio hijo del artista cretense. Uno de los comisarios de la exposición explicó que en esa copia existe un pañuelo donde figura la fecha de nacimiento del único vástago de "El Greco".
Doménikos Theotokópoulos abrió en 1580 su taller de Toledo para llevar a cabo dos tipos de encargos: grandes retablos y cuadros de devoción, de los que obtenía la máxima rentabilidad económica.
Aunque el maestro se reservaba la ejecución de las pinturas, sus discípulos en el taller se encargaban de copiar los originales, algunos firmados por "El Greco", que se vendían a precios más asequibles y en gran cantidad.
En la exposición de Atenas se pueden contemplar, entre otros originales de "El Greco", "La adoración de los pastores" (Metropolitam Museum of Art), "La Verónica" (Museo de Santa Cruz de Toledo) y "San Francisco en éxtasis" (Fundación Lázaro Galdiano).
Doña Sofía y Caramanlis se pararon ante algunos de los documentos que se exhiben, como la escritura pública del alquiler de la casa de "El Greco" en Toledo y un inventario de los bienes del pintor que dejó a su hijo al morir.
La muestra está organizada por la Sociedad Estatal para la Acción Cultural Exterior de España (SEACEX) y la fundación griega N. Gulandri-Museo de Arte Cicládico, sede donde se puede visitar hasta el 5 de enero del próximo año. También colabora la Junta de Comunidades de Castilla-La Mancha.

Fuente: EFE

Obras de Bacon y Koons y la bandera del Apollo 14 marcan las subastas en Nueva York.

2007-10-12T10:33:00.001-07:00

Obras de artistas como Francis Bacon y Jeff Koons, la bandera de Estados Unidos de los astronautas del Apollo 14, una copia de la Carta Magna inglesa y la medalla de oro de George Washington son algunas de las piezas más codiciadas de esta temporada de subastas en Nueva York.

Las prestigiosas casas de subastas Christie's y Sotheby's, así como la casa Guernsey ofrecerán durante los próximos tres meses al mejor postor las piezas más exquisitas de sus catálogos, desde obras de arte hasta hermosas joyas pasando por vinos exquisitos.
Christie's será la encargada de dar hoy el pistoletazo de salida de la temporada con una venta especial dedicada a instrumentos musicales, que incluye un violín del artesano Giuseppe Guarnieri "del Gesù" de 1720 y una guitarra de Antonio de Torres de 1864.
Los aficionados a la fotografía podrán adquirir el próximo 15 de octubre en una subasta de Sotheby's piezas de la colección de fotografías de Nancy Richardson, entre las que destacan los trabajos del modernista Herbert Bayer y de Pierre Dubreuil.
También se subastarán obras de fotógrafos asociados con el Instituto de Diseño de Chicago, como Harry Callahan y Arthur Siegel.
Al día siguiente Sotheby's someterá a golpe de martillo las obras de algunos de los grandes fotógrafos estadounidenses del siglo XX como Edward Weston, Imogen Cunningham, Ansel Adams y Paul Strand.
El 17 de octubre Christie's ofrecerá tanto un autorretrato de Man Ray como fotografías de Cindy Sherman, Ann Hammilton, Sigmar Polke y Joseph Beuys procedentes de la Colección Rex.
Guernsey's, por su parte, sacará a subasta la llamada colección Naylor, que incluye desde un daguerrotipo pornográfico del siglo XIX hasta la famosa foto de Alfred Eisenstaedt de un soldado y una enfermera celebrando en 1945 el final de la II Guerra Mundial en Times Square con un apasionado beso, además de una gran selección de cámaras antiguas.
También el exclusivo barrio del Upper East Side será escenario de la subasta de Guernsey's de la bandera estadounidense que llevaron los astronautas en la misión a la luna del Apollo 14.
La sede de Sotheby's en la Gran Manzana acogerá del 15 al 26 de octubre de una exposición titulada "Grace, Princesa de Mónaco" que incluirá vestidos, joyas, fotografías, cartas y vídeos, muchos de los cuales nunca habían salido del Principado de Mónaco.
El 7 de noviembre, Sotheby's subastará además de cuadros de Franz Marc y Kees van Dongen y varias obras de Henri Matisse, entre las que destaca "Espagnole (buste)", pieza que espera que alcance los 16 millones de dólares.
Los coleccionistas de obras del escultor Jeff Koons estarán de enhorabuena el 13 y 14 de noviembre, ya que Christie's subasta su escultura "Diamante azul 2005", mientras que Sotheby's venderá al el espectacular "Corazón colgante", un gigantesco cristal de color magenta y oro, por el que podría llegar a pagarse entre 15 y 20 millones de dólares.
El 14 de noviembre, esa firma ofrecerá a quién más pague el cuadro "Sin título" (Silla eléctrica) de Jean Michel Basquiat y una de las célebres latas de sopa Campbell de Andy Warhol, que esperan que se venda por 12 millones de dólares.
Ese mismo día, Christie's subastará "Estudio de una corrida de toros" y "Autorretrato" de Francis Bacon.
El 17 de noviembre, en la noche de arte latinoamericano de Sotheby's se subastarán obras del artista colombiano Fernando Botero, del costarricense Francisco Zúñiga y del venezolano Rafael Soto.
También esa misma casa venderá el próximo 11 de diciembre la medalla de oro con un águila en el medio de la Sociedad de Cincinnati que perteneció al presidente de EE.UU. George Washington.
Tras su muerte en 1799, la medalla de Washington pasó a su familia, quien se la entregó al marqués de Lafayette, durante su regreso triunfal a Estados Unidos en 1824.
La casa de subastas espera que este símbolo de los ideales y del espíritu de la Revolución estadounidense, que hace un siglo no pisa suelo de este país, alcance los 10 millones de dólares.
También se subastará en diciembre una copia de 1267 de la Carta Magna inglesa, un manuscrito medieval propiedad de la fundación del millonario tejano Ross Perot, que se espera alcance un precio de entre 20 y 30 millones de dólares.

Fuente: EFE.

Capilla del Sagrario de la Catedral de Sevilla recuperará su perfil original.

2007-10-12T10:12:00.001-07:00

La capilla del Sagrario de la Catedral de Sevilla verá muy cambiado su perfil una vez que termine, en unos 18 meses, la restauración de su fachada de Poniente, puesto que se repondrán sus 125 metros de crestería, además de los veinte pináculos altos y los siete jarrones barrocos que la coronaban.
Todos estos elementos se retiraron de la fachada hace poco menos de una década y están acumulados actualmente en la cubierta de la Catedral, donde los técnicos los estudiarán para ver cuáles se pueden restaurar y cuáles habrá que rehacer siguiendo las técnicas de elaboración originales, aún hoy conservadas.
Las obras en la fachada de la capilla del Sagrario, construida entre 1620 y 1660 aproximadamente, acaban de comenzar como parte de la restauración del alzado Occidental de la Catedral, y, al igual que en la zona gótica, se va a limpiar toda la mugre que recubre la piedra y a sanear con piezas venidas del municipio sevillano de Pedrera, de un color y textura similar a la piedra original, pero "de mejor calidad", según ha explicado, en una entrevista con Efe, el aparejador de la obra, Juan Luis Barón.
Aunque las piedras originales de la Catedral de Sevilla provienen de las canteras de El Puerto de Santa María (Cádiz), donde fueron encargadas probablemente por las facilidades de transporte, ya que su emplazamiento permitía enviarlas por barco a la capital hispalense, ahora, para reponer cantos en los casos en los que es necesario, se traen desde Pedrera.
Las originales se han demostrado "de mala calidad para lo que deben ser los materiales de una Catedral", según el aparejador, ya que su resistencia es "baja" y "da problemas".
En la próxima Semana Santa, cuando habrá que retirar todos los andamios y la lona multicolor que ocultan las obras, los ciudadanos podrán ver por primera vez el cambio que ya comienza a ser visible para quienes acceden al cajón de obra: el color ennegrecido que el tiempo y la contaminación habían dejado en estos muros comienza a desaparecer para dar paso a unos tonos más parecidos a los originales.
De hecho, todo aquel que pasea por la avenida de la Constitución ha podido ya comprobar cómo la limpieza y restauración de la fachada gótica, con sus 6.000 metros cuadrados de superficie, está ya concluida.
Mirando al cielo, se observa que en la portada principal se han restaurado o repuesto los pináculos y que se ha reparado la balaustrada original, al tiempo que se han fijado las gárgolas y
limpiado las celosías.
La restauración de la fachada Occidental de la Catedral de Sevilla, cuya construcción abarca más de dos siglos, de 1433 a 1660 aproximadamente, cuenta con un presupuesto de 2.726.000 euros y, según las previsiones de sus responsables, podrá acelerar los plazos previstos, de forma que esté culminada en poco más de un año y medio.
Las obras de peatonalización de la avenida de la Constitución, llevadas a cabo el año pasado, ralentizaron el trabajo de los restauradores, que sin embargo ahora confían en que la supresión del tráfico permita que la conservación exterior del monumento sea mejor, porque se van a evitar las emisiones de monóxido de azufre y de metales pesados que habían dañado este monumento.
Los técnicos, en principio, no han detectado "problemas" por la circulación del tranvía, aún en pruebas, que sustituye al tráfico rodado por la avenida de la Constitución, según ha explicado Barón.
Las variaciones observadas en los sistemas de auscultación con los que ya cuenta el templo no son preocupantes y no está prevista, al menos por el momento, ninguna otra medición específica.

Fuente: EFE

Christie's apuesta por un mercado globalizado en una semana de subastas.

2007-10-10T01:15:00.000-07:00

Christie's afirma apostar por un mercado del arte "cada vez más global" en una semana de subastas londinenses, que coincide con la feria Frieze de arte contemporáneo e importantes ofertas de las numerosas galerías de la capital.
"Con Frieze ha cambiado el panorama londinense de octubre totalmente. Antes las subastas eran de media temporada y ahora son grandes ventas. Este mes Londres se convierte en la meca del arte contemporáneo en Europa", dijo a EFE Pilar Ordovás, directora de Arte de Posguerra y Contemporáneo de esa casa de subastas.
"Pensamos obtener en las próximas subastas (del 14 al 16 de octubre) ventas por un valor de 55 a 77 millones de libras (precio estimado; de 111,7 a 156,4 millones de dólares). No hay razón ni indicios de que el mercado vaya a cambiar. Es cada vez más global y fuerte", aseguró.
"Aquí en Londres vamos a mostrar además a los coleccionistas de todo el mundo las obras que subastaremos en Nueva York y París", explicó Ordovás.
Christie's inaugura precisamente este jueves su nuevo espacio de exposiciones con una muestra pública de obras de grandes figuras del impresionismo y del siglo XX, desde Cézanne, Matisse y Monet hasta Picasso y Warhol, que se subastarán en Nueva York y cuyo valor estimado es de 300 millones de dólares.
En la gran subasta de arte contemporáneo de este domingo, Christie's ofrece, entre sus 81 lotes, un lienzo de Francis Bacon titulado "Estudio del cuerpo humano, hombre encendiendo la luz", por el que se espera obtener hasta 15 millones de euros (unos 21 millones de dólares), que se dedicarán a la construcción de una nueva sede del Royal College of Art.
La subasta incluye un importante grupo de obras de artistas estadounidenses, entre ellos Jean-Michel Basquiat, Andy Warhol, Donald Judd, Jeff Koons o George Condo.
También están representados creadores de otros países como Damien Hirst, Peter Doig, Daniel Richter, Jorg Immendorff, Georg Baselitz, Juan Muñoz, Maurizio Cattelan y Gilbert and George.
Como su rival Sotheby's, que celebra también esta semana varias subastas importantes, Christie's presenta una selección de artistas chinos -la última moda de un mercado siempre a la busca de artistas a los que comercializar-, entre ellos un retrato de Yue Minjun (1993) que representa a su hermano después de ser encarcelado.
También al igual que Sotheby's, Christie's ha programado para el próximo lunes una subasta de arte italiano con 67 obras de artistas que van desde Morandi, Manzú o Chirico hasta Paladino o Sandro Chia, pasando por el italo-argentino Fontana.
En otra subasta titulada "Doble Visión", que tiene lugar el domingo, se ofrecen obras de una colección privada de un matrimonio europeo que se ha dedicado a reunir cada uno por su cuenta durante los últimos años obras de artistas tan conocidos como el ya citado Warhol, Ed Ruscha, James Rosenquist, Roy Lichtenstein, Robert Indiana o Sigmar Polke.
La colección de ese matrimonio anónimo, que desea invertir ahora en artistas de una nueva generación, incluye 29 piezas de diseñadores de vanguardia como Shiro Kuramata, Ron Arad o Marc Newson, del que se ofrece la titulada "Lockheed Lounge", una reinterpretación futurista de la chaise-longue clásica.

Fuente: EFE

Exponen obras de Praxíteles y de su escuela en Museo Arqueológico de Atenas.

2007-07-25T11:57:00.001-07:00

Una exposición de esculturas únicas originales de Praxíteles, el gran artista griego de la Antigüedad y uno de los pioneros en la instauración del canon de belleza en el
mundo del arte, de miembros de su familia y alumnos de su escuela, abre hoy sus puertas en el Museo Arqueológico de Atenas.
La estatua del Efebo de Maratón, las bases de los dioses Apolo y Artémida y de Leto, dos figuras de Eros y tres estatuillas de Apolon Lykeo, son algunas de las 75 piezas de una muestra sobre este escultor y su época, fechadas hace más de 2.300 años y que se podrán contemplar hasta el 31 de octubre.
Nikos Kaltsás, director del museo, explicó a Efe que la exposición responde a la necesidad de que "una muestra consagrada a Praxíteles (siglo IV a.C.), para que sea completa, debe de incluir
obras de su familia, como la de su padre, Cefisodoto y de los hijos del artista, Cefisodoto y Timaros, que usaban la misma técnica" y abarca más de un siglo.
La exposición, que será inaugurada esta noche por el ministro de Cultura griego, Giorgos Vulgarakis, es diferente a la que se montó en el Museo parisiense del Louvre el pasado marzo, pues contiene piezas que, por su fragilidad, el gobierno heleno no permite que se saquen del país, como el Efebo de Maratón, y solo pueden contemplarse en museos de Grecia, según los responsables de la muestra.
El Efebo, una escultura en bronce que descansa sobre un pedestal en el Museo ateniense, ha sido trasladada "con sumo cuidado unos pocos metros en su base a una de las cuatro salas junto con el resto de las obras de Praxíteles", entre ellas dos "Venus", una procedente del Museo del Louvre y otra del Vaticano, ha explicado Kaltsás.
También se destaca la base de la escultura dedicada al poeta Menandro, que se puede ver en la Acrópolis de Atenas y fue esculpida por los hijos del gran escultor, aunque su emplazamiento original era el antiguo teatro de Dionisio, a los pies de la Acrópolis.
"Como no se encontró la estatua original completa, ahora se muestra una copia ideal de la pieza", declaró el director.
Además, se incluyen tres bases de las estatuas de los dioses del monte Olimpo de la mitología griega (Apolo y Artemis) y de su madre, Leto, cuya existencia fue revelada en sus escritos por Pausanias, historiador de la Grecia Antigua, y que fueron encontradas en el ara de un templo en la localidad sureña de Mantinía (Arcadia).
Otras figuras singulares son las dos representaciones de Eros praxitelianas, la primera procedente de los fondos del Museo Arqueológico ateniense y la segunda es la copia del encontrado en Parion (Asia Menor) y que se exhibe en el Museo de la isla de Kos; tres estatuillas de Apolo Licio, una copia del Hermes de Olimpia y la cabeza auténtica de la Artemisa de Vravrona.
El visitante podrá contemplar también dos vitrinas con monedas que dan testimonio de la obra de Praxíteles y que fueron acuñadas por los gobiernos de diversas ciudades de la Antigüedad con efigies en honor del escultor, como la "Afrodita de Cnidos".
Las piezas exhibidas se nutren de fondos de trece museos griegos, así como de los museos del Louvre, Dresde (Alemania), los Capitolinos del Vaticano, el British Museum y la Biblioteca Nacional de Francia.

FUENTE: EFE

Descubren una supuesta imagen dentro de "La Última Cena" de Leonardo da Vinci.

2007-07-25T11:45:00.001-07:00

Un informático italiano asegura que ha descubierto otra imagen dentro del cuadro de "La Última Cena", de Leonardo da Vinci en el que, según sus palabras, aparecen varias
figuras, entre ellas un templario y la Virgen María, aunque un experto ha calificado el descubrimiento de "pura invención".
Pesci Slavisa, de 36 años, notó algo extraño en el cuadro mientras ojeaba una revista por lo que se le ocurrió escanear la imagen e imprimirla en un papel traslúcido, después lo puso de nuevo
sobre el original y descubrió "un nuevo dibujo con otras imágenes", según explicó hoy durante una rueda de prensa en Milán.
Slavisa, natural de Mantua (norte de Italia) explicó que en la parte derecha del cuadro aparece un templario y en el centro la figura de la Virgen María.
"Hay una coincidencia de puntos que creo que no pueden ser el fruto de una casualidad, sino un cálculo preciso de Leonardo", dijo el informático.
Slavisa señaló que no sabe explicar cuál puede ser el significado de este nuevo dibujo, y que se lo deben dar "los críticos e históricos de arte".
El informático repitió el mismo proceso con otras obras de Da Vinci como en su autorretrato y aseguró que también descubrió una nueva imagen en su interior.
"Leonardo se divertía escondiendo otras imágenes en sus dibujos" aseguró y comentó que él ha presentado ahora lo que ha notado por casualidad, "algo que todos pueden verificar de una manera muy sencilla".
Este aficionado al arte afirmó que no es un fan de Dan Brown ni un apasionado de Leonardo da Vinci, y resaltó que un amigo lo convenció para que depositase ante notario el descubrimiento antes de que lo hiciera público.
Sin embargo, el crítico de arte y asesor cultural de Milán, Vittorio Sgarbi, calificó su descubrimiento de "pura invención".
Sgarbi explicó que es imposible que haya en el famoso cuadro de Leonardo "dibujos de personas distintas a las que se ven".

FUENTE: EFE

Pinturas que expresan la vida de Héctor Lavoe se exhiben en Puerto Rico.

2007-07-22T14:02:00.001-07:00

Alrededor de treinta pinturas creadas por artistas puertorriqueños y latinoamericanos del fallecido salsero puertorriqueño Héctor Lavoe engalanan el Hotel San Juan como parte de una exposición de obras que presenta la undécima edición del Puerto Rico Salsa Congress.

La vida de Lavoe generará nuevamente ímpetu y acogida desde mañana, cuando se celebrará la gala de estreno de la película "El Cantante", protagonizada por el artista puertorriqueño Marc Anthony y su esposa, la actriz Jennifer López, en el Museo de Arte de Puerto Rico de San Juan.
La idea de presentar por tercera ocasión en Puerto Rico las obras de Héctor Juan Pérez Martínez (1946-1993), nombre verdadero del denominado "El cantante de cantantes", fue por parte de la agencia productora LAF Communications, protectores de la imagen de Lavoe, y los organizadores del evento musical.
"La vida de Héctor Lavoe la acabo de redescubrir con LAF debido a la selección de sus canciones que fueron grabadas de diferentes maneras y que me han dejado sorprendido", expresó a Efe Elí Irizarry, fundador y organizador del evento que se extenderá hasta el próximo 28 de este mes.
Irizarry, quien actualmente trabaja como el manejador de giras de "El Gran Combo de Puerto Rico", afirmó que Lavoe "es un icono", pues "hace mucho tiempo que trascendió con el trabajo musical estricto para convertirse en verdadero icono".
Irizarry informó también que en alguna próxima edición del evento realizará el primer encuentro mundial de coleccionistas de la salsa.
Por su parte, Camilo Torres, artista que exhibe la obra "De ti depende", explicó que se inspiró en la creación de la pieza en blanco y negro por "las caídas, lo trágico, la nostalgia y lo alegre" durante la vida de Lavoe.
Lavoe, quien cautivó el mercado latinoamericano por su integración a la orquesta "La Fania All-Stars", así como por sus canciones "Paraíso de dulzura", "El Todopoderoso", "Rompe Saraguey", "Mi gente", "Periódico de ayer" y "Calle luna, Calle sol", murió en 1993 por el virus del sida debido al uso constante de drogas.
Torres, quien describió a Lavoe como "una leyenda", indicó, además, que en su obra en la que pintó al quien también conocían como "El rey de la puntualidad" con lentes de oro, porque el cantante fue uno de los precursores del "bling bling" o prendas de brillantes llamativas.
Mientras tanto, Leslie Pérez, hermana de Lavoe, dijo estar "contenta y feliz" por la exhibición de las obras, que ya se han presentado en el Museo de Arte de Ponce (sur), ciudad natal del fenecido cantante, y en el Museo de las Américas en San Juan.
"Esto es algo internacional. Aunque los fanáticos conozcan a Lavoe, también es importante que conozcan a los artistas y sus obras", resaltó.
Señaló, igualmente, que el apoyo que le han dado los seguidores de Lavoe a pesar de haber fallecido casi quince años es porque "él fue un hombre de pueblo y humilde".
"Héctor siempre tuvo a su país en su corazón, y por eso el pueblo lo quería tanto. Él no necesitaba guardaespaldas ni nada de eso, porque su propio pueblo lo protegía. La música de él era su pueblo, por eso, él sigue vivo", manifestó.
Pérez también indicó que no saldrá en el filme "El cantante", pues, según ella, su vida no fue "trágica" por lo que los productores de la película no decidieron incluirla.
El Puerto Rico Salsa Congress, que comenzó ayer, y se extenderá hasta el próximo 28 de este mes, contará con espectáculos artísticos por parte orquestas de Tito Rojas, "La Mulenze", Willie Rosario, "la Sonora Ponceña" y "El Gran Combo de Puerto Rico".
FUENTE: EFE

Restauradora italiana dice haber descubierto original Caravaggio.

2007-07-14T12:54:00.001-07:00

(Autoretrato).

Una restauradora italiana dice que un cuadro que durante mucho tiempo se creyó era copia de una obra maestra de Caravaggio, "San Jerónimo escribiendo", es en realidad una obra auténtica del maestro.

Pero el anuncio efectuado esta semana por Roberta Lapucci _quien estudió el cuadro durante seis meses con ayuda de técnicas modernas_ no ha convencido a muchos especialistas, al tiempo que ha reavivado el debate sobre si Caravaggio a veces pintaba la misma obra dos veces.
Lapucci sostiene que debajo de las capas de agregados y restauraciones posteriores se encuentra la mano del maestro, quien inició la composición, pero la dejó inconclusa. Ella cree que se trata de un boceto preliminar de la versión definitiva, la cual se encuentra en el Oratorio de la Catedral de San Juan en Valletta, Malta.
"El realizó una gran parte de la composición: el santo es obra enteramente suya, lo mismo que la tabla de la mesa y los objetos", dijo Lapucci a The Associated Press. "Después, otro terminó la composición y hay restauraciones posteriores" en los siglos XVIII y XIX.
Tal vez Caravaggio dejó la obra inconclusa porque decidió pintar la obra definitiva, dijo Lapucci.
Pero especialistas en Caravaggio dijeron que la obra examinada por Lapucci no era de la misma calidad que un original del maestro.
"Carece de su vigor y de su destreza con el pincel", dijo Keith Sciberra, profesor de historia del arte en la Universidad de Malta y especialista en Caravaggio. "No tiene el espíritu de Caravaggio".
Maurizio Marini, un destacado estudioso de Caravaggio en Italia, señaló que la cara del santo era demasiado tosca para ser una pintura de Caravaggio.
"Se puede decir de todo sobre Caravaggio, menos que a su obra le faltaba calidad", dijo Marini, quien en otro caso reciente declaró que un cuadro era original del maestro.
El cuadro que Lapucci examinó en Florencia pertenece a un coleccionista privado en Malta. Este lo había enviado para hacerlo limpiar para una exhibición en la que ambos cuadros aparecerán uno junto al otro. Malta está recordando el 400 aniversario de la visita de Caravaggio a la pequeña isla en el Mediterráneo, en 1607-1608.

FUENTE: AP.

POLITIZAR LA HISTORIA DEL ARTE: Azkarate cree que el 'Guernica' tendría que estar en Euskadi "para siempre", pero, de momento, pide cesión temporal.

2007-07-14T12:43:00.000-07:00

La portavoz del Gobierno vasco y consejera de Cultura, Miren Azkarate, afirma que el Ejecutivo autónomo cree que el 'Guernica' de Pablo Picasso debería estar, "de una vez y para siempre", en Euskadi, aunque, de momento, pide "una cesión temporal" del cuadro. Además, asegura que sólo renunciará a este propósito si informes técnicos "solventes" confirman la imposibilidad de "todo traslado".

En un artículo escrito en el diario 'El Correo', recogido por Europa Press, Azkarate afirma que la localidad vizcaína, "donde se produjo la tragedia" que pintó Picasso, "es la casa del 'Guernica'". "Como expresó el lehendakari Ibarretxe, 'las llamas son las llamas de sus casas, las calles son sus calles'", apunta.
En este sentido, insistió en que el Gobierno vasco desearía que el 'Guernica' estuviera en la Comunidad Autónoma Vasca para siempre, "lo que no es contradictorio" con su reafirmación en la solicitud de "una cesión temporal" de la obra de arte.
La titular de Cultura recordó que ya se pidió hace 10 años y se reiteró el año pasado "de cara a su exposición temporal en Euskadi durante 2007, coincidiendo con el 70 aniversario del bombardeo y destrucción de Gernika". "Como es conocido, el Gobierno español se escondió tras el Patronato del Museo Reina Sofía para negarse, alegando supuestos problemas técnicos de conservación, sin mayores argumentos", destaca.
Tras asegurar que el Ejecutivo de Ibarretxe "es el primer interesado en la correcta conservación" del cuadro, señala que, "ante un hipotético problema técnico derivado de su conservación y de posibles daños irreparables derivados de cualquier traslado, se impone que una comisión de expertos independiente analice y dictamine la cuestión".
"Si, finalmente, informes técnicos solventes confirmaran que el estado de conservación del cuadro imposibilita, con los medios técnicos del siglo XXI, todo traslado, el Gobierno vasco retiraría la solicitud", añade.
LA VIABILIDAD DEL TRASLADO
Para la portavoz del Gobierno vasco, su traslado es "totalmente viable y la cesión, aunque fuera temporal, es posible". "La tecnología y los medios humanos y materiales actuales permiten un traslado con todas las garantías", manifiesta.
Por ello, cree "perfectamente factible que el 'Guernica', que ha recorrido medio mundo, llegue a Euskadi para exponerse, uniendo el cuadro y la ciudad mártir que le da nombre, en la tierra donde ocurrió la tragedia".
"El Gobierno vasco y las instituciones públicas vascas estamos dispuestos a poner los medios para hacer posible que la respuesta de Picasso a la atrocidad de la muerte y la destrucción de Gernika se exponga en la antesala de donde ocurrió, ante quienes lo sufrieron y donde nunca ha podido exponerse", señala.
Por ello, dice que en el 70 aniversario del bombardeo "no ha sido posible", pero subraya que "el Gobierno vasco seguirá trabajando para que, dentro de cinco años, en el 75 aniversario", se pueda ver el 'Guernica' en Euskadi.
Aunque reconoce que la obra se realizó por encargo del Gobierno de la República y que, posteriormente, Picasso "donó" el cuadro a la sociedad española para su exhibición "cuando se recuperara la República", lo que "hace que el 'Guernica' sea patrimonio colectivo", afirma que "Euskadi también tiene algo que decir" al respecto.

FUENTE: EUROPA PRESS.

El Museo Pérgamo organiza una operación para salvar la Puerta del Mercado de Mileto.

2007-07-11T09:13:00.001-07:00

El Museo Pérgamo de Berlín organizará una espectacular operación de "salvamento" para restaurar la Puerta del Mercado de Mileto, uno de los tesoros arquitectónicos de la Isla de los Museos con sus 1.800 años de antigüedad.
Peter-Klaus Schuster, director general de los museos estatales de Berlín, anunció que esa restauración forma parte de un plan más amplio para el Museo de Pérgamo.
La Puerta del Mercado de Mileto, construida hacia el año 120 a.C. en esta localidad griega de Asia menor, en la actual Turquía, es uno de los ejemplos más conocidos de fachadas arquitectónicas romanas.
Con sus 28,92 metros de ancho y 17 metros de altura distribuidos en dos pisos es, junto al Altar de Pérgamo y la Puerta de Ishtar, una de las piezas arquitectónicas más destacadas de Museo Pérgamo de Berlín.
En la actualidad, la Puerta del Mercado de Mileto está cubierta con una red protectora, debido a las grietas, desconchados, corrosión, erosión, eflorescencia y calcificación que presenta el mármol, según se ha detectado en diferentes análisis.
Por esa razón, los Museos Estatales de Berlín han decidido organizar una espectacular operación para "salvarla" y evitar que se siga deteriorando, sin tener que cerrar el Museo, que recibe 800.000 visitas al año.
Para lograrlo, se desmontará en una primera fase la parte superior de la Puerta en 58 piezas, que se trasladarán en camiones a los depósitos del museo para su posterior restauración. El resto, se restaurará más adelante.
El traslado de las piezas, de 100 toneladas de peso en total, se hará mediante una apertura en el muro exterior de la sala de Mileto y fuera del museo se construirá un estrado donde serán depositadas.
Con el objetivo de evitar que el polvo y el ruido molesten a los visitantes del Museo de Pérgamo se construirá un tabique protector transparente, que permitirá seguir de cerca las obras de restauración de esta pieza arquitectónica.
El túnel que une la sala de Mileto con la sala de la Puerta de Ishtar seguirá durante los trabajos de restauración abierto con el fin de que los visitantes puedan recorrer ese ala del museo.
Gisela Holan, responsable de los Museos Estatales de Berlín, precisó que se invertirán 11 millones de euros en este proyecto y que se confía que la restauración acabe antes de 2007.
El Mercado de Mileto quedó totalmente destruido por un terremoto en el siglo X ó XI. Las ruinas fueron descubiertas en el año 1903 por el arqueólogo alemán Theodor Wiegand del Museo Real de Berlín y transportadas hasta la capital alemana entre 1907 y 1908.
Los responsables del nuevo Museo de Pérgamo reconstruyeron la Puerta del Mercado de Mileto siguiendo las indicaciones del arquitecto Hubert Knackfuss y del arqueólogo Wilhelm von Massow para ser lo más fieles posible al original.
Para la reconstrucción de la puerta, el 60 por ciento del material que utilizaron fueron piezas originales de mármol de la Puerta del Mercado de Mileto, pero el 40 por ciento restante está reconstruido utilizando estructuras de hierro, ladrillo, yeso y escayola.
Durante la segunda Guerra Mundial, la Puerta del Mercado de Mileto quedó muy dañada por los bombardeos aliados. La llamada sala de Mileto del Museo de Pérgamo fue una de las primeras salas de este complejo que abrió sus puertas al público en 1954, después de su restauración.
Fuente: EFE

Una exposición reúne ochenta retratos femeninos de la colección de Viktor Elliot.

2007-07-11T09:04:00.001-07:00

Unas ochenta obras de la Viktor Elliot Collection, dedicada íntegramente al retrato femenino, se exhiben desde hoy en el Museo Diocesano de Barcelona en una exposición que incluye cuadros de Ramón Casas, Tàpies, Chicharro, Francisco Miralles, Ocaña o Julián Grau Santos.
El comisario de la exposición, Francesc Fontbona, ha comentado hoy en la presentación que "en la selección de las obras he prescindido de si los pintores eran canónigos o no, estaban en una u otra corriente, porque la colección es absolutamente ecléctica".
Con la muestra, que estará abierta al público en el Diocesano hasta el 9 de septiembre próximo, Fontbona ha querido "reivindicar el género del retrato, el género por antonomasia, pero hoy con tanta mala prensa".
El comisario ha criticado la actitud de muchos coleccionistas actuales, que "prefieren comprar en las galerías paisajes, interiores, composiciones abstractas o bodegones, antes que adquirir el retrato de alguien desconocido".
A su juicio, "el retrato es el género pictórico en el que el artista se la juega más, al tratar de captar la expresión humana, que no al pintar un prado, una manzanas o un naufragio".
Quizá por esa razón, recuerda Fontbona, André Felibien situó en la Francia del Rey Sol el retrato de figuras humanas en "el nivel más alto de la creación artística".
La presente exposición tiene un ilustre precedente en Barcelona, el I Salón Mirador, que tuvo lugar en la primavera de 1933 en las galerias Laietanes y que se centraba en cien años de retrato femenino en la pintura catalana (1830-1930).
Algunos de los nombres presentes en aquella exposición se encuentran ahora en el Museo Diocesano, como el propio Casas, Borrell, Brull, Caba, Canals, Francesc Masriera, Miralles y Lluïsa Vidal.
Incluso se puede contemplar una obra, "La Señora Verdaguer", de Benet Mercadé, en cuyo bastidor hay una etiqueta que atestigua su presencia en el Salón Mirador.
En la exposición se pueden contemplar obras de Joaquim Sunyer, Vila Arrufat, Ramón Pichot, Josep de Togores, un retrato femenino de Antoni Tàpies de los años 40, un Opisso, una obra de Olga Sacharoff o un Ramón Casas.
Según Fontbona, estamos ante una colección "acertadamente contracorriente", pues se centra en el retrato femenino, especialmente el realizado en Cataluña.
La propuesta del comisario pretende, según afirma él mismo, superar las colecciones canónicas realizadas en el pasado, pues "cada época hace sus selecciones de artistas, a veces casi dogmáticas, que a menudo, pasadas las décadas, es necesario corregir".
El conservador de la colección, Armin Heinemann, modisto de profesión, ha indicado que desde Ibiza, donde vivía en los años sesenta y setenta el ambiente hippie de la época, viajaba asiduamente a Barcelona, donde fue comprando cuadros, siempre retratos femeninos.
"La emoción, la belleza y la pasión" son los tres elementos que llevaban a Heinemann a comprar un cuadro: "adquiría el retrato si la cara de la mujer pintada me decía algo, aunque otras veces me llamaba la atención la tela de su vestido", ha señalado.
Al margen de consideraciones estéticas, la exposición permite asimismo "trazar una panorámica amplia por la historia del arte, desde el realismo ochocentista, la pintura burguesa, el modernismo, el noucentismo o la escuela clásica de París, apunta Fontbona.
Fuente: EFE

El Museo de Arte Romano abrirá sus puertas las noches del jueves en julio y agosto.

2007-07-05T05:20:00.001-07:00

El Museo Nacional de Arte Romano de Mérida abrirá sus puertas por la noche todos los jueves de julio y agosto, en los que ofrecerá visitas guiadas gratuitas dentro del programa "Los jueves del museo" entre las nueve y las once de la noche.
El programa incluye además la exposición "ARTIFEX: la ciencia y la técnica del mundo antiguo", que será inaugurada a mediados de este mes, según informó hoy a EFE en un comunicado el museo.
Esta muestra se organiza en colaboración con la Universidad Nacional de Educación a Distancia (UNED) como complemento al curso de verano que imparte este centro sobre "Ciencia y tecnología en el mundo antiguo".
FUENTE: EFE

Londres muestra la transformación de la costa francesa a través ojos de impresionistas.

2007-07-05T05:16:00.001-07:00

Las impresiones que generó la costa de la Normandía en los pintores franceses del siglo XIX llegan ahora a la Royal Academy of Arts de Londres, en una exposición que muestra cómo esas playas del norte dejaron de ser sólo de los pescadores para convertirse en el "bulevar veraniego de París".
"Impressionists by the sea" (Impresionistas junto al mar) es el título de una exposición que, desde el 7 de julio y hasta el próximo 30 de septiembre, acoge sesenta interpretaciones de la costa francesa de artistas como Edouard Manet, Claude Monet, Pierre Auguste Renoir y Louis Eugene Boudin.
Durante el siglo XIX, la tranquila costa del norte francesa, con sus habitantes ganándose la vida en el mar, sufrió una importante transformación que la convirtió en la provincia de los veraneantes de París, en parte gracias a la rápida extensión del ferrocarril.
A la llegada del verano, la costa veía cómo sus playas, los pueblos de pescadores y los pequeños puertos se convertían en la extensión de la moderna vida urbana de la capital francesa, el llamado "bulevar veraniego de París", que también despertó la atención de los pintores impresionistas de entonces.
Ya desde 1820 en adelante, la costa de la Normandía ofreció innumerables paisajes marinos a los artistas, que capturaron su luz pero también los cambios económicos y sociales que experimentó.
Boudin, seguido de Monet y Manet fueron los pioneros en retratar los veraneantes recién llegados de "la ciudad de la luz" a la playa, con obras como "La plage à Troville" o "L'hôtel des Roiches Noires", ambas pintadas por Monet en 1870, pero que no se exponían juntas desde los años setenta.
"Sur la plage" es otro retrato de los veraneantes llegados de París, esta vez realizado por Manet en 1873, durante las tres semanas que pasó con su familia en la pequeña ciudad costera de Berck-sur-Mer.
A pesar de la fuerza que esta temática de moda cogió durante los setenta del siglo XIX, desapareció una década después en las últimas obras de Manet y sobre todo de Monet, quienes dieron la espalda a los parisinos y usaron su original técnica pictórica para capturar los efectos del clima y luz en la costa.
"Sus últimas pinturas se concentraron sólo en la playa, en cómo se encontraban el mar y la tierra. Es en esas obras sobre la soledad donde se ve a los artistas reflejados, a partir de sus descripciones del mar", explicó hoy el comisario de la exposición, John House.
Pero la exposición viaja también atrás en el tiempo y muestra escenas de playa pintadas a comienzos del siglo XIX por artistas que, como Whistler o Cazin, dotaron de contexto a la llegada de los impresionistas.
Creadas para ser expuestas en el Salón Oficial de París, estas obras son el punto de partida de una exposición que también acoge la romántica visión que de la playa aportaron Eugène Isabey y Paul Huet, así como las austeras representaciones realistas de Gustave Courbet.
"Impressionists by the sea", que en octubre viajará a Washington, presenta una panorámica del cambio experimentado por la costa francesa a través de los ojos de sus artistas, pinceladas llenas de color que, según House, animarán a más de un visitante a veranear este año en Normandía.
FUENTE: EFE

El Thyssen abre por la noche Van Gogh y el resto de sus muestras desde el 3 de julio.

2007-07-05T05:08:00.000-07:00

La exposición dedicada a Vincent Van Gogh en el Museo Thyssen, que ha recibido cerca de 42.000 visitantes en sus primeros veinte días, podrá ser contemplada en horario nocturno a partir de hoy, junto al resto de las muestras que ofrece actualmente la pinacoteca.
El programa "Noches de verano" mantendrá abiertas hasta las 23.00 horas también las exposiciones del pintor norteamericano Richard Estes, padre del hiperrealismo, y de la fotógrafa estadounidense Lynn Davis.
Las visitas nocturnas se mantendrán hasta el próximo 1 de septiembre y suponen una ampliación de cuatro horas en el horario habitual del Thyssen.
En el caso de la exposición "Van Gogh. Los últimos paisajes", que se exhibe desde el pasado 12 de junio y hasta el 16 de septiembre, el horario nocturno aumentará las posibilidades del museo de atender la amplia demanda de público que ha suscitado esta muestra, que reúne la obra final del pintor holandés.
Desde su apertura y hasta el pasado día 1, la exposición fue visitada por 41.800 personas, informaron hoy a Efe fuentes del museo.
La muestra, que podrá visitarse en grupos también por la noche, se completa con un ciclo de cine que comienza hoy y en el que se proyectarán hasta el próximo día 19 "El loco de pelo rojo", de Vicente Minelli; "Van Gogh", de Alain Resnais; "Van Gogh à Paris", de André Lacarthe; "Vincent and Théo", de Robert Altman; "Van Gogh, la revanche ambiguë", de Abraham Segal, y "Van Gogh", de Maurice Pialat.
La oferta nocturna del Thyssen para este verano se completa con las visitas a los paisajes urbanos de Richard Estes, que se exponen desde el pasado 19 de junio y permanecerán en Madrid hasta el 16 de septiembre, y las imágenes de Lynn Davis.
Las series "Iceberg" y "Persia Antigua", que muestran por primera vez en España el concepto minimalista de la fotógrafa norteamericana, se exponen desde el pasado 28 de mayo en el Thyssen, donde permanecerán hasta el día 29 dentro de la programación del festival fotográfico PHotoEspaña 2007.

FUENTE: EFE

Aristócratas son obligados a vender cuadros prestados a la Galería Nacional.

2007-07-05T05:02:00.000-07:00

Varias familias aristocráticas británicas, que deben hacer frente a los elevados costos de mantenimiento de sus posesiones, se ven obligadas a vender los cuadros de maestros antiguos, entre ellos Tiziano, Rubens y Poussin, que tienen prestados a la Galería Nacional de Londres.
El duque de Rutland, el vizconde de Hampden y el conde de Halifax han invitado a la galería a comprarles por un total de doscientos millones de libras (296 millones de euros o 403,4 millones de dólares) ocho cuadros que les prestaron, según información publicada en el periódico The Art Newspaper y confirmada en términos generales a Efe por fuentes del museo.
En caso contrario, los aristócratas aseguran que no tendrán más remedio que sacarlos al mercado abierto, lo que significa que seguramente serían adquiridos por coleccionistas extranjeros.
La Galería Nacional habla de crisis y dice que es la mayor desde finales del siglo XIX, cuando, por culpa de los problemas financieros de la aristocracia del Reino Unido, varios cuadros de viejos maestros adquiridos por sus propietarios durante sus viajes por el continente se vendieron a colecciones de Estados Unidos.
Según el periódico, el duque de Rutland ha pedido a la galería que le compre una serie de cinco cuadros de tema religioso de Nicolas Poussin titulada "Los Sacramentos", que le prestó en el 2002.
Esas obras del pintor francés más destacado del siglo XVII llevaban desde 1768 en posesión de la familia y su valor puede llegar a los 150 millones de euros (204,2 millones de dólares), suma que difícilmente puede recaudar un museo público británico.
A su vez, el vizconde de Hampden ha pedido al patronato de la Galería Nacional que le compre un boceto al óleo de Peter Paul Rubens -"Apoteosis del rey Jacobo I"- valorado en unos veintidós millones de euros (casi treinta millones de dólares), que lleva doscientos años en propiedad de su familia y ha estado expuesto en la National Gallery desde 1981.
El propio vizconde dijo al periódico que necesita el dinero para garantizar el futuro de su propiedad familiar de Glynde, en el condado de Sussex.
El museo parece, mientras tanto, resignado a perder un retrato de joven pintado por Tiziano Vecellio en 1515, que los propios expertos de la galería califican de "joya" y que ha vuelto a su propietario.
Se cree que la pinacoteca hizo una oferta que, con las exenciones fiscales que se aplican cuando los coleccionistas venden a las galerías, equivalía a unos 74 millones de euros (100,7 millones de dólares).
Su propietario, el conde de Halifax, que la prestó a la galería en 1922, rechazó la oferta y ha encargado a un marchante londinense que trate de venderla a quien ofrezca una suma superior.
La Galería Nacional está deseosa de conservar las obras prestadas, pero según fuentes del museo tiene dificultades.
La opción preferida sería lanzar una oferta para la serie cinco cuadros de Poussin.
Sin embargo, dado que desde el Gobierno no ha recibido una sola donación para adquisiciones específicas, no está nada claro que pueda permitirse comprar alguno de los ocho cuadros.
Una portavoz de la Galería Nacional recordó, sin embargo, que hace unos años el museo pudo adquirir una obra temprana de Rafael, "La Madonna de los Claveles", por veintidós millones de libras (unos 32,8 millones de euros ó 44,3 millones de dólares), que iba a exportarse al Museo Getty de California (EEUU).
Esa adquisición pudo llevarse a cabo gracias a dinero de la Lotería Nacional, del Consejo de las Artes del Reino Unido y de particulares.
FUENTE: EFE

La "Santa Rufina" de Velázquez vuelve a España para descansar en Sevilla.

2007-07-05T03:53:00.001-07:00

Después de 140 años en manos extranjeras, la pintura "Santa Rufina", atribuida a Diego de Velázquez, regresa a España, donde será la anfitriona de la nueva casa museo dedicada al genio del Barroco español en su ciudad natal, Sevilla.
"Crear la Casa Velázquez sin Sevilla es incomprensible, igual que es incomprensible Sevilla sin Velázquez", afirmó a Efe Juan Carlos Marset, concejal de Cultura del Ayuntamiento de la capital andaluza y uno de los principales promotores de esta adquisición.
La compra ha sido financiada por la Fundación privada Focus Abengoa, que será quien aporte los 12,47 millones de euros por los que se vendió hoy en la casa de subastas Sotheby's de Londres un cuadro que ya es, según los responsables de la firma londinense, la pintura antigua española más cara de la historia.
Además, la venta de "Santa Rufina", que rompió con gritos de alegría el silencio de los impasibles pujantes ingleses, batió el récord del precio pagado por una obra de Velázquez (1599-1660) que este mismo cuadro alcanzó en 1999 en una subasta en Nueva York.
"Toda esta operación es fruto de un convenio que va a desarrollar nuestra Fundación con el Ayuntamiento de Sevilla en la sede de la Fundación Focus Abengoa en esa ciudad", explicó Anabel Morillo, directora general de la entidad privada.
El cuadro, que será exhibido en la Casa Velázquez que se ubicará en el edificio del S.XVII que la Fundación tiene en pleno centro de Sevilla, podría en un futuro pasar a ser propiedad del Ayuntamiento de la ciudad por un "sistema de préstamos", del que su concejal de Cultura no ha querido dar detalles.
"El Ayuntamiento quería que el cuadro viniera a Sevilla y se quedara para siempre en Sevilla", incidió Marset, quien no descartó que un futuro próximo "Santa Rufina" pueda viajar a exposiciones temporales de museos de fuera de la capital andaluza, como por ejemplo El Prado de Madrid.
Y es que la obra, que pertenece a ese "exclusivo" club de menos de diez pinturas de Velázquez en manos privadas, ya había sido anhelada anteriormente por el Gobierno español.
En 1999, en una subasta en la sede de Nueva York de la firma Christie's, el Ministerio de Cultura pujó sin éxito por la obra, que finalmente se vendió a un comprador privado de Londres, el que ahora ha vuelto a subastarla.
En esta ocasión, la titular del Ministerio, Carmen Calvo, desestimó la posibilidad de pujar por la obra porque, como explicó, su departamento no puede "improvisar 9 millones de euros de un día para otro".
"Lamento que la Fundación tenga que hacer el papel que tiene que hacer el Estado. Es una pena que ni el Estado español ni la Junta de Andalucía hayan manifestado ningún interés", apuntó Benito Navarrete, experto en arte y discípulo de Alfonso Pérez Sánchez, antiguo subdirector del Museo del Prado y académico de la Historia.
Además de la propiedad de este cuadro, pintado en los primeros años de la década de los treinta del siglo XVII, también ha sido polémica la identificación del autor: en los últimos años, Jonathan Brown, catedrático de Historia del Arte de la Universidad de Nueva York, ha negado que pertenezca al pintor español.
"La gente no se juega los millones a la ruleta y ya se ha visto el precio que ha alcanzado el cuadro", apuntó Navarrete, quien definió la cantidad por la que se vendió la obra como "un homenaje a la credibilidad de Alfonso Pérez Sánchez, que fue la primera persona que demostró científicamente su pertenencia a Velázquez".
En el cuadro se puede ver la imagen de una joven Rufina, hermana de la también patrona de Sevilla Santa Justa, con un plato y una taza en su mano izquierda y una palma en su mano derecha, quien, según varios expertos, podría ser alguna de las dos hijas de Velázquez, Francisca e Ignacia.
Hasta ahora, la última referencia de un propietario español que se tenía era la de José María de Salamanca y Mayol (1811-1883), Marqués de Salamanca, quien se hizo con el cuadro hacia la mitad del siglo XIX y lo vendió en una subasta en París en 1867 al aristócrata británico William Ward, Conde de Dudley y Vizconde de Ednam.
En este sentido y en referencia al himno andaluz, Marset incidió que después de más de un siglo, "Santa Rufina" vuelve al país en el que se pintó "por Andalucía, España y la Humanidad".

FUENTE: EFE.

Venden una colección de acuarelas de Turner por 10 millones de libras.

2007-07-05T03:42:00.001-07:00

La mejor colección privada de acuarelas del maestro inglés JMW Turner en salir al mercado en los últimos años ha sido vendida por la casa de subastas Sotheby's por 10,7 millones de libras (15,8 millones de euros).
El vendedor, un aristócrata e industrial belga, dijo que se desprendía con auténtico pesar de las obras y no acudió personalmente a la subasta, celebrada anoche en Londres, porque era demasiado "doloroso" para él.
Las doce acuarelas, que cubren un período de 50 años en la carrera del artista, representan paisajes de la Europa continental -Suiza, Alemania, Francia e Italia- junto a dos marinas inglesas.
La obra que alcanzó el precio más alto, una acuarela que representa un lago suizo con el monte Wetterhorn al fondo, cambió de manos por 3,6 millones de libras (5,3 millones de euros).
La colección pertenecía al barón Guy Ullens, de 72 años, que construye actualmente un museo de arte contemporáneo en Pekín.
Ullens, cuya familia se dedica al refinado de azúcar, empezó a coleccionar pinturas y antigüedades chinas clásicas pero a partir de los años ochenta comenzó a interesarse por el arte chino contemporáneo del país asiático y ahora posee unas 1.500 obras.
En declaraciones que publica hoy el diario "The Daily Telegraph", el coleccionista belga se quejó de los precios exagerados que ha alcanzado últimamente el arte chino.
Ullens recuerda haber comprado por menos de 4.500 euros pinturas de artistas contemporáneos de ese país por cuyas obras se piden actualmente hasta 1,5 millones de euros.
Los precios del arte chino comenzaron a dispararse justo cuando el industrial se embarcó en el proyecto de construir su museo en Pekín, con lo que decidió acudir a su banco en busca de un crédito.
Cuando el banco se negó a aceptar su colección como aval, recurrió a la casa de subastas Sotheby's, que le ofreció en cambio una garantía financiera si aceptara vender sus Turner.
"Tengo una obligación para con China y sus artistas", afirma Ullens para justificar la venta de sus preciadas acuarelas.
FUENTE: EFE.

Descendiente de la familia Medici recupera la figura de Sofonisba, pintora de Felipe II .

2007-07-05T03:39:00.001-07:00

Autorretrato (1554)Kunsthistorisches Museum, Viena.

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El último descendiente de una de las ramas de la histórica familia italiana Medici, Lorenzo de Medici, ha recuperado la figura de Sofonisba Anguissola, pintora en la corte de Felipe II admirada por artistas de la época como Miguel Ángel o Anton Van Dyk, en la novela "El secreto de Sofonisba" (Ediciones B).
Sofonisba, nacida en Cremona (Italia) en torno a 1531, fue "la retratista más popular de la época", aseguró hoy De Medici en una entrevista con Efe, "tanto que Felipe II la llamó a su corte, aunque por su condición de mujer oficialmente ejercía como dama de compañía de la reina".
"El secreto de Sofonisba" arranca con un encuentro "mágico" entre la pintora italiana, con casi ya cien años, y un joven Anton Van Dyk, quien aconsejado por su maestro Rubens se empeña en conocer a una de las artistas "más admirada".
La trama se remonta sesenta años atrás de la conversación entre los dos pintores, cuando el Papa Pío IV ordena a un cardenal que se desplace hasta la corte de Felipe II con el fin de recuperar unos documentos "de vital importancia" para el regidor vaticano, cuyo secreto esconde el arzobispo de Toledo, encarcelado por el capitán general de la Santa Inquisición.
Un autorretrato de Sofonisba será el medio del cual el enviado papal se sirva para trasmitir de manera encriptada el mensaje de si el secreto está o no a salvo.
"Es una historia basada en hechos reales", indicó De Medici, quien se ha servido de hechos históricos como la conversación entre Van Dyk y Sofonisba o el encarcelamiento del arzobispo de Toledo acusado de herejía por parte de la Inquisición para construir una "historia de intriga de esas que no le dejan a uno dormir".
El escritor aseguró que la pintora italiana introdujo "importantes" novedades en la pintura, ya que "empleaba colores fuertes, detalles, gestos y, en definitiva, vida a sus retratos", en oposición a la pintura retratista habitual en las cortes, señaló.
Sobre ella, el famoso pintor Miguel Ángel dijo que "la admiraba mucho", a través de una carta que remitió al padre de Sofonisba, y Anton Van Dyk aseguró, al término de su entrevista con la anciana, haber aprendido de esta "más que de todos sus ilustres maestros", aseveró De Medici.
"Sofonisba era todo un personaje, una luchadora nata en un mundo de hombres. Chapeau", valoró el escritor, que "siempre" escribe historias sobre mujeres, como fue el caso de su anterior novela "La conjura de la reina", sobre su antepasado Catalina de Medici, o de la próxima que tiene pensado escribir, también sobre la relación entre dos históricas mujeres de su linaje.
"Como personajes, las mujeres dan más juego a la hora de escribir", consideró el autor, "sobre todo cuando se habla sobre sentimientos amorosos, aunque los hombres también los tengamos, o los tuvimos, o los tendremos", bromeó.
Lorenzo de Medici ha tomado el nombre de una de las figuras más representativas de la historia de su familia, apodado 'El Magnífico', "un personaje mítico contra en que he tenido que luchar toda mi vida", explicó.
El escritor de "El secreto de Sofnonisba" nació en Milán (Italia), aunque ha vivido y trabajado en varios países del viejo continente, lo que lo convierte en "un gran europeo".
Estudió Economía e Historia del Arte, colabora habitualmente en varios medios de comunicación alemanes y es autor de "Los Medicis, nuestra historia" y "La conjura de la reina", entre otros libros.
FUENTE: EFE

EXPOSICIÓN DE LA FOTÓGRAFA LEE MILLER

2007-04-23T22:54:00.000-07:00

El museo Victoria & Alberto (V&A) de Londres dedicará el próximo septiembre una exposición a la fotógrafa Lee Miller, con motivo de cumplirse los cien años de su nacimiento.

(Autorretrato 1943 New York).

Titulada 'El Arte de Lee Miller', el V&A mostrará algunos de los trabajos de esta fotógrafa estadounidense jamás exhibidos, así como instantáneas de Pablo Picasso y Charles Chaplin.
El museo, que expondrá imágenes tomadas en la Segunda Guerra Mundial (1939-45), pretende destacar la labor de la única mujer fotógrafa en zonas de combate.
La exposición abrirá el 15 de septiembre y se podrá ver hasta el 6 de junio del año próximo.
Miller empezó su vida profesional a los 20 años pero delante de la cámara ya que fue portada de la revista 'Vogue', mientras que fue musa de importantes fotógrafos de su tiempo, como Man Ray.
La artista estableció su primer estudio fotográfico en 1932 y se concentró en moda y publicidad.
Como fotógrafa 'freelance' de 'Vogue', Lee capturó con su cámara la liberación de París así como los campos de concentración de Buchenwald y Dachau (Alemania) y el piso de Adolfo Hitler en Munich.
Cien años después de su nacimiento (en 1907), la exhibición del V&A "cuenta la historia de una de las mujeres más creativas del siglo XX", dijo el comisario de la muestra, Mark Haworth-Booth, en una nota.
Miller murió en 1977 en Sussex (sureste de Inglaterra), donde vivió durante casi 30 años tras casarse con el poeta y pintor surrealista inglés Roland Penrose.

Fuente: EFE.

EXPOSICIÓN EN LA ALHAMBRA.

2007-04-23T22:51:00.000-07:00

La Alhambra acogerá por primera vez obras de Picasso, Dalí y Lorca en una exposición.

La Alhambra acogerá por primera vez obras de Picasso, Dalí y Lorca en una exposición que se inaugurará en marzo de 2008 y que conmemorará el 80º aniversario de la publicación de la revista cultural 'Gallo', fundada por el escritor granadino junto a otros intelectuales.

Así lo adelantó la directora del Patronato de la Alhambra y el Generalife, María del Mar Villafranca, que organiza junto a la Sociedad Estatal de Conmemoraciones Culturales esta muestra, que después de exhibirse en el recinto nazarí se expondrá en la Residencia de Estudiantes en Madrid.
Villafranca destacó que esta iniciativa permitirá que por primera vez se contemplen en la Alhambra tres obras de Picasso, correspondientes al cubismo sintético, al analítico y a su conocida como 'etapa feliz' (1917-1923) tras su matrimonio con Olga Koklova, pinturas que ilustraron el número 2 de la revista.
Añadió que ya han comenzado las gestiones para traer dos obras de Dalí que se encuentran en la Abadía de Montserrat y en el Museo Reina Sofía.
La exposición se completará con dibujos de Lorca y cartas con las que el artista granadino invitó a sus amigos a participar en la revista 'Gallo', un proyecto que trató de impulsar años antes de 1928, cuando apareció su primer número como suplemento cultural del diario 'El Defensor de Granada'.
Se podrán contemplar también trabajos de otros artistas que participaron en la publicación, como José Caballero, además de libros, folletos, afiches o viñetas, apuntó Villafranca.
Reflejo del ambiente cultural granadino
La exposición, al igual que lo hizo entonces la revista, reflejará el ambiente cultural de la Granada de 1928, "una ciudad de provincias en la que se generaron unas circunstancias muy interesantes desde el punto de vista de la creación", explicó la directora del Patronato.
"Se trata de recrear la atmósfera de cómo se gestaban experiencias como la de la revista 'Gallo', ya que sus impulsores eran muy temerosos sobre cómo se iba a visualizar dentro del ambiente muy reaccionario y muy conservador de la Granada de ese momento", añadió.
De hecho, sólo se publicaron dos números, si bien se recopiló material para un tercero que sólo décadas después vio la luz gracias a una edición facsímil en la que se plasmaron también las reuniones culturales y lúdicas que, con el apoyo de Fernando de los Ríos, se celebraban en la propia Alhambra y en ventorrillos de la provincia para impulsar este tipo de proyectos.
'Gallo' fue una corriente de aire fresco en esa sociedad apolillada, en la que los artistas que integraban su redacción analizaron la pintura y la literatura contemporánea y establecieron lazos con la vanguardia cultural del momento, asentada en Barcelona, como prueba la aparición en sus páginas del manifiesto de la pintura catalanista.
Tuvo como teórico de arte a Salvador Dalí, en ella publicaron obras Francisco Ayala, el propio Lorca e incluso su hermano Francisco, quien avanzó parte de la novela que entonces estaba escribiendo, "Roman en 15 jours á coté de la mer... et aprés", que no llegó a terminar.
Fuente: EFE.

EL HÉRCULES DE SERRÁN EN "EL ESTRECHO".

2007-04-23T22:48:00.000-07:00

África y España unidas de nuevo. Lo que el hijo de Zeus separó hace miles de años al unir las aguas del Mediterráneo y el Atlántico, según la mitología griega, el artista español Gines Serrán vuelve a juntar con su escultura en bronce 'Los Hércules y La Unión del Mundo'.

La escultura en bronce de el artista Ginés Serrán, 'Los Hércules y la Unión del Mundo'. (Foto: Ginés Serrán)

La obra, que ha durado más de nueve años en su gestación, se podrá apreciar desde este viernes en el puerto de Ceuta, ciudad natal de su creador. Sus siete metros de altura y cuatro toneladas de peso convierten al conjunto escultórico como la obra de mayores dimensiones realizada en bronce sobre la mitología clásica en el mundo.
El artista moderniza la leyenda para crear un emblema de paz. Transforma al héroe del Olimpo en "un símbolo de unión entre los países del mundo". La imagen tradicional de Hércules separando dos columnas se enfrenta a la creada por Serrán, en la que las abraza uniendo lo que él mismo separó. Elige el escenario original del mito, el estrecho de Gibraltar, como sede para emplazar la obra.
"Con esta escultura trato de crear un compromiso entre los gobiernos de alcanzar la paz. El mundo vive globalizado económicamente pero está dividido por la guerra y las diferencias religiosas y sociales", señala el artista.
Después de 30 años fuera de su ciudad, Serrán regresa con lo que quiere que sea un considerado un "símbolo de paz". Su objetivo es que los gobiernos se comprometan a trabajar a favor de la unidad de los países "en un contexto de diálogo y mutuo respeto a las diferentes culturas y creencias de los pueblos".
El escultor, protagonista de más de 125 exposiciones en los cinco continentes, ha vivido en Estados Unidos, Australia, Japón y China. En Asia se le considera como el artista occidental contemporáneo con más exposiciones.
La 'odisea' de su creación
Ginés Serrán se repartió entre Nueva York y China para trabajar en la realización de las esculturas. Dos años empleó en esculpir la obra, con una base de hierro y madera a la que le han aplicado barro para la realización del molde. Posteriormente se fundieron en bronce siguiendo la técnica empleada en el mundo clásico, aleación de 90% de cobre y el resto de estaño, para que perduren entre 8,000 y 10,000 años. Después del largo proceso de creación, la obra viajó por mar durante 30 días hasta llegar al puerto ceutí.
'Los Hércules y La Unión del Mundo' desbancan el lugar que tenía la figura de 'Heracles Farnesio' del Museo Arqueológico de Nápoles, como la mayor del mundo, con 3,17 metros de altura. Además, con este monumental conjunto escultórico, su creador pretende convertir a su ciudad en uno de los museos de esculturas de bronce al aire libre más importantes de Europa.
Fuente: Ana Paola Hernández. “El Mundo”.

ENCONTRADA LA CASA DONDE NACIÓ LA "MONA LISA"

2007-04-23T21:56:00.000-07:00

La casa donde nació la modelo de Leonardo da Vinci para su famoso retrato "Mona Lisa" o "La Gioconda", expuesto en el Museo del Louvre de París, ha sido localizada en la calle de los anticuarios de la ciudad italiana de Florencia, Via Sguazza.
Así lo aseguró hoy a la prensa el profesor italiano Giuseppe Pallanti, quien realiza una investigación de antiguos documentos que también ha sacado a la luz el lugar de la sepultura de la modelo en la que se basó Da Vinci (1452-1519) para pintar a la mujer de la sonrisa enigmática.
Lisa Gherardini, su verdadero nombre, era la esposa del comerciante florentino Francesco del Giocondo, de donde viene el nombre de "La Gioconda".
Había nacido el 15 de junio de 1479 y murió el 15 de julio de 1542, a los 63 años, en el convento de Santa Úrsula de Florencia (centro norte de Italia).
La misma investigación desveló que la mujer habitó en una casa frente a la de la familia de Leonardo, en la florentina calle Ghibellina, y que por su actividad comercial el marido de Mona Lisa se relacionaba con el padre del artista, el notario Piero da Vinci.
"La Gioconda", realizada entre 1503 y 1506 en Florencia, cuando Lisa Gherardini era veinteañera, es una de las pinturas más famosas del mundo y la identidad de la modelo y el significado de su expresión han generado interpretaciones y leyendas de todo tipo.
En vida de Da Vinci ya se barajaba la posibilidad de que esa fuera la identidad de la Mona o Monna Lisa.
La joven fue pintada en óleo sobre tabla de álamo mediante la técnica del "sfumatto", que consiste en difuminar los contornos de la figura, lo que propicia una sensación tridimensional y su inmersión en el paisaje que la rodea.
Fuente: EFE.

PELIGRA EL TEATRO ROMANO DE ASPENDOS.

2007-04-19T22:14:00.000-07:00

Teatro romano de Aspendos cerrado a actuaciones por peligrar su conservación.

El teatro romano de Aspendos, considerado uno de los mejor conservados del mundo, se cerrará a las actuaciones para que no peligre su conservación, informó hoy el diario turco Milliyet.
Así lo decidió el Consejo de Conservación de Bienes Culturales de la provincia de Antalya, en la que se encuentran el teatro romano y las ruinas de la antigua ciudad griega de Pamphylia, un gran reclamo turístico del sur de Turquía.

El teatro de Aspendos acogía desde 1995 el Festival Internacional de Ballet y Opera, además de variadas actuaciones musicales y teatrales.
Sin embargo, un informe arqueológico reveló en marzo que la masificación de estos actos, así como el movimiento de vehículos, podían poner en peligro la estructura del teatro.
Basándose en este aviso, el Consejo de Conservación decretó el cierre del teatro a los espectáculos, aunque permitirá su visita turística.
El teatro romano de Aspendos, construido en el siglo II sobre los restos de uno anterior griego, posee un diámetro de 96 metros y capacidad para 7.000 personas.
Durante el gobierno de los turcos selyúcidas (siglo XIII) fue reparado y se le añadió la entrada que se usa actualmente.
Fuente: EFE

HOMENAJE: FERNANDO BOTERO CUMPLE 75 AÑOS.

2007-04-19T21:45:00.000-07:00

Fernando Botero revela que está dedicado a pintar el mundo del circo.

El pintor y escultor colombiano Fernando Botero revelo hoy, cuando cumple 75 años, que está dedicado, desde hace meses, a pintar el mundo del circo. En la imagen, la embajadora colombiana Noemí Sanín impone al artista Fernando Botero la Orden de San Carlos en el grado de Gran Cruz con Placa de Oro, concedida por el Gobierno de Bogotá, durante el homenaje que los Gobiernos de España y Colombia, con motivo de su 75 cumpleaños, han ofrecido al artista en la embajada colombiana en Madrid. Foto: EFE

El pintor y escultor colombiano Fernando Botero revelo hoy, cuando cumple 75 años, que está dedicado, desde hace meses, a pintar el mundo del circo.
"Era uno de esos circos de los que iban a Medellín (ciudad en la que nació en 1932), cuando era niño; me pareció de una gran plasticidad y poesía", declaró Botero entrevistado por Radio Caracol con motivo de su cumpleaños.
Agregó que "era uno de esos circos en los que diez personas venden las entradas y también los refrescos, hacen de maromeros y de domadores de elefantes".
Señaló que empezó a pintar hace seis meses después de visitar un circo pobre en México.
"Se quedó para siempre en mi cabeza. Desde hace seis meses tengo la obsesión por los malabaristas y el mundo de los circos", remarcó el afamado pintor.
Señaló también que no es la primera vez que el circo es protagonista del arte y enumeró a "Toulouse-Lautrec, a Picasso, Leger, Calder, Chagall y muchos otros", como artistas que han dibujado escenas circenses.
"Lo importante es que cada uno hace su circo", añadió y consideró que "es una experiencia interesante, llena de color, y que los personajes tienen una actitud que no existe sino en el circo.
El artista reconoció que "a mis 75 años me siento como de 20", y confesó, además, que se sentía "abrumado y agradecido" por los homenajes que ha recibido por motivo de su cumpleaños.
Añadió que siente aún "una energía y vitalidad que me permite pintar todos los días, durante 8 horas, inclusive los sábados y domingos".
Agradeció y aludió también a la condecoración concedida por el gobierno español, La Gran Cruz de la Orden Isabel La Católica.
"Es un honor extraordinario que no esperaba y me complace que sea entregada por España, un país que significa mucho para mí", señaló
Y subrayó que, "a través de los años España y su cultura ha tenido una presencia fuerte en mi vida".
Confesó también que "lo más satisfactorio que me ha pasado en la vida es haberme descubierto a mí mismo, tener un estilo único".
"Eso lo logré siendo muy joven y a eso le debo todo en mi vida. Lograr que la gente vea un cuadro mío y sepa que es mío, es un gran honor que no tienen muchos", añadió.
Fuente: EFE.

UNA PINTURA DE BERNARDO BELLOTO MARCA UN NUEVO RÉCORD EN SUBASTA.

2007-04-19T21:42:00.000-07:00

Una pintura de Bernardo Belloto marcó hoy un nuevo récord en subasta de ese pintor italiano en un remate de Christie's en Nueva York en el que, sin embargo, El Greco y Canaletto se quedaron sin comprador. En la imagen, varios postores se sientan entre obras de arte durante la subasta realizada este jueves en la casa de subastas Christie's en Nueva York. Foto: EFE.

Una pintura de Bernardo Belloto marcó hoy un nuevo récord en subasta de ese pintor italiano en un remate de Christie's en Nueva York en el que, sin embargo, El Greco y Canaletto se quedaron sin comprador.
Las tres obras constituían los platos fuertes de un remate de 122 cuadros de pintura clásica europea que organizó esa casa de subastas y cuyas ventas totales alcanzaron 57,5 millones de dólares, siete millones y medio mas de lo estimado.
"El Gran Canal a la altura de la Iglesia de San Stae" es la obra que fija la nueva marca en remate de Bernardo Belloto, al superar los once millones de dólares.
Con un mínimo estimado en ocho millones de dólares, se trata de un lienzo que recoge una magnífica vista de Venecia y fue adquirido por un comprador anónimo.
Belloto es uno de los más importantes pintores italianos del siglo XVIII y su obra acusa una fuerte influencia de su tío, el maestro Canaleto, de quien también se ponía en venta otro paisaje veneciano.
"La Plaza de Marcos desde La Nueva Procuraduría y la Iglesia de San Geminiano", de Canaletto, se quedó, no obstante, sin vender al no alcanzar las pujas los cuatro millones de dólares en que Christie's había fijado el mínimo.
También un misterioso cuadro de El Greco, "El Soplón", se quedó sin comprador, al no llegar al estimado de cinco millones de dólares previsto por la casa de subastas.
La máxima oferta que tuvo la obra del maestro español, que salió en el lote numero 61, fue de 4,8 millones de dólares.
"Hoy no ha sido su día, cualquier otro lo será. El Greco es uno maestros de la pintura clásica europea y la puja no ha reflejado el prestigio que tiene en el mercado del arte", explicó a Efe el Relaciones Publicas de Christies, Rik Pike.
El Greco pintó "El Soplón" en la década de 1570, durante su estancia en Roma, y la que se puso hoy en venta es la primera de varias versiones, dos de las cuales se encuentran en el Palacio Uffizi de Florencia y el Palazzo Reale de Génova.
La pintura, un óleo sobre tela de 61 por 50,8 centímetros, muestra a un niño sobre un fondo negro, su rostro iluminado por una fuente de luz que titila y a la que sopla el menor.
La pintura pertenece a Virginia Kraft Payson, una acaudalada viuda de un hombre de finanzas, y Christie's confiaba que alcanzara una alta suma de dinero por la escasez de obras de El Greco que salen a la venta en el mercado.
Se trata, además, de uno de los pocos cuadros del pintor en que el protagonista no es de la realeza, o trata un tema religioso.
Aparte del cuadro de Belloto, otra de las obras que superaron hoy el estimado fueron "Glaucus y Scylla", una pintura tardía de Turner que se vendió por 6,4 millones de dólares cuando el mínimo había sido fijado en cinco millones de dólares.
En el remate también se vendieron cuadros de Cima da Conegliano, Lucas Valckenborch, Johann Heinrich Tishbein y Sebastian Ricci que suponen récords en subasta de esos pintores.
Pese a la falta de compradores para El Greco y Canaletto, la puja superó las expectativas de Christie's, cuyos directores de pintura clásica, Nichollas Hall y Richard Knight, expresaron su satisfacción "por el éxito del total de ventas".

Fuente: EFE.